PPGAC PROGRAMA DE PÓS-GRADUAÇÃO EM ARTES CÊNICAS (PPGAC) ESCOLA DE TEATRO Telefone/Ramal: Não informado
Dissertações/Teses

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2021
Dissertações
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  • ANDRESSA MENEZES OLIVEIRA
  • POLIFONIAS DO ESPETÁCULO: A MÚSICA COMO DISPOSITIVO METODOLÓGICO PARA A PREPARAÇÃO DE ATRIZES EM PROCESSOS CRIATIVOS DE TEATRO e questões de gênero naturalizadas a estes

  • Orientador : JOICE AGLAE BRONDANI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • EVANI TAVARES LIMA
  • JOICE AGLAE BRONDANI
  • MARIA ANDREA DOS SANTOS SOARES
  • Data: 25/02/2021

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  • Na busca da interação entre a música e o teatro, a presente dissertação tem como objetivo analisar a música como dispositivo metodológico sob a perspectiva da pedagogia teatral, verificando as contribuições para a preparação de atrizes sem deixar passar questões de gênero que foram surgindo no decorrer de um caminho de formação como atriz e preparadora de elenco, no que tange a musicalidade deste. Este estudo propõe a (re)elaboração de jogos teatrais a partir de elementos musicais. Para isso, foram revisitados e adaptados jogos existentes, bem como metodologias de treinamento da/do atriz/ator, chegando por fim, a criação de novos jogos, e, em uma sistematização de exercícios. Uma vez que, a abordagem metodológica proposta teve espaço de desenvolvimento no público alvo feminino, a pesquisa passou a apresentar um recorte de gênero, buscando assim uma forma de subversão, de ocupar os espaços que foram e são negados a nós atrizes durante tanto tempo e trazer à tona incômodas ações patriarcais/machistas naturalizadas no meio teatral. Desse modo, a pesquisa se insere em uma perspectiva feminista, e ao passar pela história das mulheres nas artes cênicas, se abre para contemplar discussões sobre a história das mulheres no teatro e questões de assédio sexual na sala de ensaio. Nesse sentido, além de reforçar um posicionamento político, a pesquisa visa contribuir para a expansão das formas de fazer/pensar a preparação da atriz em cena, refletindo acerca de quanto os elementos musicais, tais como: ritmo, melodia, harmonia, dinâmica, alinhados a preparação corporal de um processo criativo de teatro, podem possibilitar ao corpo da atriz a ampliação de suas expressões e movimentos corporais.


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  • In the search for the interaction between music and theater, this research aims to systematize theatrical games based on musical elements.  Therefore, this study proposes to think about the (re) elaboration of games that assist in the preparation of the actress in her creative processes.  For this, existing games will be searched and adapted, as well as training methodologies for the actress / actor arriving, finally, the creation of new games.  The proposed methodological approach is designed for the body preparation of women, which makes the research present a gender perspective, in which specificities of the female gender, such as the musicality of the actress's body, will be discussed.  In this sense, the research aims to contribute to the expansion of ways of making / thinking the preparation of the actress on stage, reflecting on how much the musical elements, such as: rhythm, melody, harmony, dynamics, aligned with the body preparation of a creative process of theater, can enable the actress' body to expand her expressions and body movements.

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  • MAÍRA OLIVEIRA
  • Ética não é titica: formação da atriz no Esquadrão da Vida Quando o Coração Transborda.

  • Orientador : DENISE MARIA BARRETO COUTINHO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • DENISE MARIA BARRETO COUTINHO
  • HEBE ALVES DA SILVA
  • FERNANDO ANTONIO PINHEIRO VILLAR DE QUEIROZ
  • RAFAEL LITVIN VILLAS BÔAS
  • Data: 19/03/2021

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  • Apresenta-se aqui uma reflexão sobre a ética do fazer teatral, a partir da vivência no grupo de teatro “Esquadrão da Vida”, fundado em Brasília, no ano de 1979, por Ary Pára-Raios, pai da autora, morto em 2003. A pesquisa advoga a ideia de que não há fazer teatral sem implicação ética que, por sua vez, é capaz de produzir experiências pessoais e sociais transformadoras. A dissertação foi escrita em forma de cartas para o pai, e descreve e analisa a história e trajetória do grupo e do processo criativo e encenação da peça “Quando o coração transborda”. Na carta-introdução, ideias sobre ética presentes no discurso de povos originários africanos e indígenas entremeiam-se ao contexto de produção do grupo que praticamente acompanhou o surgimento de Brasília. No primeiro capítulo-carta, o foco é o “Esquadrão da Vida”, seu nascimento, sua identificação com Brasília, sua história. O segundo capítulo-carta trata do processo criativo e da encenação do monólogo “Quando o coração transborda”, dirigido e encenado pela autora. No terceiro capítulo-carta, defende-se a importância do teatro feito com ética para um mundo diferente; a proposta é um manifesto ao teatro, neste tempo de pandemia.


  • Mostrar Abstract
  • This dissertation presents a reflection on the ethics of theatrical performance, based on the experience of theater group Esquadrão da Vida, founded in Brasília in 1979 by the author’s father, Ary Pára-Raios (1939-2003). The research advocates the idea that there is no theatrical performance without ethical implication, which in turn can produce transformative experiences both personal and social.

    The dissertation was written in the form of letters to the author’s father, describing and analyzing the history and trajectory of the group, as well as the creative process and staging of the play Quando o Coração Transborda. In the letter-introduction, ideas about ethics found in the discourses of indigenous peoples of Africa and America are interwoven with the production context of the theater group, whose history is mixed with the cultural history of Brasília itself. In the first chapter-letter, the focus is on Esquadrão da Vida, its inception, its identification with Brasília, its history.

    The second chapter-letter deals with the creative process and the staging of the monologue Quando o Coração Transborda, directed and staged by the author. The third chapter-letter defends the importance of theater done ethically for a different world; the proposal is a manifesto to theater in this time of pandemic.

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  • ADENILSON DE ANDRADE ARGOLO
  • CARTAS NUNCA ENVIADAS DE HISTÓRIAS NUNCA CONTADAS: OLHARES E REFLEXÕES SOBRE PROCESSOS CÊNICO-EDUCATIVOS ANCORADOS EM HISTÓRIAS DE VIDA

  • Orientador : ANTONIA PEREIRA BEZERRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANTONIA PEREIRA BEZERRA
  • CILENE NASCIMENTO CANDA
  • STENIO JOSE PAULINO SOARES
  • ANA LUCIA NUNES PEREIRA
  • Data: 31/03/2021

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  • Como se estabelece um processo cênico-educativo em uma abordagem das histórias de vida ancorada em memórias marginalizadas? Tal questionamento é respondido a partir de uma pesquisa teórico-prática, inspirada nas metodologias da pesquisa-ação e da abordagem das histórias de vida. Sendo assim, desenvolvo, junto a outros/as sujeitos/as dissidentes da cis e/ou heteronormatividade, as Oficinas Cena Queer, nas quais, a partir das narrativas de vida dos/as participantes, elaboramos um texto teatral e um experimento cênico, objetivando com essa vivência prática de construção cênica, além de responder à pergunta inicial, compreender e relacionar os postulados teóricos referentes às categorias que sustentam esta pesquisa: teatro, educação e histórias de vida. Nesse sentido, o desenvolvimento deste estudo se dá através de uma discussão acerca dos debates referentes ao teatro e à educação, em uma perspectiva de que todo teatro é um fazer educacional, relacionando esse fazer cênico da memória com uma educação que tem com princípios o diálogo, a emancipação e a libertação. Assim, traço uma reflexão sobre histórias de vida e analiso o modo pelo qual estas se estabelecem como metodologia de pesquisa, educação e criação cênica; finalizo com um apanhado de todo o percurso desenvolvido nas Oficinas Cena Queer, buscando compreender como se estabeleceu os processos educativos com os participantes e os espectadores da cena.


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  • How does the articulation between education, theater, and sexual and gender dissidences occur in a creative process based on life stories? In the course of this paper, based on a theoretical-practical research, inspired by the methodologies of action research and performative writing, anchored in the approach of life stories, I develop, together with tolher dissident subjects, the Cena Queer Workshops, in which, based on the participants’ life narratives, we elaborate a drama text and a scenic experiment, aiming, from this practical experience of scenic construction, to answer this question, as well as to understand and relate the theoretical postulates, referring to the categories that support this research – theater, education and sexual and gender dissidences – and that are the bases of what I call Dissident Theater. In this sense, the development of this research takes place through a discussion about the debates regarding sex, sexuality, gender, compulsory heterosexuality, etc. and its unfolding within artistic theatrical work, relating it to the principles of dialogue, emancipation and liberation. Tracing a reflection on life stories, I analyze the way in which they are established as a methodology for research, education and scenic creation and conclude with na overview of the entire path developed in the Cena Queer Workshops based on the methodological paths adopted.

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  • UERLA SANTOS CARDOSO
  • CORPO EM DESASSOSSEGO: POR UM ESTADO DE POESIA E SENSIBILIZAÇÃO DOS SENTIDOS NO OFÍCIO DE ATRIZ

  • Orientador : SONIA LUCIA RANGEL
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CECILIA MARIA DE ARAUJO FERREIRA
  • RAIMUNDO MATOS DE LEAO
  • SONIA LUCIA RANGEL
  • Data: 15/04/2021

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  • Corpo em desassossego constitui uma pesquisa em poéticas cênicas numa via prático-teórica, que busca e expõe o desassossego do corpo de uma atriz que se coloca em imersões pela ampliação dos sentidos, em contato com a natureza e seus elementos, para gerar uma encenação solo, cuja dramaturgia em processo também integra esta dissertação. Inspira-se na abordagem artístico-compreensiva proposta pela professora Sonia Rangel, que considera como um dos princípios dominantes o pensar por imagens. Toma-se, como guia de trajeto, a pergunta-passaporte: é possível, através do autoconhecimento, da ampliação dos sentidos, da descoberta de estados criativos genuínos, alcançar um nível mais sutil e afetuoso de presença cênica?

    Considera-se a experiência da atriz em várias imersões, com os registros em seus diários de bordo e sua poesia de imagens, sons e palavras. Esses registros de imersões, realizadas no Vale do Capão, na Chapada Diamantina, e em Salvador, se mesclam, como fonte de inspiração, ao pensamento do poeta Fernando Pessoa, principalmente ao conectar ideias, tanto no texto dramático como no texto cênico, a escritos do Livro do Desassossego, de seu homônimo Bernardo Soares, e poemas dos também homônimos Alberto Caeiro, Álvaro de Campos e Ricardo Reis, fragmentos que inspiram o corpo da atriz-pesquisadora em seu desassossego.

    Acrescentam-se, no diálogo crítico-reflexivo, autores como Ailton Krenak, Davi Kopenawa, Eugenio Barba, David Le Breton, Gaston Bachelard e Sonia Rangel, entre outros. Ao levantar questões, nas situações de imersões específicas, a pesquisadora experimenta e discute poeticamente o movimento genuíno e a memória física num corpo que se põe em estado de poesia e em autoconhecimento para melhor estar, sentir e perceber o mundo como experiência, quando e onde cena e vida se entrelaçam.


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  • Uneasy body is a research in scenic poetics, in a practical-theoretical way, which seeks and exposes the uneasiness of an actress body that is immersed by the expansion of the senses, in contact with nature and its elements, for generate a solo performance, whose dramaturgy in process is also part of this dissertation. It is inspired by the artistic-comprehensive approach proposed by Professor Sonia Rangel, considering thinking by images as the dominant principle. The passport question is taken as a route guide: is it possible, through self-knowledge, the expansion of the senses, the discovery of genuine creative states, to reach a more subtle and affectionate level of scenic presence? The experience of the actress in various immersions is considered, the records in her logbooks, with her poetry of images, sounds and words. These records, of immersions carried out in Vale do Capão, Uibai, interior of Bahia and Salvador are mixed as a source of inspiration to the thought of the poet Fernando Pessoa, mainly by connecting ideas, both in the dramatic text and in the scenic text, to the writings of the Book do Desassossego, by his namesake Bernardo Soares, and poems by also homonyms Alberto Caeiro, Álvaro de Campos and Ricardo Reis, fragments that inspire the body of the actress-researcher in her unrest. Authors such as Eugenio Barba, David Le Breton, Gaston Bachelard, Sônia Rangel, among others, are added to the critical-reflexive dialogue. When raising questions in these specific immersion situations, the researcher experiences and poetically discusses genuine movement, physical memory in a body that puts itself in a 'state of poetry' and in self-knowledge to better be, feel and perceive the world as an experience, when and where scene and life intertwine.

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  • RAIMUNDO KLEBERSON DE OLIVEIRA BENÍCIO
  • A MUTABILIDADE DAS RECEPÇÕES: DO PRESENCIAL AO VIRTUAL

  • Orientador : MARCELO SOUSA BRITO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CECÍLIA LAURITZEN JÁCOME CAMPOS
  • FLÁVIO AUGUSTO DESGRANGES DE CARVALHO
  • MARCELO SOUSA BRITO
  • Data: 01/06/2021

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  • O objetivo da pesquisa adequa-se aos estudos sobre a recepção em diversas perspectivas diretamente relacionadas aos aspectos de interatividade entre/com a virtualidade. A partir das obras fílmicas, espetaculares e performativas, busca esquadrinhar a investigação das relações entre fruição presente e fruição ausente enquanto campo de tensionamento, possível de perceber via expectação instaurada com a recepção virtual e presente durante a fruição ao objeto. Nesse sentido, os termos análise-reconstituição e análise-reportagem, bem como entrevistas semiestruturadas, coleta de recepções (documentos nato digitais) e revisão bibliográfica constituem o campo metodológico. Dividida em três partes, esta pesquisa está relacionada ao território de materialidade da experiência desenvolvida em diferentes percursos transdisciplinares ao campo da recepção e da teatralidade nas artes da cena. Bem como, tem como esforço proporcionar reflexões sobre alguns aspectos de efeitos que as mídias digitais, sobretudo as redes sociais, causam no ato de receber um conteúdo, seja imagético ou “apenas” busca por consumo, reflexo de uma Sociedade Transestética. Com isso, descortinam-se diversas perspectivas das relações híbridas nas quais o público se encontra imerso tanto on-line como off-line. As reflexões tornam-se um convite para desvelar e imergir em campos deslizantes na pesquisa em artes cênicas contemporânea, proporcionando diversas tensões.


  • Mostrar Abstract
  • The objective of this research is suitable to the line of studies on reception in several perspectives directly related to the aspects of interactivity between/with the virtuality, based on filmic, spectacular and performative proposals, on the premise of the investigation of the relations between present and absent reception as a field of tensioning what can be seen with the expectation that is established with the virtual reception and present during the fruition to the object. As methodology we'res use the terms analysis-reconstitution and analysis-reportage, semi-structured interviews such as collection of experiences with other recipients and receivers, collection of virtual receptions and bibliographic reviews of some’s literatures, among others. This research is divided into three parts, mainly related to the territory of materiality of the experience developed in different transdisciplinaries paths to the field of reception and theatricality in the arts of the scene, with this, it is unveiled several perspectives, of the hybrid relationships in which the public is immersed both online and offline. Reflections become an invitation to uncover and immerse themselves in sliding fields contemporary arts research, providing various tensions.

6
  • OTÁVIO JOSÉ CORREIA NETO
  • A luz na dramaturgia: A iluminação cênica como dispositivo narrativo a partir da fisicalização das imagens poéticas

  • Orientador : EDUARDO AUGUSTO DA SILVA TUDELLA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • EDUARDO AUGUSTO DA SILVA TUDELLA
  • GEORGE MASCARENHAS DE OLIVEIRA
  • NADIA MOROZ LUCIANI
  • Data: 18/06/2021

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  • A pesquisa busca relacionar a iluminação cênica ao discurso do espetáculo, a partir dos princípios do drama, a fim de dissociá-la do caráter exclusivamente técnico ou virtuoso, defendendo sua natureza poética e sua importância na efetivação do discurso e da narrativa do espetáculo. Para isto, demonstra-se o poder narrativo da imagem e sua capacidade de definir a camada da narrativa a ser abordada, desde o foco na intriga, nas personagens e no discurso. Utilizando como ponto de partida o diagrama de análise actancial proposto por Greimas, e as forças presentes na ação dramática, defendido por Soriau, propõe-se a construção do gráfico que represente visualmente o fluxo narrativo do espetáculo em função do estado de fortuna e transformação das personagens, e a partir deste gráfico pode-se elaborar a narrativa visual do espetáculo a partir do conceito de idioma – luz e seu vocabulário visual, tendo como princípio as imagens poéticas presente no texto dramático.  A partir da análise da iluminação da montagem do espetáculo Algo não dito de Tennesse Williams, é demonstrado como essas imagens propostas poderão ser fisicalizadas e efetivadas na presença iluminação cênica. Deste modo conclui-se que os métodos e manuais existentes são importantes para auxiliar a execução e efetivação da iluminação cênica. Mas cada iluminador irá propor um idioma – luz e um vocabulário visual distinto, com diferentes imagens, a partir de suas vivências e pessoalidades, tornando a luz de cada espetáculo única.


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  • The research seeks to relate the stage lighting to the discourse of the spectacle, based on the principles of the drama, in order to dissociate it from the exclusively technical or virtuous character, defending its poetic nature and its importance in the realization of the discourse and narrative of the spectacle. For this, it demonstrates the narrative power of the image and its ability to define the layer of the narrative to be approached, from the focus on intrigue, characters and discourse. Using as a starting point the diagram of actancial analysis proposed by Greimas, and the forces present in the dramatic action, defended by Soriau, we propose the construction of a graph that visually represents the narrative flow of the spectacle according to the state of fortune and transformation of characters, and from this graph, the visual narrative of the spectacle can be elaborated based on the concept of language - light and its visual vocabulary, based on the poetic images present in the playscript. From the analysis of the light of the montage of the spectacle Something unspoken by Tennesse Williams, it is demonstrated how these proposed images can be physicalized and made effective in the presence of stage lighting. Thus, it is concluded that the existing methods and manuals are important to assist the execution and effectiveness of stage lighting. But each light designer will propose a language - light and a distinct visual vocabulary, with different images, based on their experiences and personalities, making the light of each spectacle unique.

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  • FERNANDA SILVA NOGUEIRA
  • O TEATRO NEGRO NA ARTE-EDUCAÇÃO DO CENTRO DE REFERÊNCIA INTEGRAL DE ADOLESCENTES - CRIA Um olhar autoetnográfico

  • Orientador : LUIZ CLAUDIO CAJAIBA SOARES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ALEXANDRA GOUVEA DUMAS
  • EVANI TAVARES LIMA
  • LUIZ CLAUDIO CAJAIBA SOARES
  • NOELI TURLE DA SILVA
  • Data: 28/06/2021

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  • Este trabalho descreve a arte produzida pelo Centro de Referência Integral de Adolescentes - CRIA, ONG situada no Pelourinho, Centro Histórico da cidade de Salvador, na perspectiva do teatro negro. Trata-se de uma investigação de campo qualitativa, um estudo de caso de caráter descritivo e analítico que busca verificar se as produções teatrais da referida ONG podem ser compreendidas como teatro negro de acordo com a definição de Leda Maria Martins. O estudo analisa as produções artísticas do CRIA de 2012 a 2018. O recorte temporal da pesquisa se intercepta com a minha atuação dentro da instituição, quando passo de jovem atriz para arteeducadora. A pesquisa concentra-se na investigação de produções artísticas engajadas que não negligenciem os elementos estéticos e poéticos da cena e que possam evidenciar a história cultural afro-brasileira. Analisa também as interseções entre o processo pedagógico utilizado para criação dos espetáculos da instituição com conceitos pedagógicos afro referenciados. Fundamentam essa pesquisa autores como Evani Tavares de Lima, Abdias Nascimento no que se refere ao teatro negro e Maria Eugenia Milet com a sistematização feita em 2002 sobre o teatro do CRIA. A pesquisa utiliza como método de abordagem a autoetnografia com base nas ideias de Daniela Versiani e relaciona o teatro com a educação estabelecendo conexões com o conceito de teatro negro enquanto matriz estética e política com as construções dos projetos de vida dos jovens e adolescentes integrantes do CRIA. 


  • Mostrar Abstract
  • The present research investigates the art produced by the Centro de Referência Integral de Adolescentes – CRIA (Integrated Reference Center for Teenagers), a nongovernmental organization located at Pelourinho, Historic Center of Salvador, throughout the perspective of the black theater. This is a qualitative field research, a descreptive and analytical case study that aims to verify whether the theater productions from the above mentioned NGO might be comprehended as black theater, according to its definition by scholar Leda Maria Martins. This study analyzes CRIA’s artistic productions that took place between 2012 and 2018. Its time frame is connected to my own participation in the institution, starting as a young actress and moving to be an art educator. The significance of the study is based on the connections between CRIA’s theater and black theater as well as on the need of investigating an engaged artistic production that does not neglect the aesthetic and poetic elements of the scene and that might be able to evince the Afro-Brazilian cultural history. The research also analyzes the intersections of the pedagogical processes used on the creation of the institution’s theater plays and Afro-referenced pedagogic concepts. Evani Tavares de Lima and Abdias Nascimento are some of the authors on which this research is based on, relating to black theater and also Maria Eugenia Milet on what concerns the systematization of CRIA’s work. The autoethnography method is used in the research,, based on Daniela Versiani’s (2005) ideias. The study relates theater and education, establishing connections with black theater as an aesthetic and political matrix and also with the life projects of CRIA’s young and teenage members.

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  • THIAGO DA CUNHA ROMERO
  • Atlânticas Narrativas: em busca do teatro da bixa preta 

  • Orientador : JOAO ALBERTO LIMA SANCHES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JOAO ALBERTO LIMA SANCHES
  • MARCELO SOUSA BRITO
  • PAULA ALICE BAPTISTA BORGES
  • Data: 14/07/2021

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  • O trabalho apresenta, a partir da trajetória realizada pelo encenador junto ao coletivo Teatro da Queda e da analise das encenações dos espetáculos Madame Satã e Afronte Akulobee, discussões possíveis em uma encruzilhada entre as artes cênicas; os estudos de gêneros e sexualidade; e as relações étnico-raciais no processo de formação do encenador. A dissertação reflete sobre possibilidades diversas de escrita de si, através dos corpos das bixas pretas como dispositivos para uma Afro-fabulação – conceito proposto por Tavia Nyong’o que indica o exercício de fabular para além da representação: inventar, forjar genealogias, filiações, temporalidades, imagens, arquivos, acontecimentos e torná-los uma estratégia potente de expressão cênica. 


  • Mostrar Abstract
  • From the trajectory carried out by the director with the Teatro da Queda collective and based on the analysis of the staging of the shows Madame Satã and Afronte Akulobee, the work presents possible discussions at a crossroads between the scenic arts; gender and sexuality studies; and ethnic-racial relations in the director's formation process. The dissertation reflects on different possibilities of self-writing, through the bodies of black bixas as devices for an Afro-fabulation – a concept proposed by Tavia Nyong'o that indicates the exercise of fable beyond representation: inventing, forging genealogies, affiliations, temporalities, images, files, events and make them a powerful scenic expression strategy.

9
  • AMANDA PACHITO DE AMORIM LIMA
  • Do Atuante-Cenógrafo e suas criações cênicas: um passeio-estudo por possíveis caminhos teórico-metodológicos

  • Orientador : HEBE ALVES DA SILVA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • HEBE ALVES DA SILVA
  • José Sávio Araújo
  • SONIA LUCIA RANGEL
  • Data: 25/08/2021

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  • O trabalho visa reunir e discutir possíveis fundamentos de trabalho para um atuante que, para além de seu desempenho, almeja ser também o criador da cenografia de sua cena. Trata-se de uma “caixa de ferramentas” e um convite para pensar a criação cênica associando as funções de ator e de cenógrafo em um mesmo artista. A pesquisa parte de estudos teóricos, organizados em função de três pilares de abordagem: conceitos técnico-artísticos da composição cenográfica; o ator como habitante e criador do/no espaço; e procedimentos de criação cênica que associam o desempenho do ator e a cenografia.


  • Mostrar Abstract
  • This paper aims to raise discussions and reflections upon a possible line of work for the actor, which comprises, in addition to his/her performance, the proposition of a stage design for the scene. This argument is structured in the form of a guide for this type of actor. Given the contemporary disposition toward the blurring of borders between different creative areas within theatre arts, as well as a demand for integration of various creative fields, this paper aims to contribute in the filling of theoretical gaps concerning the multifuncionalism in theatre arts, specially concerning its creative processes and procedures. Thus, it is proposed a bibliographic and reflexive study, aiming to present some concepts and fundaments concerning the creation of scenography, which are shared with other fields of study, such as Visual Arts and Architecture, discussing their implications on the actor‟s creative process and performance. Besides, some reflections are raised from the theories of Genetics of Creation, Phenomenology of Perception and Intersemiotics of the Theatre Arts in order to better elucidate some mechanisms of ambivalent creation as well as its implications for this type of artist. Lastly, it is introduced the proposition of some creative procedures which show facilitating potentials for creative movements that comprise both acting and scenography, in an integrated manner, in order to point to practical practices linked to the theories and concepts discussed in this research. After establishing the connections between the theories, the concepts and the procedures that were presented, this research concludes that the overlapping of the creative functions discussed may enrich the artist‟s creative potentials, further integrating him/her to other elements of the spectacle, as well as providing him/her with different tools to deal with the creative process of theatre arts. The study also considers in its conclusions the potential that such practice presents to become part of some actor formation programs, in the sense of providing integrating and horizontalizing experiences within theatre creation. 

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  • JOÃO VICTOR SOARES DOS SANTOS
  • “MUSICENAFRO NA ESCOLA: SISTEMATIZAÇÃO DE UMA PROPOSTA PEDAGÓGICA NEGRORREFERENCIADA EM TEATRO”

  • Orientador : EVANI TAVARES LIMA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • EVANI TAVARES LIMA
  • CELIDA SALUME MENDONCA
  • TÁSSIO FERREIRA SANTANA
  • Data: 03/09/2021

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  • A pesquisa se localiza no contexto da pesquisa em artes, mas precisamente, no campo da pedagogia teatral, com foco na reflexão e elaboração de conteúdos para o ensino de teatro, para a educação básica, ligados às culturas negras e as relações raciais. O objeto deste trabalho é a MUSICENAFRO na escola: sistematização de uma proposta pedagógica negrorreferenciada em teatro”, para o contexto formal de educação, para crianças do ensino fundamental dos anos iniciais, durante um ano letivo em uma escola pública de Salvador-Ba. A proposta é de implementação futura, no retorno das aulas presenciais. O exercício proposto pela pesquisa é de pensar um plano didático pedagógico negrorreferenciado de modo ampliado, desde a fundação teórica das opções teórico-metodológica, passando pelo detalhamento das ações e contemplando também a criação de jogos. E nesse processo busca-se delimitar a concepção de pedagogias negrorreferenciadas em teatro, a partir de exemplos de algumas práticas pedagógicas identificadas com este caráter, para então apresentar as diretrizes teórico-metodológicas que fundamentam o plano proposto. Uma das questões que conduz o trabalho: de que forma as relações raciais, a identidade negra e as culturas negras podem ser trabalhadas no ensino fundamental – anos iniciais na escola? Caracteriza a estratégia metodológica deste plano a utilização da música (letras, sonoridades, ritmos,) como disparador para o trabalho com a cena e a tematização da identidade negra. Nesse caso, o universo musical visitado é o pagode e o samba reggae (do Ilê Ayê).  As problematizações apresentadas serão ancoradas, principalmente, nos autores: Viola Spolin (2001), Augusto Boal (2006), Nilma Lino Gomes (2012), Kabengele Munanga (2020) e Silvio Almeida (2021). Acredita-se que essa articulação musica-teatro-identidade potencializa e facilita o trabalho com temas como ancestralidade, auto estima, respeito às diferenças e identidade negra, no ensino fundamental. 

    Palavras-Chave: Teatro; Pedagogia Teatral; Negrorreferenciado (a); Identidade Negra; Musicenafro


  • Mostrar Abstract
  • This work is inserted in the context of artistic researches, more specifically in the field of Pedagogical Theater, with an emphasis on the study and elaboration of contents for the teaching of Theater in basic education directed to black cultures and racial relations. The object of this work is the “MUSICENAFRO at school: systematization of a black-referenced pedagogical proposition in Theater”, intended for the formal context of education as well as for elementary school children in the early years. This proposal is designed for a future implementation, during the school year in a public school in Salvador, Bahia, in the return of classroom classes after isolation by the current pandemic. The exercise developed by this research is to think of a black-referenced pedagogical plan in an expanded way, ranging from the theoretical foundation of the theoretical-methodological options, passing through the detailing of actions, finally reaching the creation of games. In this process, a conception of black-referenced pedagogy in Theater was delimited, identifying some pedagogical practices with this characteristic, in order to present the theoretical-methodological guidelines that underlie the proposed plan. One of the main questions that drive the work is: in what ways can race relations, black identity and black cultures be worked on in elementary school – early years? The methodological strategy of this plan is characterized by the use of music (lyrics, sounds, rhythms, etc.) as a trigger for working with the scene, based on the theme of black identity. In this case, the musical universe visited is the pagode (using songs by singer Léo Santana) and the samba-reggae (coming from the musical group Ilê Aiyê). The problems presented were based mainly on the authors: Viola Spolin (2001), Augusto Boal (2006), Kabengele Munanga (2020), Fausto Antonio (2015) and Rosana Souza (2016). It is believed that this triple articulation "musictheater-identity" can enhance and facilitate the work with themes such as ancestry, self-esteem, respect for differences and black identity in elementary school.

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  • ÍRIS BARBOSA FARIA ALMEIDA VEGA
  • EU TENHO QUE ESTAR ONDE EU QUERO ESTAR: REFLEXÕES DE GÊNERO SOBRE A REPRESENTAÇÃO DE MULHERES EM CRIAÇÕES DRAMATÚRGICAS E MONTAGENS CÊNICAS

  • Orientador : GEORGE MASCARENHAS DE OLIVEIRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANTONIA PEREIRA BEZERRA
  • GEORGE MASCARENHAS DE OLIVEIRA
  • SILVIA PATRICIA FAGUNDES
  • Data: 30/11/2021

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  • Este trabalho propõe discussões referentes às presenças de personagens mulheres e das mulheres nas criações de textos teatrais a partir de questionamentos de gênero embasados em perspectivas feministas. Ao longo do trabalho é discutida a seguinte questão: Como configurar estratégias de análise para peças teatrais e montagens cênicas que proponham a discusssão e desconstrução de questões de gênero enquanto categoria de análise, considerando-se especialmente o modo como as mulheres são representadas artisticamente? Para tanto, são expostas pesquisas que apresentam desigualde de gênero em diferentes linguagens artísticas, notadamente nas artes visuais e no cinema e, em outros países, também no teatro. Em seguida, é introduzido um breve estado da arte referente às produções acadêmicas de pesquisadoras brasileiras que, nas artes cênicas, abordam as questões de gênero, assim como são apresentas algumas obras artísticas e grupos teatrais que exploram essas temáticas na cidade de Salvador. Tendo em vista desenvolver critérios de análise para os espetáculos teatrais, é contextualizado e discutido o Teste de Bechdel-Wallace, que inspirou aa criação do exercício-teste Faria-Vega. O Teste Faria-Vega consiste na proposição de um instrumento de análise com caráter de jogo a ser aplicado em textos dramatúrgicos e espetáculos teatrais, tendo em vista contribuir para as discussões de gênero no teatro. O teste é aplicado nos textos dramatúrgicos Casa de Bonecas, As Velhas, Noivas, A Mulher Como Campo de Batalha e em três espetáculos selecionados, A Primeira Vista, Ânsia e Refazendo Salomé. As conclusões desse trabalho expõem ferramentas presentes nas epistemologias teatrais como dispositivos de desconstrução de dicotomias presentes nos paradigmas de gênero, apontando a importância da presença de mulheres e da atenção para o modo como estão as personagens mulheres estão representadas em cena.


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  • The present work deals with the presence of women and female characters in dramas and creative processes based on gender questions from a feminist perspective. Throughout the work, the following question is discussed: How to set up analytical strategies for drama and theatrical productions based on the deconstruction of gender as a category of analysis, especially considering how women are artistically represented? Initially, research works that approach gender inequality in different artistic languages -  notably in visual arts, cinema and theatre - are presented. Then, a brief state of the art is introduced regarding the academic productions of Brazilian researchers who address gender issues in performing arts. In addition, some artistic works and theatre groups from Salvador (Bahia-Brazil) that deal with those themes are presented. In order to develop analysis criteria for theatrical performances, the Bechdel-Wallace Test, which inspired the creation of the Faria-Vega test exercise, is contextualized and discussed. The Faria-Vega Test consists of a game-based proposition of analysis tool to be applied in dramaturgical scripts and theatrical performances, in order to contribute to the gender discussions in theater. The test was applied in written drama such as Casa de Bonecas, As Velhas, Noivas, A Mulher Como Campo de Batalha and in three selected plays, A Primeira Vista, Ânsia and Refazendo Salomé. As a result, the research proposes analytical tools that might contribute to the deconstruction of dichotomies in gender paradigms in performing arts, particularly related to how women are represented in written drama and on the stage.

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  • RAFAEL MARTINS DE OLIVEIRA
  • DO TEATRO AO CINEMA: UMA CARTOGRAFIA AFETIVA DO PROCESSO CRIATIVO DO FILME INFERNINHO

  • Orientador : LUIZ CESAR ALVES MARFUZ
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LUIZ CESAR ALVES MARFUZ
  • PAULO HENRIQUE CORREIA ALCANTARA
  • FRANCIMARA NOGUEIRA TEXEIRA
  • Data: 22/12/2021

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  • Esta pesquisa é um mapeamento dos afetos, intensidades, relações e modos de vida que permearam o percurso criativo do longa-metragem cearense Inferninho (2018), de Guto Parente e Pedro Diógenes. No filme - que foi criado a partir de uma aproximação entre artistas de teatro e cinema, uma parceria entre Grupo Bagaceira de Teatro, Marrevolto Filmes e Tardo Filmes - o artista-pesquisador assume as funções de corroteirista e ator (atuando no personagem Coelho). A descrição do processo é feita em primeira pessoa, resultando em uma escrita encarnada, de traços performativos. O aporte teórico privilegia duas esferas: a primeira é composta por artistas de diversas linguagens, acadêmicos ou não, que refletem sobre práticas de criação; a segunda é constituída por pensadores que, direta ou indiretamente, deram sequência ao legado do filósofo holandês Baruch de Espinosa levando em consideração a unidade corpo/mente e a questão dos afetos em campos como epistemologia, crítica social, filosofia, clínica, linguística, dentre outros. Conclui-se que, nesse percurso criativo permeado por mortes e rupturas em diversos níveis, os gestos de criação do artista-pesquisador são frutos de uma força vital, um esforço de sobrevivência, de não sucumbir aos afetos tristes de nossa época. Essa força ficou encarnada no discurso e na poética da obra, fazendo de Inferninho uma experiência ética, estética e política de afirmação da vida.


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  • This research is a mapping of the affects, intensities, relationships and ways of life that permeated the creative process of Inferninho, a Brazilian (Ceará) 2018 film directed by Guto Parente and Pedro Diógenes. In the film — which brought together artists from both theatre and cinema by a partnership between the Bagaceira Theatre Group, Marrevolto Films and Tardo Films — the artist-researcher takes both the role of co-screenwriter and actor (as the character Coelho). The description of the process is done in first person, resulting in an embodied and performative writing. The theoretical foundation of this research is composed by artists from diverse points of views, both from inside and outside the Academy, with focus on the creative practice; by researchers that gave sequence to the heritage of the Dutch philosopher Baruch de Spinoza, considering the unity body/ mind and their understanding of “affect” in the fields of epistemology, social critique, philosophy, clinic, linguistics, and others. In sum, this research shows how the creative process is permeated by deaths and ruptures in diverse levels, the creative gestures of the artist-researcher being the outcome of a vital force, a survival effort to not succumb to the pain and sorrow affects or our time. Such effort became embodied in the discourse and in the poetics of the film, making Inferninho a life affirming experience that is at the same time ethic, aesthetic and political.

     

Teses
1
  • LÍLITH DE MORAES MARQUES
  • LUNETAS PARA ESPAÇO ABERTO: Uma atriz em travessia poiética com Imagens

  • Orientador : SONIA LUCIA RANGEL
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CLEISE FURTADO MENDES
  • JOICE AGLAE BRONDANI
  • JORGE DAS GRAÇAS VELOSO
  • MARIANNE TEZZA CONSENTINO
  • SONIA LUCIA RANGEL
  • Data: 26/03/2021

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  • Trata-se de uma investigação prático-teórica movida pela principal Pergunta-
    Passaporte: Como uma atriz cria por imagens? Inspirada na abordagem Artístico-
    Compreensiva proposta pela prof.ª Dr.ª Sonia Rangel, a atriz se propõe a brincar de ver
    seu cosmo pessoal, partindo do exercício de criação cênica laboratorial para ensaiar uma
    multiplicidade de respostas. Nessa travessia poiética, as cenas nasceram concomitantes
    à criação da sua escrita dramática, que também compõe a tese, assumindo a forma lírica
    numa Dramaturgia Contingente que gerou a encenação intitulada Lunetas Para Espaço
    Aberto, objeto e meta desta pesquisa. Compõem a metodologia os Laboratórios de
    Criação, internos e/ou abertos, além de cinco estratégias compositivas articuladas pela
    pesquisadora: Lugar de Espiar, Perguntas-Passaporte, Poesguia, Altares-Instalação e
    Geração de Imagens. Como Princípios Orientadores do percurso criativo destacam-se:
    O Pensar por Imagens, O Exercício do Transver, A Mitopoiética, A Experiência e O
    Devaneio. Tais princípios são forças impulsionadoras do processo, espreitando as
    possíveis insurgências na geração das Imagens, sobretudo nas Figuras Mitopoiéticas,
    denominadas Lunetas, que compõem os duplos da atriz em cena: Suzana, Kassandra e
    Lilith Mito. No estudo da atriz sobre si mesma, a fim de per formar seu criar-pensar, são
    reconhecidos os modos de operação de sua poiesis cênica com Imagens: um olhar de
    atriz-poeta se forja. A pesquisa dialoga, entre outros campos, com as Teorias do
    Imaginário, com a Literatura Lírica, com o Teatro Contemporâneo e com a Psicologia
    Analítica; em consonância com o pensamento de teóricos e de poetas, tais como: Adélia
    Prado, Alba Liberato, Carl G. Jung, Cleise Mendes, Gaston Bachelard, Jorge Larossa,
    Joseph Campbell, Lita Passos, Manoel de Barros, Matteo Bonfitto, Fernando Pessoa,
    Paul Zumthor, Peter Brook, Sonia Rangel, entre outros.


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  • This is a practical-theoretical investigation conductec by the main Question-Passport:
    How does an actress create through Images? Inspired by the Artistic-Comprehensive
    approach proposed by Prof. Dr. Sonia Rangel, the actress proposes play with seeing her
    personal cosmos, starting from the exercise of scenic laboratory creation to test a
    multiplicity of responses. In this poetic journey, the scenes were born concomitant to
    the creation of her dramatic writing, which also makes up the thesis taking on the lyrical
    form in a Contingent Dramaturgy that generated the staging entitled Telescopes to Open
    Space, object and goal of this research. The methodology includes the Creation
    Laboratories, internal and/or external ones. In addition, there are five compositional
    strategies articulated by the researcher: Place to Spy, Questions-Passport, Poesguia,
    Altars-Installation and Image Generation. However, the following Guiding Principles
    stand out: Thinking by Images, The Exercise of the Transver, The Mythopoietic and
    The Experience and The Reverie. Such principles are motion forces in the process,
    peeking out the possible insurgencies in the generation of Images, especially in the
    Mythopoietic Figures. These figures are called Lunetas (Telescopes) and they make up
    the actress's doubles on stage: Suzana, Kassandra and Lilith Myth. On the study about
    herself and in order to perform her create-thinking process, the actress's operation
    modes through her scenic poiesis with Images are recognized: an actress-poet look is
    forged. The research dialogues with the Theories of the Imaginary, Lyric Literature,
    Contemporary Theater and with Analytical Psychology, among other fields. It is also
    aligned with some theorists and poets thoughts like Adélia Prado, Alba Liberato, Carl
    G. Jung, Cleise Mendes, Gaston Bachelard, Jorge Larossa, Joseph Campbell, Lita
    Passos, Manoel de Barros, Matteo Bonfitto, Fernando Pessoa, Paul Zumthor, Peter
    Brook, Sonia Rangel and others.

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  • MARTA OLIVEIRA BEZERRA
  • CORPO NATUREZA E EDUCAÇÃO HÁPTICA - UMA PROPOSTA ECOSSOMÁTICA DA SENSOPERCEPÇÃO ATRAVÉS DA DANÇA.

  • Orientador : LEONARDO JOSE SEBIANE SERRANO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • DANIELA KOLLY FERRAZ
  • HELIO SILVA CAMPOS
  • LAURA MARIA BRITO SALES DE CAMPOS
  • LENIRA PERAL RENGEL
  • LEONARDO JOSE SEBIANE SERRANO
  • PAULO HENRIQUE CORREIA ALCANTARA
  • Data: 20/04/2021

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  • Esta pesquisa propõe investigar o ‘Corpo Natureza’ nos processos artístico-pedagógicos em dança, tendo como referencial a interação, a comunicação e investigação sobre a linguagem da natureza em suas múltiplas texturas e configurações corpo-ambiente. O objeto, portanto, consiste em conhecer, resignificar e identificar o ser humano enquanto parte integrante dos fenômenos naturais, abrindo caminhos metodológicos para o desenvolvimento da Educação Háptica. Tendo como principal eixo a percepção táctil, o tocar e ser tocado pela natureza está alinhado com os estudos sobre o Tecido Gravitacional, numa perspectiva ecosomática política performativa. Experiências vivenciadas, a partir do contato corpo-ambiente com as texturas da natureza são reconhecidas nesta pesquisa como alavancas para o desenvolvimento de habilidades próprias do sentido háptico[1]. Na perspectiva de uma dança, em contato com a natureza, capaz de despertar a percepção multissensorial e a inteligência proprioceptiva, os estudos sobre os processos cognitivos, biopoliticos e somáticos aqui propostos têm como principais influencias  a Teoria Geral da Relatividade,  a multirrefencialidade, o biocentrismo, a ecologia profunda e a decolonialidade para refletir sobre experiências artístico-pedagógicas de dança em espaços naturais. Esta pesquisa tem como função organizar procedimentos metodológicos capazes de facilitar e orientar os praticantes no desenvolvimento da Educação Háptica biocentrada na compreensão das cosmovisões de culturas e no valor inerente e intrínseco do Corpo Território de todos os seres viventes. Copilados de experimentos de corpos em espaços e texturas naturais  os procedimentos aqui apresentados são organizados a partir da intersecção de princípios fisiológicos, cognitivos e físicos realizados em estudos ecosomáticos e ecoperformativos. Portanto, partem da prática como pesquisa. Estes procedimentos são baseados nos princípios fisiológicos desenvolvidos por Valerie Hunt,  No que diz respeito às ações miofasciais e musculoesqueléticas, compõem um dos eixos norteadores desta abordagem de movimento aqui proposto; nos Fatores de Movimento e o Anel de Moebios propostos por Rudolf Laban, e no terceiro eixo que diz respeito ao estudo do tecido gravitacional proposto na Teoria Geral da Relatividade pelo físico Albert Einstein,  A partir da interseção destes três conceitos proponho a Dança Sensorial Háptica enquanto prática corporal capaz de facilitar o desenvolvimento da cognição inventiva proposto pelo filósofo e biólogo Francisco Varela e ressignificado pela psicóloga Virgínia Kastrup. Estes procedimentos estão sendo aplicados em cursos livres e com os estudantes do curso de Graduação e Licenciatura da Escola de Dança da Universidade Federal da Bahia. Além do foco pedagógico, a pesquisa propõe desenvolver atos político-performativos em ambientes naturais em defesa da natureza, através de uma perspectiva artístico-ambiental, registrada através da estética do vídeo-dança. O desenvolvimento artístico-pedagógico da Educação Háptica consiste em relacionar processos criativos, somáticos e de ensino–aprendizagem, em dança, aos estudos relativos a Física Moderna associados à Teoria da Relatividade Geral proposto por Albert Einstein. 



    [1] Sentido háptico - Katz, Revesz, e Gibson têm sido os principais referenciais sobre o forte impacto na pesquisa sobre o tato. Gibson (1966) sugere uma redistribuição dos cinco sentidos que conhecemos e os agrupa em cinco novos sistemas perceptivos: paladar-olfato, háptico, básico de orientação, auditivo e visual.


     

     


  • Mostrar Abstract
  • This paper proposes an investigation on the Body-Nature in the artistic-pedagogical processes of dance, referencing the interactions, communication and investigation over the language of nature in its multiple Body-Nature textures and configurations. Hence, the main focus consists in acknowledging, re-interpreting and identifying the human being as a fraction of the natural phenomenons, breaking through metodological pathways for the development of Haptic Education. Touching and to be touched by nature, with a main axis towards tactile perception, is correlated with the studies of the gravitational tissue, in a somatic, ecological and political perspective. Lived experiences, through the interaction of Nature-Body with the textures of nature, are recognized in this paper as levers for the development of abilities belonging to the Haptic sense. In the perspective of a dance, in contact with nature, capable of waking the multisensory perception and proprioceptive intelligence, the studies of the cognitive, biopolitical and somatic processes proposed here has as its main influences the Theory of General Relativity, the multi-referenciality, the Theory of Complexity, the Biocentrism, the Deep Ecology and the Decolonialism, with the ends of reflecting over artistic-pedagogical experiences of dance in natural enviroments. This paper has as its function organizing metodological precedures capable of facilitating and guiding the practitioners in the development of Haptic Education centered around the comprehension of cosmovisions of cultures and in the inherent and intrinsic value of the Territory-Body of every living being. Compilations of experiements on bodies at natural enviroments and textures, the precedures here displayed are organized from the intersection of fisiological, cognitive, and physical principles achieved in ecosomatic and ecoperformative studies focused in the investigation of creative processes aimed at communicating with nature.

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  • YURI DE ANDRADE MAGALHAES
  • A Dramaturgia como reescrita da História

  • Orientador : CLEISE FURTADO MENDES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ALEX BEIGUI DE PAIVA CAVALCANTE
  • CASSIA DOLORES COSTA LOPES
  • CLEISE FURTADO MENDES
  • MARIA ODETTE MONTEIRO TEIXEIRA
  • RAIMUNDO MATOS DE LEAO
  • Data: 29/04/2021

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  • Esta pesquisa por objeto a dramaturgia que se inspira em acontecimentos e pessoas históricas para composição de obras teatrais. Neste estudo, analisamos obras de diferentes autores pertencentes a diferentes épocas que contribuíram de forma efetiva para a dramaturgia ocidental. Assim como os relatos disponíveis, feitos por historiadores, sociólogos e jornalistas, estão frequentemente sujeitos às seleções de fatos considerados mais relevantes, determinadas por relações de poder e fatores sócio-políticos, há que considerar que os dramaturgos lidam com esses dados a partir do ponto de vista de seus interesses dramatúrgicos. Diversas foram as estratégias utilizadas por esses dramaturgos para recriar o acontecimento histórico seguindo sua liberdade imaginativa e as demandas que dialogam com o público de cada época. No decorrer desse trabalho trazemos dramaturgos da Antiguidade Clássica, Renascimento, Romantismo, além de autores contemporâneos que se utilizaram de diferentes métodos para a escrita de suas obras de fundamento histórico. Com essa pesquisa procuramos compreender as múltiplas interligações e a contribuição mútua entre a dramaturgia e a historiografia e como se efetuam determinadas apropriações de figuras e eventos históricos em sua recriação nas obras dramatúrgicas.


  • Mostrar Abstract
  • The present work consists on the study and analysis of dramaturgical works that were inspired by historical events. Throughout this research, we have analyzed works composed by different authors which belong to different times that have contributed effectively to the western world dramaturgy. There were several strategies used by these historian playwrights to recreate historical events in their works, and we can see that the playwright often chooses to dwell on a certain historical person in order to compose a character from there that shall allow us a literary experience that broadens our view about a certain historical event. In the course of this work we bring playwrights of Classical Antiquity, Renaissance, Romanticism, in addition to contemporary playwrights who used different methods to write their works of historical foundation. With this research we try to understand how dramaturgy and historiography are interconnected, how historiography contributes to dramaturgy and what are the different strategies used by playwrights to recreate the historical events in their works. 

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  • ALDRI ANTONIO ALVES DA ANUNCIACAO
  •  A DRAMATURGIA DO DEBATE: Autodescolonização do Sujeito-Dramaturgo e do Leitor-Espectador através de Personagens-Debatedoras

  • Orientador : CLEISE FURTADO MENDES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CLEISE FURTADO MENDES
  • HEBE ALVES DA SILVA
  • PAULO HENRIQUE CORREIA ALCANTARA
  • Leda Maria Martins
  • PATRICK GEORGE WARBURTON CAMPBELL
  • Data: 25/06/2021

  • Mostrar Resumo

  • A abordagem desta pesquisa tensiona dois objetivos principais:  rastrear  estratégias narrativas interseccionadas aos três textos dramáticos Namíbia, não! (I Can’t Breathe),  O Campo de Batalha e Embarque Imediato e estruturar uma poética de escrita ficcional que oriente futuros processos de construção de textos dramáticos centralmente sustentados no modo de enunciação do debate que dinamiza, na tessitura da linguagem, o embate de ideias entre forças coletivas individualizadas poeticamente em personagens do drama.  A pesquisa articula-se em progressão com vistas a identificar quais ferramentas dramatúrgicas as obras-objeto utilizam para atualizar o modo de enunciação do debate na cena.  A poética por ora denominada a dramaturgia do debate poderá servir de ferramenta de análise de outros textos dramáticos, tendo em vista a recorrência do modo de enunciação do debate como linguagem cênica.

     

     




  • Mostrar Abstract
  •  

    The approach of this research stresses two main objectives: to track narrative strategies common to “Namibia, no! (I Can’t Breathe)”, “The Battlefield”, and “Now Boarding” and to structure a poetics of fictional writing that guides future processes of construction of dramatic texts centrally sustained in the enunciation mode of the debate that dynamizes, in the weaving of language, the clash of ideas between collective forces poetically individualized in characters of drama. The poetics for now called the dramaturgy of the debate may also serve as a tool for the analysis of dramatic texts, with a view to the recurrence of the debate's enunciation mode as a scenical language.

     

     

     

    T

5
  • DANIELA BOTERO MARULANDA
  • O CORPO É UM MODO DE SER: O RAFUE E A TRANSFORMAÇÃO DE GESTOS E PALAVRAS NOS BAILES MURUI-

    MUINA EM LETICIA-AMAZONAS

  • Orientador : DANIELA MARIA AMOROSO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • SÉRGIO BAPTISTA DA SILVA
  • DANIELA MARIA AMOROSO
  • ERICO JOSE SOUZA DE OLIVEIRA
  • GISELLE GUILHON ANTUNES CAMARGO
  • SUZANA MARIA COELHO MARTINS
  • Data: 30/06/2021

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  • Este trabalho pesquisa os bailes do povo indígena Murui-Muina na cidade de Leticia- Amazonas, na Colômbia. Os bailes são acontecimentos complexos que precisam de uma aproximação estética, histórica, política e principalmente prática. Esta pesquisa se articula a partir da análise dos gestos e movimentos dos corpos nas ações cotidianas que preparam e realizam os bailes. Por isso, aprofunda também em conceitos nativos, como o conceito de rafue, e aspectos particulares da língua Murui-Muina, como pistas para entender os corpos que trabalham e dançam juntos. A pesquisa aprofunda nas ações que acontecem em espaços tradicionais Murui-Muina como as chagras, os mambeaderos e as malocas. De igual forma, aprofunda nos processos de transformação das substâncias, dos alimentos e  dos objetos compartilhados nesses espaços: frutas, mambe, ambil, cahuana, casabes de mandioca, cestos e bastões de baile. Este trabalho propõe que é nesses processos de transformação de substâncias, objetos e gestos que os corpos são constituídos como modos de ser.
    Para entender a complexidade dos bailes Murui-Muina, esta pesquisa propõe traçar um mapeamento histórico que passa pela escravidão das populações indígenas na Amazônia, a começos do início do século XX, com a chamada época da exploração da borracha, até o deslocamento desses povos para novos territórios, como a cidade de Leticia. Este panorama é apresentado como uma forma de entender as relações sociais que foram reconfiguradas e o papel dos bailes em tal contexto. O trabalho desenvolve uma etnografia movimentada, que dialoga com abuelos e abuelas, jovens e lideranças Murui-Muina, assim como com autores e autoras da Antropologia da Dança, Etnocenologia, Antropologia do Corpo, Estudos do Gesto e Etnologia das Sociedades Amazônicas. A escrita deste trabalho se preocupa por dar palavras ao corpo e corpo às palavras na experimentação prática dos princípios estéticos presentes nos bailes Murui-Muina. É um convite às Artes Cênicas, a expandir a noção de dança tradicional entendendo junto aos Murui-Muina que não existe baile sem corpos, nem corpos sem relações sociais, nem relações sociais sem língua, nem língua sem trabalho, nem trabalho sem comida, nem comida sem-terra.


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  • This research explores the traditional dances of the Murui-Muina indigenous people in the city of Leticia-Amazonas, in Colombia. Traditional dances are complex events that require an aesthetic, historical, political and mainly practical approach. This research analyses bodily gestures and movements in daily actions that prepare the dances. I also examine native concepts, such as the concept of rafue, and particular aspects of the Murui-Muina language, as clues to understand the bodies that work and dance together. The research digs into the actions that take place in traditional Murui-Muina spaces such as the chagras, the mambeaderos and the malocas. Similarly, it explores into the processes of transformation of substances, food and objects that are shared in these spaces: fruits, mambe, ambil, cahuana, casabes, baskets and dance sticks. The work proposes that it is in these processes of transformation of substances, objects and gestures that bodies are constituted as ways of being. 

    In order to understand the complexity of the Murui-Muina dances, this research proposes tracing a historical journey, passing through the enslavement of the indigenous populations in the Amazon, at the beginning of the 20th century, in the so-called rubber exploitation era, until the displacement of these peoples to new territories such as the city of Leticia. This panorama is presented as a way of understanding the social relations that were reconfigured, and the role of dances in such a context. The research develops a movement ethnography, which dialogues with elder and young Murui-Muina people and Murui-Muina leaders, as well as with authors related to the Anthropology of Dance, Ethnocenology, Anthropology of the Body, Gesture Studies, and Ethnology of Amazonian Societies. The writing process is concerned with giving words to the body and body to words. It aims an experimentation, through practice, of the aesthetic principles present in the Murui-Muina dances. It is an invitation to the Performing Arts field to expand the notion of traditional dance, understanding together with the Murui-Muina, that there is no dance without bodies, nor bodies without social relations, nor social relations without language, nor language without work, nor work without food and no food without land.

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  • CECÍLIA DE ALMEIDA BORGES
  • QUATRO ENSAIOS SOBRE UMA TESE: entre o circo e o butô, erro e errância em processos de criação e ensino aprendizagem nas artes da cena

  • Orientador : ERICO JOSE SOUZA DE OLIVEIRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • MARIA DE FÁTIMA DE SOUZA MORETTI
  • RITA DE CÁSSIA DE ALMEIDA CASTRO
  • ELOISA LEITE DOMENICI
  • ERICO JOSE SOUZA DE OLIVEIRA
  • MARIO FERNANDO BOLOGNESI
  • Data: 14/07/2021

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  • Ensaio como método da linguagem teatral de investigar, criar, escolher e conhecer processos estéticos. Ensaio também como forma de organizar pensamentos e experiências criativas pessoais e compartilhadas com estudantes da graduação em artes cênicas da UnB (Universidade de Brasília), onde sou professora efetiva desde 2010. São quatro ensaios sobre uma hipótese: as noções de erro e errância podem contribuir para a atuação, seja em processos de ensino-aprendizagem ou no âmbito profissional das artes cênicas? No primeiro ensaio, falo sobre minha experiência com a trupe brasiliense Circo Udi Grudi dialogando com a noção de erro na comicidade. No segundo ensaio, exploro a noção de errância no contexto do butô. No terceiro, trago as noções de erro e errância para processos de ensinoaprendizagem nas artes cênicas. O quarto ensaio é um relato reflexivo sobre processos criativos pessoais atravessados por ambas noções durante o período da pesquisa.


  • Mostrar Abstract
  • Rehearsal as a method of theatrical language to investigate, create, choose and learn about aesthetic processes. Essay as a way of organizing personal and shared creative thoughts and experiences with undergraduate students in scenic arts at UnB (University of Brasília), where I have been an effective professor since 2010. There are four essays on a thesis: the notions of error and errand can bring mobility and flexibility to act, whether in teaching-learning processes or in the professional field of the performing arts. In the first essay I talk about my experience with the Brasilian troupe Circo Udi Grudi dialoguing with the notion of error in comedy. In the second essay, I explore the notion of wandering in the context of butô. In the third, I bring the notions of error and errand to teaching-learning processes in the performing arts. The fourth essay is a reflective account of personal creative processes traversed by both notions during the period of the research.

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  • TACIANO ARARIPE SOARES
  • Bionarrativas Cênicas: dispositivos de comoção em obras do Ateliê 23

  • Orientador : DEOLINDA CATARINA FRANCA DE VILHENA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • DEOLINDA CATARINA FRANCA DE VILHENA
  • GIL VICENTE BARBOSA DE MARQUES TAVARES
  • LUIZ CESAR ALVES MARFUZ
  • HUMBERTO ISSAO SUEYOSHI
  • VANJA POTY SANDES GOMES MENEZES
  • Data: 02/08/2021

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  • Esta tese propõe olhar para as obras da companhia Ateliê 23 que se valem de material biográfico e documental intencionando revelar as Bionarrativas Cênicas como um caminho possível na construção de movimentos empáticos entre ator e espectador. Considerando o objeto da pesquisa como um campo interdisciplinar mediado pelo olhar da autoetnografia e da cartografia, sua construção se dá convocando noções interdependentes que vão desde o teatro performativo às neurociências cognitivas. A pesquisa pauta-se na revisitação do trajeto criativo das obras Persona (2015), Sobre a adorável sensação de sermos inúteis (2016) e Helena (2018) ao observar o uso de dispositivos de dor e violência pelo grupo, buscando elaborar novas relações com o espectador, imbuídos de conceitos norteadores como a condição precária da vida e a estética de choque. O espetáculo, como possibilidade intencionada na produção de presença e experiência, alia-se à noção de sentido como atividade dos neurônios-espelho – fundamentais à construção de empatia como reconhecimento de si no outro.


  • Mostrar Abstract
  •  

    This thesis proposes to look at the works of the Ateliê 23 company that make use of biographical and documentary material, intending to reveal the Scenic Bionarratives as a possible path in the construction of empathic movements between actor and spectator in favor of lives considered precarious. Considering the research object as an interdisciplinary field mediated by the look of autoethnography and cartography, its construction takes place by summoning interdependent notions, but fundamental to the understanding of the crossings that the group investigates on stage, ranging from performative theater to cognitive neurosciences. The investigation is based on revisiting the creative path of the works Persona (2015), On the lovely feeling of being useless (2016) and Helena (2018) by observing process documents, trends and testimonies of creative artists, from a critical perspective of creative processes. The research points to the use of pain and violence devices by the group, with the intention of elaborating new relationships with the spectator, imbued with guiding concepts such as the precarious condition of life and the aesthetics of shock. The spectacle, as an intended possibility in the production of presence and experience, combines with the notion of meaning as an activity of mirror neurons – fundamental to the construction of empathy as recognition of oneself in the other. The research, therefore, tends to conclude that the use of the live document on stage reverberates in the perception of consciousness and dialogues with the power of commotion that art has, as a political act of existence and survival of a community.

     

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  • SARAH MARQUES DUARTE
  • Ações para despertar outros mundos: a participação como tática poética na arte latino-americana.

  • Orientador : IVANI LUCIA OLIVEIRA DE SANTANA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • IVANI LUCIA OLIVEIRA DE SANTANA
  • DANIELA MARIA AMOROSO
  • GILSAMARA MOURA
  • ELVINA MARIA CAETANO PEREIRA
  • JAVIERA CATALINA MEDINA LOPEZ
  • Data: 05/08/2021

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  • A presente investigação aborda ações participativas propostas por artistas latino-americanes na contemporaneidade. Estas mostram-se como poderosas formulações para o que aqui percebemos como dimensão central nos movimentos/práticas de descolonização  da arte, dos corpos, dos sujeitos, das subjetividades e, centralmente, da vida: a potência de liberação das sensibilidades. As propostas investigadas problematizam a própria arte como tecnologia de perpetuação do paradigma estético europeu, desbancam a lógica do capital, deslocam a ideia da arte como disciplina/técnica, e, principalmente, provocam permeabilidades - acesso ao saber-do-corpo. Aqui, a abertura poética é vista como forma de impulsar gestos de criação e cooperação, em consequência, como modo de provocar transformações nas políticas de subjetivação próprias à modernidade/colonialidade. A pesquisa inscreve-se no campo das artes e observa proposições que convidam o ‘espectador’ ao ato poético, prática aqui entendida como corpolítica - por desafiar o instituído e projetar futuros desviantes. Entre os objetivos da tese destacam-se a identificação, descrição e estudo de propostas, a articulação entre ações das décadas de 1960/70 e atuais, a reflexão em torno às estratégias empregadas para o convite ao encontro e à criação, a observação de seus impulsos e intenções, bem como de que urgências despontam. Para a abordagem destas questões, o referencial teórico foi composto por vozes de artistas, pensadores da performance, da arte contemporânea, da arte latino-americana, dos conceitualismos e da opção decolonial. As ações observadas foram identificadas em festivais, encontros, catálogos e plataformas virtuais de eventos; foram utilizados depoimentos, realizadas entrevistas  com artistas/propositores,  bem como experiências práticas que compõem o corpo da investigação. Ao estudar estas proposições, explicitou-se que a participação é tática poética que irrompe do desejo des artistas de despertar outros mundos neste mundo. O entendimento da vida como criação é impulso para a formulação de tais operações poéticas. Assim, as ações observadas convocam o espectador a fazer/pensar a ‘obra’, transformando-a e, em consequência,  a agir sobre o mundo. Um devir criador de diferença, de singularidades, subjetividades outras, composições de realidade coletivamente e processualmente produzidas. 



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  • The present investigation addresses participatory actions proposed by contemporary Latin American artists. These are shown as powerful formulations for what we perceive here as a central dimension in the movements / practices of decolonization of art, bodies, subjects, subjectivities, and, centrally, of life: the power to liberate sensitivities. The investigated proposals problematize art itself as a technology for perpetuating the European aesthetic paradigm, displace the logic of capital, displace the idea of art as a discipline / technique, and, mainly, cause permeabilities - access to body-knowledge. Here, poetic openness is seen as a way of promoting gestures of creation and cooperation, as a result, as a way of provoking transformations in the subjectivation policies proper to modernity / coloniality. The research is inscribed in the field of the arts and observes propositions that invite the ‘spectator’ to the poetic act, a practice here understood as corpolitical - for challenging the instituted and projecting future deviants. Among the objectives of the thesis are the identification, description, and study of proposals, the articulation between actions from the 1960s / 70s and the present, the reflection on the strategies used to invite the meeting and the creation, the observation of their impulses and intentions, as well as what emergencies emerge. To address these issues, the theoretical framework was composed of the voices of artists, performance thinkers, contemporary art, Latin American art, conceptualisms, and the decolonial option. The observed actions were identified in festivals, meetings, catalogs, and virtual platforms for events; testimonials, interviews with artists / proposers were used, as well as practical experiences that make up the body of the investigation. When studying these propositions, it was made clear that participation is a poetic tactic that erupts from the desire of artists to awaken other worlds in this world. The understanding of life as creation is an impulse for the formulation of such poetic operations. Thus, the actions observed call the spectator to do / think about the ‘work’, transforming it and, consequently, acting on the world. A becoming that creates a difference, singularities, other subjectivities, compositions of reality collectively, and procedurally produced.

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  • CLÁUDIO ANTÔNIO SANTOS DA SILVA
  • "Botar Figurás" e "Desfigurar a Moeda" Entremeios e Formação para a Cena de uma "Cínica" Dança Pessoal

  • Orientador : ELIENE BENICIO AMANCIO COSTA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ELIENE BENICIO AMANCIO COSTA
  • DANIELA MARIA AMOROSO
  • SUZANA MARIA COELHO MARTINS
  • JOSÉ RAFAEL MADUREIRA
  • TELMA CESAR CAVALCANTI
  • Data: 20/08/2021

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  • Esta tese é a relatabilidade (Coulon), de uma dança pessoal como pesquisa, guiada pelo pensamento qualitativo multirreferencial (Borba, 1997). O estudo situa o procedimento criativo do espetáculo/projeto/pesquisa intitulado: Entremeios Desfigurações, implicado nas matrizes estéticas do Guerreiro de Alagoas, e na formação de artistas da cena. Entremeios são curtas representações dramáticas, ou figuras, presentes no Guerreiro de Alagoas. A investigação embasa o sujeito, o trajeto e o objeto (Bião, 2007), na proposição de uma “cínica” dança. A contextualização para fazer a minha “cínica” dança, partiu da assimilação do termo: dança pessoal, difundido pelo grupo LUME, o dançarino como idealizador e construtor do seu corpo cênico que se realiza como prática de pesquisa. O estudo responde as seguintes indagações: Seria possível a construção dessa dança pessoal, não sendo o corpo do dançarino pesquisador treinado no Butoh, e ainda, sem experienciar a dança pessoal, ocorrida no espaço LUME? Os entremeios, no Guerreiro Alagoano, teriam a mesma função do entremez português e espanhol, vistos como uma descontração, como divertimentos, entre apresentações mais longas? O Guerreiro Alagoano pode ser utilizado como facilitador educacional, de que maneira? As questões foram confrontadas pelas hipóteses, sustentadas no corpo da tese. A metodologia ocorreu no âmbito da pesquisa qualitativa enfatizando o caráter subjetivo do objeto, suas particularidades e experiências individuais (Pádua, 2012). O treinamento individual atingiu a organização das corporalidades entremeios, sistematizadas e direcionadas como etnométodos (Coulon), em exercícios de preparação corporal, aplicados ao ensino da dança, na busca de um corpo autoral, tanto meu, quanto dos educandos. Desse modo, problematiza o pesquisador, o seu trajeto e o objeto, entremeios, em sua circunscrição nas danças tradicionais brasileiras. O caminho para os métodos foi estruturado em etapas: análise bibliográfica, documental e empírica; registro do processo criativo, diários de bordo; entrevistas com brincantes e pesquisadores, vídeo do processo criativo; a análise do treinamento; na aplicação em oficinas de corpo, para estudantes de dança e atores, em espaços de formação. A linha teórica norteadora, em seu caráter transdisciplinar é a abordagem Multirreferencial, de Jacques Ardoino (1927-2015), transversalizados por outros saberes, como, a Etnometodologia (Coulon, 1995) e a Etnocenologia, plantando semente nos conceitos do movimento cínico da Antiguidade (Caze). A experiência em criação/desfiguração e formação com os entremeios, de uma maneira geral, vem reverberando como um trabalho independente e contemporâneo, que se utiliza das potências desses lugares de identidades, entre os quais, eu transito, examinando os limites pedagógicos e artísticos, dessas figurações/desfigurações, da minha memória corporal.


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  • This thesis is the reportability (Coulon), of a personal dance as a research, guided by qualitative multi-referential thinking (Borba, 1997). The study situates the creative procedure of the show / project / research entitled: Entremeios Desfílias, involved in the aesthetic matrixes of Guerreiro de Alagoas, and in the formation of artists of the scene. Entremeios are short dramatic representations, or figures, present in the Warrior of Alagoas. The investigation bases the subject, the path and the object (Bião, 2007), in the proposal of a “cynical” dance. The contextualization to do my “cynical” dance, started from the assimilation of the term: personal dance, disseminated by the LUME group, the dancer as the idealizer and builder of his scenic body that is realized as a research practice. The study answers the following questions: Would it be possible to build this personal dance, since the body of the researcher dancer was not trained in Butoh, and yet, without experiencing the personal dance, which took place in the LUME space? Would the interleavings, in Guerreiro Alagoano, have the same function as the Portuguese and Spanish interleavings, seen as a relaxation, as entertainment, between longer performances? Guerreiro Alagoano can be used as an educational facilitator, in what way? The questions were confronted by the hypotheses, supported in the body of the thesis. The methodology occurred within the scope of qualitative research emphasizing the subjective character of the object, its particularities and individual experiences (Pádua, 2012). Individual training reached the organization of the intermingled corporealities, systematized and directed as ethnomethods (Coulon), in body preparation exercises, applied to dance teaching, in the search for an authorial body, both mine and the students. In this way, it questions the researcher, his trajectory and the object, interspersed, in his circumscription in traditional Brazilian dances. The path to the methods was structured in stages: bibliographical, documentary and empirical analysis; registration of the creative process, logbooks; interviews with players and researchers, video of the creative process; training analysis; in application in body workshops, for dance students and actors, in training spaces. The guiding theoretical line, in its transdisciplinary character, is the Multi-referential approach, by Jacques Ardoino (1927-2015), transversalized by other knowledge, such as Ethnomethodology (Coulon, 1995) and Ethnocenology, planting seeds in the concepts of the cynical movement of Antiquity (Caze). The experience in creation / disfigurement and training with the intermingles, in general, has reverberated as an independent and contemporary work, which uses the powers of these places of identities, among which, I transit, examining the pedagogical and artistic limits, of these figurations / disfigurements, of my body memory.

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  • FILIPE DIAS DOS SANTOS SILVA
  • A ETNOCENOLOGIA NO BRASIL E SUAS ESPETACULARIDADES: ENCRUZILHADAS METODOLÓGICAS E TEÓRICAS

  • Orientador : ELIENE BENICIO AMANCIO COSTA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • DANIELA MARIA AMOROSO
  • ELIENE BENICIO AMANCIO COSTA
  • JORGE DAS GRAÇAS VELOSO
  • MIGUEL DE SANTA BRIGIDA JUNIOR
  • SUZANA MARIA COELHO MARTINS
  • Data: 23/08/2021

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  • Este trabalho discute a etnocenologia no Brasil sob as perspectivas teóricas e metodológicas. A etnocenologia surgiu no ano de 1995, na esteira das etnociências, com a publicação do “Manifesto da Etnocenologia”, na França, como resultado de uma parceria entre a Maison des Cultures du Monde e do Laboratório Interdisciplinar de Práticas Espetaculares da Paris8-Saint Denis. Sua definição, à época, proposta como provisória, mantém-se, até então, como eixo norteador da maior parte das pesquisas realizadas neste campo de estudos até hoje: as Práticas e Comportamentos Humanos Espetaculares Organizados (PCHEO). No entanto, tendo em vista a amplitude de área e atuação dos estudos da etnocenologia, passados 25 anos de sua fundação, pode-se perceber que seu pilar epistemológico já não mais atende as pesquisas desenvolvidas neste campo. Dessa maneira, cotejando as produções teóricas publicadas entre os anos de 2008 e 2018 nos Anais da ABRACE (Associação Brasileira de Pesquisa e Pós-Graduação em Artes Cênicas), bem como o legado deixado por Armindo Bião e os trabalhos desenvolvidos em teses e dissertações, um novo pilar epistemológico é proposto: estudos das formas de expressão dos corpos biopsicossociais sob as perspectivas culturais e estéticas. Nesse sentido, este trabalho propõe a discussão e ampliação das principais noções da etnocenologia, a teatralidade e a espetacularidade, aprofundando a compreensão e possibilidades de apreciação dos fenômenos espetaculares substantivamente, adjetivamente e adverbialmente. Por fim, apresenta possíveis relações da etnocenologia, a etnopesquisa crítica e a prática como pesquisa, assim como a importância de se repensar o pilar epistemológico desta perspectiva transdisciplinar.


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  • This paper discusses ethnocenology in Brazil from theoretical and methodological perspectives. Ethnocenology emerged in 1995, in the wake of ethnosciences, with the publication of the “Ethnocenology Manifesto” in France, as a result of a partnership between the Maison des Cultures du Monde and the Paris8-Saint Denis Interdisciplinary Laboratory of Spectacular Practices . Its definition, at the time, proposed as provisional, remains, until then, as the guiding axis of most of the researches carried out in this field of studies until today: Organized Spectacular Human Practices and Behaviors (PCHEO). However, in view of the breadth of area and performance of ethnocenology studies, 25 years after its foundation, it can be seen that its epistemological pillar no longer meets the research developed in this field. Thus, comparing the theoretical productions published between the years 2008 and 2018 in the Annals of ABRACE (Brazilian Association of Research and Graduate Studies in Performing Arts), as well as the legacy left by Armindo Bião and the works developed in theses and dissertations, a new epistemological pillar is proposed: studies of the forms of expression of biopsychosocial bodies from cultural and aesthetic perspectives. In this sense, this work proposes the discussion and expansion of the main notions of ethnocenology, theatricality and spectacularity, deepening the comprehension and possibilities of appreciation of spectacular phenomena substantively, adjectively and adverbially. Finally, it presents possible relations between ethnocenology, critical ethno-research and practice as research, as well as the importance of rethinking the epistemological pillar of this transdisciplinary perspective.

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  • VANILTO ALVES DE FREITAS
  • Coreografias Coletivas para Grupos Inexistentes: Características Estruturais e Procedimentos de Difusão

  • Orientador : IVANI LUCIA OLIVEIRA DE SANTANA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANDRÉA BERGALLO SNIZEK
  • GILSAMARA MOURA
  • IVANI LUCIA OLIVEIRA DE SANTANA
  • LIGIA LOSADA TOURINHO
  • MARIA HELENA FRANCO DE ARAUJO BASTOS
  • Data: 06/10/2021

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  • Esta pesquisa visa investigar projetos coreográficos criados para serem executados por grupos não estáveis. Desse modo lança luz a dois aspectos centrais, as características estruturais das coreografias e os procedimentos e estratégias utilizados pelos coreógrafos com o objetivo de difundir as obras propostas.  O contexto no qual esta pesquisa se desenvolve, marcado pela atual fase do capitalismo, caracterizado pelo trabalho flexível e por projetos, coincide com um número crescente de artistas da Dança Contemporânea propondo composições desta natureza, de modo que este formato se consolidou como um traço importante da produção atual. Conceitos centrais como Coreografia e Dança Contemporânea são revisitados a partir da noção de Comunidade Compartilhada, proposta por mim, e derivada do conceito Comunidade Reflexiva LASH (1997). Como amostragem, a pesquisa se debruça sob a produção de artistas brasileiros, e verticaliza na minha própria produção coreográfica, tendo a noção de experiência coreográfica do autor como ambiente privilegiado de observação. Para tanto, mantem dialogo com questões metodológicas eminentemente qualitativas como o uso da prática, da experiência, e assume o recurso da escrita em 1° pessoa como tática importante. 


  • Mostrar Abstract
  • This research aims to investigate choreographic projects created to be executed by non-stable groups. Thus it sheds a light on two central aspects: the choreography's structural characteristics and the procedures and strategies used by the choreographers intending to spread the proposed works. The context in which this research is developed, marked by the current phase of capitalism, characterized by flexible work and by projects, agrees with a rising number of artists of the Contemporary Dance proposing compositions of this nature, in a way that this format has consolidated as an important trace of the current production. Central concepts such as Choreography and Contemporary Dance are revisited from the idea of Shared Community proposed by me and derivative of the concept Reflexive Community LASH (1997). As sampling, the research dwells on brasilian artists production and verticalizes on my own choreographic production, having the notion of choreographic experience of the author as a privileged environment of observation. Therefore, it maintains a dialogue with eminently qualitative methodological issues such as the use of practice, experience, and it utilises the resource of writing in the first person as an important tactic.

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  • DEBORA CRISTINA PAES LANDIM DE ALMEIDA RODRIGUES
  • AGORA EU ERA, AGORA EU SOU: POÉTICA DE ENCENAÇÃO COM CRIANÇAS PERFORMADORAS

     

  • Orientador : LUIZ CESAR ALVES MARFUZ
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LUIZ CESAR ALVES MARFUZ
  • PAULO HENRIQUE CORREIA ALCANTARA
  • SONIA LUCIA RANGEL
  • ANA ELISABETH SIMOES BRANDAO
  • RENATA PITOMBO CIDREIRA
  • Data: 28/10/2021

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  • RESUMO

    “Agora Eu Era, Agora Eu Sou: Poética de encenação com crianças performadoras” é um estudo interdisciplinar e multirreferencial realizado em diferentes níveis de investigação se concentra nos esforços em compreender, revelar, ressignificar e investigar, pela via poético-reflexiva, procedimentos e princípios geradores da criação; aqueles que, em especial, a partir da experiência do vivido, mostram-se importantes no fazer teatro com e para crianças, atividade que a pesquisadora-educadora-artista desenvolve em um trajeto de 25 anos:1995 a 2020. Nesse sentido, a tese adquire característica de pesquisa participativa, com a pesquisadora inserida no campo de seu objeto de investigação. No traçar da poética de encenação proposta, traz como objetivos específicos a elaboração de acepções sobre os sujeitos-crianças nas dimensões psico-bio-físico-cultural; sobre a arte e a imaginação; e apresenta e investiga processos de criação cênica com e para crianças. São analisados os espaços-territórios da experiência poética que, em circunstâncias diferenciadas, constituíram o itinerário metodológico, a saber: O Teatro Vila Velha; o Centro Educacional pela Arte Hora da Criança; o Centro de Pesquisa Moinhos Giros de Arte Cultura e Comunicação; e a Companhia Novos Novos, objeto poético da pesquisa na investigação dos processos criativos cênicos com crianças no palco e na plateia. A abordagem metodológica inspira-se na pedagogia poética da artista-educadora-pesquisadora Sonia Rangel. A expressão teórico-filosófica é tecida a partir do pensamento de Gaston Bachelard, por meio da sua fenomenologia da imaginação poética; da fenomenologia de Merleau-Ponty e suas impressões sobre a singularidade da criança; da experiência do vivido na propositiva de Jorge Larrosa; do teatro-jogo como prática contemporânea alinhada aos posicionamentos de Ryngaert e Peter Slade; do pensar-criar-sentir da arte como experiência de John Dewey; da fundamentação artístico-educativa como princípio ético-político-social da artista-educadora Beth Rangel; da investigação de uma pedagogia performativa à concepção dos estudos de Josette Féral e Richard Schechner. No trajeto criativo cênico são apresentados três princípios dominantes para a poética de encenação aqui investigada e proposta: O Esperançar-Brincar, a Imaginação-Poética e o Encontro-Experiência.


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  • “Now I was, now I am: the poetics of staging with the performing children” is an interdisciplinary and a multi-referential study in different levels of investigation it focuses on efforts to understand, reveal, resignify, and investigate through the poetic-reflective way, procedures and principles that generate creation which, based on the experience lived, show themselves to be important for doing theater with and for children, an activity that the researcher-educator-artist develops over a 25-year journey: from 1995 to 2020. In this sense, this thesis acquires characteristics of participatory research, with the researcher inserted in the field of her object of investigation. In tracing the proposed poetics of staging, it shows as specific objectives the elaboration of meanings about the subject-children in the psycho-bio-physical-cultural dimensions; about art and imagination; and it presents and investigates scenic creation processes with and for children. The spaces-territories of the poetic experiences are analyzed and, in differentiated circumstances, constituted the methodological itinerary, namely: The Vila Velha Theater, the Art Education Center Hora da Criança; the Research Center Moinhos Giros of Art, Culture, and Communication; and the theater group Companhia Novos Novos, the poetic object of the research in the investigation of scenic creative processes with children on stage and in the audience. The methodological approach is inspired in the artist-educator-researcher Sonia Rangel’s poetic pedagogy. The theoretical-philosophical expression is woven from Gaston Bachelard’s thought, through his phenomenology of poetic imagination; from Merleau-Ponty’s phenomenology and his impressions of children’s uniqueness; from the lived experience in Jorge Larrosa’s proposition; from the game-theater as a contemporary practice aligned with the positions of Ryngaert and Peter Slade; from John Dewey’s thinking-creating-feeling of art as an experience; from the artistic-educational foundation as an ethical-political-social principle of the artist-educator Beth Rangel; from the investigation of a performative pedagogy to the conception of the studies by Josette Féral and Richard Schechner. In the scenic creative path, three dominant principles are presented to the staging poetics that are investigated and proposed here: the Hope-Play, the Imagination-Poetics, and the Meeting-Experience.

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  • ENJOLRAS DE OLIVEIRA MATOS
  • A ENCENAÇÃO DE O SOM DOS PASSOSMEMÓRIAS E PROCESSOS CRIATIVOS EM FOOTFALLS, DE SAMUEL BECKETT 

  • Orientador : LUIZ CESAR ALVES MARFUZ
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANDRE LUIZ MARTINS LEMOS
  • CELSO DE ARAUJO OLIVEIRA JUNIOR
  • CLEISE FURTADO MENDES
  • DENISE MARIA BARRETO COUTINHO
  • LUIZ CESAR ALVES MARFUZ
  • Data: 19/11/2021

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  • A pesquisa consiste em uma abordagem sobre encenação no teatro de Beckett, na qual são evidenciados a memória como tema transversal e o seu processo criativo. Tal estudo se concentra na criação da peça Footfalls e nas encenações feitas por Beckett, mas sobretudo no conjunto de reflexões sobre o processo criativo da montagem de O som dos passos (tradução de Footfalls) ressaltando o princípio da memória como fio condutor. Apresenta-se: um breve panorama sobre as principais características da obra beckettiana; uma gênese do processo criativo de Footfalls, cujo texto é examinado parte a parte com o auxílio de outros escritos sobre a peça; e as transformações textuais decorrentes das reconfigurações constantes nas três encenações realizadas por Beckett. A abordagem sobre o processo criativo do autor-diretor revela o princípio poético dominante nos registros da montagem e da concepção de Footfalls, salientando suas memórias e imagens, seus depoimentos e documentos. São destacadas as memórias contidas nos cadernos de direção do autor irlandês, apontadas as aproximações e os afastamentos entre as montagens, a condução da interpretação e dos elementos da visualidade da cena, além dos olhares que iluminaram o texto estudado. Por fim, o estudo dedica-se à encenação de O som dos passos, trazendo considerações sobre o trajeto criativo que reúnem as tessituras deixadas pela peça. As memórias afetivas dos artistas envolvidos fazem parte das ponderações que procuram resgatar os passos e os rastros dessa montagem.

     

     


  • Mostrar Abstract
  • This research consists of an approach to staging in Beckett's theater, which puts in evidence both memory as a transversal theme, and the playwright’s creative process. The study focuses on the creation of the play Footfalls and its stagings by Beckett, but above all on the reflections about the creative process of the staging of O som dos passos (translation of Footfalls), emphasizing the principle of memory as a guiding path. The thesis presents: a brief overview of the main characteristics of Beckett's work; a genesis of the creative process of Footfalls, which text is investigated part by part with the help of other writings about the play; and the transformations this text went through from constant reconfigurations of the three stagings by Beckett. The approach to the author-director's creative process reveals a dominant poetic principle found in the recordings of Footfalls' stagings and conception, emphasizing its memories and images, its testimonies and documents. The research highlights the memories recorded in the director's notebooks of the irish author, pointing out the similarities and contrasts between his stagings of the play, the  directing of actors, and guidance of the visual elements of the scene, in addition to the insights that helped shedding some light on the studied text. Finally, this study delves into the staging of O som dos passos, raising considerations about the creative path that brings together the textures left by the play. The affective memories of the artists involved are part of the reflections that seek to rescue the steps and the traces of this staging.

     

     

     

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  • ELTON MENDES FRANCELINO
  • Po-ética da afetividade: cartografias da experiência cênica

  • Orientador : CELIDA SALUME MENDONCA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CELIDA SALUME MENDONCA
  • DENISE MARIA BARRETO COUTINHO
  • LUIZ CLAUDIO CAJAIBA SOARES
  • CARMINDA MENDES ANDRE
  • CLAUDIO JOSÉ GUILARDUCI
  • MARA LUCIA LEAL
  • Data: 20/12/2021

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  • Este texto se apresenta como uma reflexão cartográfica de uma pesquisa que se inscreveu no PPGAC-UFBA em 2014. Na abertura é traçada uma narrativa fragmentária como modo de introduzir alguns princípios fundamentais na pesquisa: afeto, memória, rizoma, contato improvisação, cartografia. No primeiro capítulo, é feita uma discussão acerca dos conceitos que orbitam o fazer cênico, tensionando com a identificação de sintomas críticos de nossa contemporaneidade, como (i) a colonialidade do pensamento, (ii) a subalternização e controle do corpo e (iii) a carência de experiência. Nota-se que eles inevitavelmente se fazem presentes também em nossos modos de vida, ou seja, no modo como nos organizamos a nós mesmos e o nosso entorno na experiência da vida diária. Partindo da compreensão do corpo do artista da cena como um território liminar de encontros e experiências, a Cia. Luna Lunera é apresentada como lócus de observação de uma ética que tem como princípio articulador o afeto e a plenivalência de vozes. Num segundo momento, é apresentado o projeto extensionista Laboratório Poéticas da Afetividade como espaço-tempo de investigação das possibilidades éticas e poéticas do afeto como princípio articulador do processo criativo na cena, buscando coadunar percurso criativo e experiência pedagógica. A partir de práticas de criação e colaboração para desenvolvimento de relações cênicas orientadas por uma afetividade po-ética, esta pesquisa busca contribuir para que artistas, pesquisadores e educadores da cena encontrem recursos para o trabalho com a cena enquanto espaço articulador da arte, da política, do ensino-aprendizado e por isso mesmo, do convívio.


  • Mostrar Abstract
  • This text is a cartographic reflection of a research that began at PPGAC-UFBA in 2014. In the opening, a fragmentary narrative is traced as a way to introduce some fundamental principles in the research: affect, memory, rhizome, contact, improvisation, cartography. The first chapter discusses the concepts that orbit the scenic making, stressing the identification of critical symptoms of our contemporaneity, such as (i) the coloniality of thought, (ii) the subordination and control of the body and (iii) the lack of experience. Unfortunately, these symptoms are inevitably present in our ways of life, that is, in the way we organize ourselves and our surroundings in the experience of daily life. Starting from the understanding of the scene artist's body as a liminal territory of encounters and experiences, Cia. Luna Lunera is presented as a locus of observation of an ethics whose articulating principle is the affection and plenivalence of different voices. In a second moment, the extension project Laboratory Poetics of Affectivity is presented as a space-time investigation of the ethical and poetic possibilities of affect as an articulating principle of the creative process in the scene, seeking to combine creative process and pedagogical experience. Based on practices of creation and collaboration for the development of scenic relationships guided by a po-ethical affectivity, this research seeks to contribute so that artists, researchers and educators of the scene can find resources for working with the scene as an articulating space for art, for politics, teaching-learning and, for that very reason, conviviality.

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  • FERNANDA JULIA BARBOSA
  • TEATRO PRETO DE CANDOMBLLÉ: UMA CONSTRUÇÃO ÉTICO-POÉTICA DE ENCENAÇÃO E ATUAÇÃO NEGRAS

  • Orientador : LUIZ CESAR ALVES MARFUZ
  • MEMBROS DA BANCA :
  • DENISE CARRASCOSA FRANCA
  • EVANI TAVARES LIMA
  • GUSTAVO MELO CERQUEIRA
  • LUIZ CESAR ALVES MARFUZ
  • NOELI TURLE DA SILVA
  • Data: 21/12/2021

  • Mostrar Resumo
  • Esta pesquisa se inscreve em um contexto poético-reflexivo no cruzamento de três campos: Processos Criativos, Candomblé e Teatro. O objeto disparador são as aproximações, tensões, reflexões e problematização do binômio Candomblé-Teatro, estabelecida na trajetória poética da pesquisadora que, em mais de dez anos de prática teatral no cenário profissional, gerou nove montagens: Siré Obá – A Festa do Rei; Ogun – Deus e Homem; Oyaci – A filha de Oyá; Exu – A Boca do Universo; Kanzuá – Nossa Casa; Macumba – Uma Gira sobre poder; Traga-me a cabeça de Lima Barreto; Oxum; Pele Negra, máscaras brancas, todas derivadas da pesquisa cênica Ativação do Movimento Ancestral e que resultaram na criação do Teatro Preto de Candomblé. Nesse itinerário formativo e criativo, buscou-se realizar um estudo autoetnográfico sobre encenação e atuação negras e identificar e examinar como os cruzadores teóricos da cena – Ancestralidade, Afrocentricidade e Encruzilhada – aliam-se aos princípios orientadores da poética teatral da encenadora – Narrativas mito-poéticas, Teatro Ritual e Tradição na Contemporaneidade – e constituem a sua poética cênica. Nesse contexto, apresenta-se antes um breve estudo sobre ritualidade, antropologia e história do Candomblé e suas relações com o teatro por meio de uma abordagem compreensiva em diálogo com autores como Denise Carrascosa, Eduardo Oliveira, Leda Maria Martins, Luiz Rufino, Molefi Kete Asante, e o pensamento de Sotigui Kouyaté, Carlos Vaz, Peter Brook, Eugenio Barba, Inaicyra Falcão, Juana Elbein Santos, Marco Aurélio Luz, Luis Nicolau Páres e Renato da Silveira. A estes se somam entrevistas de artistas de referência do teatro brasileiro como Evani Tavares, Lucélia Sérgio, Iléa Ferraz, Lázaro Ramos, Ângelo Flávio, Zebrinha, Gustavo Melo, Luiz Marfuz dentre outros. Na pesquisa, cinco espetáculos são examinados à luz dos pressupostos do Teatro Preto de Candomblé:  Siré Obá – A festa do Rei; Oyaci – A filha de Oyá; Traga-me a cabeça de Lima Barreto; Ogun - Deus e Homem e Pele Negra, máscaras brancas, sendo este último, e mais recente espetáculo, e foco de convergência entre os processos criativos, os cruzadores teóricos e a poética da encenadora. Os  resultados apontam as correlações entre o Teatro e Candomblé e destacam os aspectos críticos e reflexivos na construção de uma ética  e poética negras, presentes nas práticas artísticas e cerimoniais.   


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  • This research is part of a poetic-reflective context at the intersection of three fields: Creative Processes, Candomblé and Theater. The triggering object is made up of the approximations, tensions, reflections and problematizations of the Candomblé-Teatro binomial, established in the researcher’s poetic journey, who, in more than ten years of theatrical practice in the professional scene, delivered nine productions: Siré Obá – A Festa do Rei; Ogun – Deus e Homem; Oyaci – A filha de Oyá; Exu – A Boca do Universo; Kanzuá – Nossa Casa; Macumba – Uma Gira sobre poder; Traga-me a cabeça de Lima Barreto; Oxum; Pele Negra, máscaras brancas, all derived from the scenic research Ativação do Movimento Ancestral and which resulted in the creation of the Teatro Preto de Candomblé poetics. In this formative and creative itinerary, we aimed at carrying out a study on Afro-diasporic staging and acting and to identify and examine how the theoretical cruisers of the scene – Ancestrality, Afrocentricity and Crossroads – combine with the guiding principles of the stage director's theatrical poetics – Myth-poetic Narratives, Ritual Theater and Today’s Tradition – and generate the guiding procedures for scenic creation. In this context, a brief study on Candomblé rituality, anthropology and history is presented, considering its contribution to the poetic construction of Teatro Preto de Candomblé, through a comprehensive approach and a critical ethnography in dialogue with authors such as Denise Carrascosa , Eduardo Oliveira, Leda Maria Martins, Luiz Rufino, Molefi Kete Asante, and the thought of Sotigui Kouyaté, Carlos Vaz, Peter Brook, Eugenio Barba, Inaicyra Falcão, Juana Elbein Santos, Marco Aurélio Luz, Luis Nicolau Páres and Renato da Silveira. In addition, there are interviews with important names in Brazilian theater such as Evani Tavares, Lucélia Sérgio, Iléa Ferraz, Lázaro Ramos, Ângelo Flávio, Zebrinha, Gustavo Melo, Luiz Marfuz, among others. In the research, five shows are examined in the light of the construction of the assumptions of Teatro Preto de Candomblé, namely: Siré Obá – A Festa do Rei Oyaci – A filha de Oyá; Traga-me a cabeça de Lima Barreto; Ogun - Deus e Homem e Pele Negra the latter being the main focus of convergence between the creative processes, the theoretical cruisers and the director's poetics.

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  • MARIANA TERRA MOREIRA
  • Imersão Blackout: Luz e Iluminação em Contexto Interdisciplinar na Universidade

  • Orientador : CIANE FERNANDES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CIANE FERNANDES
  • CIBELE FORJAZ SIMÕES
  • DIEGO PIZARRO
  • EDUARDO AUGUSTO DA SILVA TUDELLA
  • LEONARDO JOSE SEBIANE SERRANO
  • SERGIO COELHO BORGES FARIAS
  • Data: 22/12/2021

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  • Diversos campos artísticos lidam com a Luz em seus processos de criação, tendo com o tempo desenvolvido técnicas e tecnologias específicas. A partir do século XXI, vemos emergir no ensino superior a oferta de cursos com currículos interdisciplinares (FARIAS, 2012; LÜCK, 2018) que pretendem integrar as práticas artísticas, superando as antigas ideias hierárquicas e doutrinárias. Essa nova demanda pedagógica exige dos artistas educadores uma revisão epistemológica e estética para o ensino da Luz de maneira ampla e não restrita a particularidades de linguagens. Nesta pesquisa artística e performativa (HASEMAN, 2006; ARLANDER, 2014; FERNANDES, 2012;) revisitamos a obra clássica do iluminador e educador Stanley McCandless (1984) em busca de fundamentos do design moderno que sirvam de base para o ensino interdisciplinar de iluminação. Investigamos em especial a intensidade, a primeira e mais importante propriedade da luz descrita pelo autor. Nesta pesquisa foram criados objetos (wereables) para cobrir o campo visual e gerar um ambiente escuro para o observador - os Paninhos de Blackout.  Realizamos um experimento chamado Imersão Blackout, com ambiente escuro preparado para usar os Paninhos e proporcionar contato com a escuridão física real. O objetivo geral do estudo é a composição de uma proposição artística que proporcione o aprendizado de iluminação por meio da experiência prática e performativa. Nossa hipótese é que frente à atual tendência à exacerbação luminosa em diversas áreas da vida humana, a experiência empírica com o escuro concreto - blackout -, é potencializadora de um tipo especial de aprendizado, aquele estético, corpóreo, integral. Defendemos os experimentos da Imersão Blackout enquanto um tipo de aula baseada na experiência (experience-based) em que a prática sensível opera como eixo para conexões pedagógicas entre o mundo sensorial, ciência e treinamento pessoal de artistas-estudantes. Esta pesquisa aproxima o ensino da luz com abordagens somáticas e interdisciplinares, e visa servir de fonte para investigações vindouras na área.


  • Mostrar Abstract
  • Several artistic fields deal with Light in their creation processes, having developed specific techniques and technologies over time. From the 21st century onwards, we see the emergence in higher education of courses with interdisciplinary curricula (FARIAS, 2012; LÜCK, 2018) that intend to integrate artistic practices, overcoming old hierarchical and doctrinal ideas. This new pedagogical demand asks from the artist-educator an epistemological and aesthetic revision for the teaching of Light in a broad way and not restricted to languages particularities. In this artistic and performative research (HASEMAN, 2006; ARLANDER, 2014; FERNANDES, 2012;) we revisit the classic work of the lighting designer and educator Stanley McCandless (1984) in search of modern design fundamentals that may serve as a basis for the interdisciplinary teaching of lighting. In particular, we investigate the intensity, the first and most important property of light described by the author. Objects (wearables) were created to cover the visual field and generate a dark environment for the observer - the Blackout Cloths. We carried out an experiment called Blackout Immersion, with a dark environment prepared to use the Blackout Cloths and provide contact with real physical darkness. The general aim of the study is the composition of an artistic proposition that provides the learning of lighting through practical and performative experience. Our hypothesis is that, given the current tendency towards luminous exacerbation in various areas of human life, the empirical experience concretely with darkness  - blackout -, is potentiating a special type of learning, that which is aesthetic, corporeal, integral. We defend the Blackout Immersion experiment as a type of experience-based class in which sensitive practice operates as an axis for pedagogical connections between the sensory world, science, and personal training of student artists. This research approaches the teaching of light with somatic and interdisciplinary approaches and aims to serve as a source for future investigations in the area.

2020
Dissertações
1
  • CECI ALVES DOS SANTOS
  • UM AXEXÊ PARA A TROPICÁLIA:

    Con-fabulações, memórias e criação no documentário

     

  • Orientador : PAULO HENRIQUE CORREIA ALCANTARA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • HEBE ALVES DA SILVA
  • PAULO HENRIQUE CORREIA ALCANTARA
  • ROGÉRIO LUIZ SILVA DE OLIVEIRA
  • Data: 11/03/2020

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  • RESUMO

     

     

    De que forma um roteiro de documentário pode plasmar afetividade, memória, espetacularidade e performance de um evento artístico e histórico, tal como o show Barra 69, último realizado pelos artistas, à época (e eternos) tropicalistas, Gilberto Gil e Caetano Veloso, em 20 e 21 de julho de 1969, antes de partirem para o exílio, forçados pelo aparelho repressor da ditadura no Brasil, que vigorou de 1964 a 1985? A pergunta norteia o que esta dissertação pretende levar a termo, propondo uma pesquisa-criação que resulta na escrita do primeiro tratamento de um roteiro para a peça cinematográfica documental Um Axexê para a Tropicália. Desta forma este estudo visa auscultar pontos de convergência entre as narrativas dramáticas/dramatúrgicas e audiovisuais, para construir uma partitura performática/teatral, em forma de um roteiro para documentário performático, que lide com afetividade e alegoria, tensionando fronteiras entre performance e realidade; memória e fabulação; documentário e ficção; ficção e realidade; performance e encenação; documentário e encenação; documentário e realidade; e a realidade e encenação.

    Esta dissertação buscou, a partir tanto dos materiais de pesquisa histórica quanto dos pedaços de uma concretude fabulada, perscrutar a memória e seu papel de emuladora da realidade – e ânima da tríade espaço-tempo-movimento –, lastreando-se na fundamentação teórica de Henri Bergson, lido por David Lapoujade. Neste contexto, tratou-se de retirar conclusões sobre a influencia da memória fabuladora na criação de um universo dramático e documental. Para os entendimentos centrais deste estudo, consideraremos um panorama reflexivo constituído pelas visões teóricas dos seguintes autores: Bill Nichols, Cláudio Bezerra, Sérgio Puccini, Martin Eslin, Friedrich Nietzsche, Eduardo Leone e Jacques Aumont.

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     


     


  • Mostrar Abstract
  • ABSTRACT

     

    How a documentary screenplay can concentrate affection, memory, spectacularity and performance, by dealing with an historical event, such as the last show of two Brazilians seminal artists, Gilberto Gil and Caetano Veloso, held in July 20 and 21 1969, right before both of them are obliged to leave Brazil for an exile inflicted by the repressive apparatus of the dictatorship existent in Brazil (1964 to 1985)? This question guides what this thesis intends to carry out, proposing a creational-research that results in the writing of the first treatment of a screenplay for the documentary film Um Axexê for Tropicália. In this way, this study aims to auscultate points of convergence between dramatic / dramaturgical and audiovisual narratives, in order to build a performative / theatrical working sheet, in the form of a script for performative documentary, capable to deal with affection and allegory, tensioning boundaries between performance and reality; memory and fabulation; documentary and fiction; fiction and reality; performance and staging; documentary and staging; documentary and reality; and reality and staging.

    For the central understandings of this study, we will consider a reflective panorama constituted by the theoretical views of the following authors: Henri Bergson, David Lapoujade, Bill Nichols, Cláudio Bezerra, Sérgio Puccini, Martin Eslin, Friedrich Nietzsche, Eduardo Leone and Jacques Aumont.

     


     

     

2
  • MARILIA GALVÃO COSTA
  • GRUPO ANTAGON THEATER AKTION: UM ESTUDO DE SEUS PROCESSOS ARTÍSTICOS E CULTURAIS

  • Orientador : ELIENE BENICIO AMANCIO COSTA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ELIENE BENICIO AMANCIO COSTA
  • LINO DANIEL EVANGELISTA MOURA
  • LUIZ CLAUDIO CAJAIBA SOARES
  • Data: 27/07/2020

  • Mostrar Resumo
  • A presente pesquisa trata do estudo do grupo Antagon TheaterAktion, a partir da perspectiva de seus projetos em comunidade, do terceiro teatro e de abordagens do teatro físico, tendo em vista os intercâmbios com vários resultados, bem como o mote para a convivência de atores e não atores pertencentes a essa comunidade teatral. O trabalho é apresentado na forma descritiva analítica. A organização e a estrutura, visam abordar e delinear os processos artísticos desse grupo e sua configuração; verificar, a partir das noções propostas pela Antropologia Teatral, e identificar as contribuições que advém da vivência do Teatro Físico, percebidas através da diversidade de referenciais e técnicas dos atores que dele participaram e participam. Trata-se nessa pesquisa, sobre a vivência em coletivo, como o baluarte dos seus processos artísticos, bem como, a elucidação das características primordiais desse grupo, que é a valorização da utilização da linguagem corporal não verbal em suas obras.


  • Mostrar Abstract
  • This research deals with the study of the Antagon TheaterAktion group, from the perspective of its community projects, the third theater and physical theater approaches, in view of the exchanges with various results, as well as the motto for the interaction of actors and not actors belonging to that theatrical community. This work is presented in analytical descriptive form. The organization and the structure aim to approach and outline the artistic processes of this group and its configuration; verify, based on the notions proposed by Theater Anthropology, and identify the contributions that come from the experience of Physical Theater, perceived through the diversity of references and techniques of the actors who participated and participate in it. In this research, it is about the collective experience, as the bastion of their artistic processes, as well as, the elucidation of the primordial characteristics of this group, which is the valorization of the use of non-verbal body language in their works.

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  • ADRIANO FERREIRA DOS SANTOS
  • A Arte do Espectador: diálogos criativos entre palco e plateia.

  • Orientador : PAULO HENRIQUE CORREIA ALCANTARA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LUIZ CLAUDIO CAJAIBA SOARES
  • MARCOS UZEL PEREIRA DA SILVA
  • PAULO HENRIQUE CORREIA ALCANTARA
  • Data: 31/08/2020

  • Mostrar Resumo
  •                                                              

     

     

       RESUMO

    Nesta pesquisa pretendo corroborar com os discursos que apontam a figura do espectador como responsável, também, pela concretização do acontecimento cênico. Espero poder inseri-lo no centro de uma conversa que tem como principal questão a descrição e análise de estratégias e/ou procedimentos cênicos que deflagram um convite explicito para participação ativa do espectador na cena. Ou seja, espetáculos e/ou acontecimentos cênicos nos quais o visitante (espectador) é convidado a atuar/performar. Para isso, se faz necessário (re)considerar o lugar desta figura historicamente postulada exterior ao espetáculo, caracterizada pela passividade frente ao objeto artístico, para acentuar uma outra lógica relacional — na qual a obra é um espaço dialógico que permite tanto ao criador enquanto artista quanto ao criador enquanto espectador construir a poética do espetáculo ao qual são cúmplices. Algo que tem se intensificado nas manifestações cênicas contemporâneas, que permitem emergir uma outra estética — a relacional — entre autor e espectador marcada por uma perspectiva horizontalizada do papel de importância destas figuras na concretização do acontecimento cênico. Portanto, interessa aqui investigar processos criativo que permitem uma abertura consciente para a construção de ações performativas em tempo real sob a condição de um ato poético do espectador que nesta perspectiva pode ser pensado como interator ou interagente.

     


  • Mostrar Abstract
  • ABSTRACT

    In this research I intend to corroborate with the speeches that point the figure of the spectator as responsible, also, for the concretization of the scenic event. I hope to be able to insert it in the center of a conversation that has as its main question the description and analysis of strategies and / or scenic procedures that trigger an explicit invitation for the spectator's active participation in the scene. In other words, shows and / or scenic events in which the visitor (spectator) is invited to perform / perform. For this, it is necessary to (re) consider the place of this historically postulated figure outside the show, characterized by passivity towards the artistic object, to accentuate another relational logic - in which the work is a dialogical space that allows both the creator as an artist as for the creator as a spectator to build the poetics of the spectacle to which they are accomplices. Something that has been intensified in contemporary scenic manifestations, which allow another aesthetic - the relational one - to emerge between author and spectator marked by a horizontal perspective of the important role of these figures in the realization of the scenic event. Therefore, it is of interest here to investigate creative processes that allow a conscious opening for the construction of performative actions in real time under the condition of a poetic act by the viewer - which in this perspective can be thought of as an interactor or interacting.

     

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  • CLÁUDIA SALOMÃO COSTA
  • Operários da Arte: reflexões acerca do trabalho técnico em espetáculos

  • Orientador : DEOLINDA CATARINA FRANCA DE VILHENA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • DEOLINDA CATARINA FRANCA DE VILHENA
  • JOAO ALBERTO LIMA SANCHES
  • SERGIO SOBREIRA ARAUJO
  • Data: 30/09/2020

  • Mostrar Resumo
  • O presente estudo elege como objeto de pesquisa os profissionais da área técnica em espetáculos lotados nos espaços teatrais de Salvador, administrados pelos poderes públicos, tendo como referência o Teatro Gregório de Mattos (municipal) e o Teatro Castro Alves (estadual). A metodologia apoia-se em revisão bibliográfica e pesquisa qualitativa com realização de entrevistas semiestruturadas com gestores, técnicos e profissionais da área artística que trabalham (ou trabalharam) nos espaços teatrais. A partir destes referenciais teórico e metodológico cria-se subsídio para discussões sobre as equipes de trabalho em diálogo com a Lei nº 6.533/78 (Lei dos Artistas e Técnicos em Diversões) e o Decreto nº 82.385/78, que regulamenta a referida Lei e dispõe sobre estas profissões. A pesquisa reflete sobre minha inquietação ao longo de 32 anos de exercício profissional na área da técnica em espetáculos e atravessa as discussões a respeito do processo de formação destes profissionais da área técnica e seus impactos na gestão técnica do espetáculo com o intuito de visibilizar suas funções em teatro ao lado de artistas e criadores na construção diária da história do teatro baiano / brasileiro. 


  • Mostrar Abstract
  • The objective of this research is to investigate the craft of the technical teams of the theatrical spaces of Salvador, administered by the state and municipal public authorities, having as reference the Teatro Gregório de MatTos (municipal) and the Teatro Castro Alves (state). The methodology is supported by qualitative research with survey of the state of the art on the subject, bibliographic review and conducting semi-structured interviews with managers, technicians and professionals in the artistic field who work (or have worked) in theatrical spaces. Based on these theoretical and methodological references, a subsidy is created for discussions on hiring and training work teams in dialogue with Law 6,533 / 78, known as the Law of Artists and Technicians in Entertainment and Decree No. 82,385 / 78, which provides about the professions of artist and technicians in entertainment shows. The research reflects on my concern over my 32 years of professional practice in the area of technical shows and advances in discussions about the process of training professionals in the technical area and its impacts on the technical management of the show in order to make their views visible. theater roles alongside artists and creators in the daily construction of Bahian / Brazilian theater history. 

5
  • NILSON BORGES DA ROCHA JÚNIOR
  • METATEATROM:

    UM PROCESSO EDUCACIONAL EM ARTES CÊNICAS A PARTIR DO GÊNERO TERROR

  • Orientador : LUIZ CLAUDIO CAJAIBA SOARES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LUIZ CLAUDIO CAJAIBA SOARES
  • MARCELO SOUSA BRITO
  • PAULA ALICE BAPTISTA BORGES
  • Data: 20/11/2020

  • Mostrar Resumo
  • Esta dissertação discute e discorre sobre uma experiência educacional com adolescentes do Centro Educacional Edgard Santos, que foi desenvolvida e aplicada, de abril à março de 2020, tendo como pano de fundo o gênero do terror e, metodologicamente, desenvolvida a partir da perspectiva de Ciane Fernandes sobre a pesquisa performativa defendida pelo manifesto de Brad Haseman. A metalinguagem, presente na tetralogia cinematográfica de terror denominada Pânico assistida pela turma, serviu como base para a criação da dramaturgia de uma peça de terror, envolvendo, entre outras abordagens, os crimes de ódio. Para tanto, nessa dissertação, discuto sobre processos educacionais não formais em artes cênicas, apresentando alguns conceitos sobre o corpo, sobre a metalinguagem, o gênero do terror etc., fazendo associações diretas com a experiência vivida no centro educacional, discutindo a sua metodologia, a metalinguagem na tetralogia, as improvisações e criação da dramaturgia da peça de terror, assim, como os ensaios e a dramaturgia final. Minhas principais referências foram Anita Silva, Augusto Boal, Carole, Marceau, Catarina Sant’Anna, Cecília Salles, Cláudio Cajaíba, Guacira Lopes Louro, Marcelo Sousa Brito e Stephen King.


  • Mostrar Abstract
  • This dissertation discusses and argues about na educational experience with teenagers from the Edgard Santos Educational Center, wich was developed and apllied, from April to December 2019, against the background of the genre of terror and, methodologically, developed from the perspective of Ciane Fernandes on the performative research advocated by Brand Haseman’s manifesto. The metalanguage, presente in the cinematic tetralogy of horror called Scream assisted by the group, served as a basis for the creation of the dramaturgy of a horror play, involving, among other approaches, hate crimes. Therefore, in the dissertation, I discuss non formal educational processes in perfoming arts, presenting some concepts about the body, about metalanguage, the genre of terror etc., making direct associations with the experience lived in the educational center, discussing the methodology, the metalanguage in tetralogy, improvistions and dramaturgy creation of the horror play, as well as rehearsals and final dramaturgy. My main references were Anita Silva, Augusto Boal, Carole Marceau, Catarina Sant’Anna, Cecília Salles, Cláudio Cajaíba, Guacira Lopes Louro, Marcelo Sousa brito e Stephen King.

     

     

6
  • ANY LUZ CORREA OROZCO
  • Por uma dramaturgia da dor: Tecido blando – uma peça criada a partir de narrativas de mulheres com experiência de fibromialgia.

  • Orientador : MERAN MUNIZ DA COSTA VARGENS
  • MEMBROS DA BANCA :
  • MERAN MUNIZ DA COSTA VARGENS
  • ANTONIA PEREIRA BEZERRA
  • PAULO HENRIQUE CORREIA ALCANTARA
  • ADELICE DOS SANTOS SOUZA
  • Data: 27/11/2020

  • Mostrar Resumo
  • Dissertação que, com base em pesquisa teórica e prática, tem como tema as histórias de
    vida de oito mulheres portadoras da síndrome de fibromialgia e a experiência da própria
    pesquisadora cuja nacionalidade é colombiana. À luz desse material foi escrito o texto do
    monodrama dançado Tejido blando (Tecido mole), título original que a autora modificou
    em seus termos, o primeiro dos quais, um substantivo, ela preferiu em português, e o
    segundo, um adjetivo, mantém em espanhol. Trata-se de uma peça com uma perspectiva de
    dramaturgia-paisagem. A dissertação compõe-se do texto da referida peça dramatúrgica e
    três capítulos. O primeiro capítulo discute o conceito de dor e adota, pela importância de
    seu significado simbólico e vivencial, o que Ileana Diéguez chama de communitas del
    dolor, que foi transversal no desenvolvimento da pesquisa. O segundo aborda diferentes
    dramaturgias acerca das configurações do corpo e da dor, bem como suas concepções de
    estrutura dramática e o que Vivi Tellas denomina Umbral Mínimo de Ficção. O terceiro
    descreve, analisa e interpreta as características dramatúrgicas da peça, com apoio em
    aportes teóricos de Sandra Camacho López, Jean Pierre Sarrazac, José Sanchis Sinisterra e
    Jean-Pierre Ryngaert. O que, enfim, se propõe é um diálogo entre as fronteiras não rígidas
    ou fixas do gênero dramático na contemporaneidade e uma dramaturgia de pesquisa, onde a
    criação focaliza o íntimo e o público, duas instâncias que podem se refletir e se
    compreender, evidenciando o feminino como um dos operadores principais.

     


  • Mostrar Abstract
  • Dissertation that, based on theoretical and practical research, has as its theme the life stories
    of eight women with fibromyalgia syndrome and the experience of the researcher herself,
    whose nationality is Colombian. In the light of this material, the text of the danced
    monodrama Tecido blando (Soft tissue) was written, the original title that the author
    modified in its terms, the first of which, a substantive, she preferred in Portuguese (Tecido)
    and the second, an adjective, she keeps in Spanish. It is a play with a dramaturgy-landscape
    perspective. The study discusses the concept of pain and adopts, due to the importance of
    its symbolic and experiential meaning, what Ileana Diéguez calls communitas del dolor,
    which was transversal in the development of the research. It mentions different
    dramaturgies about the configurations of the body and pain, as well as his conceptions of
    dramatic structure and what Vivi Tellas calls the Minimum Threshold of Fiction. It
    considers the possibilities of fictionalizing the narratives of the women interviewed,
    describes, analyzes and interprets the dramaturgical characteristics of the play, supported
    by theoretical contributions from Sandra Camacho López, Jean Pierre Sarrazac, José
    Sanchis Sinisterra and Jean-Pierre Ryngaert. What, finally, it proposes is a dialogue
    between the not rigid or fixed boundaries of the dramatic genre in contemporary times and
    a research dramaturgy, where creation focuses on the intimate and the public, two instances
    that can be reflected and understood, highlighting the feminine as one of the main
    operators.

7
  • MARCIA LIMA GOMES
  • MEDEIA NEGRA: o enegrecimento de uma personagem clássica a partir da vivência com mulheres em situação de encarceramento na criação de um solo de teatro.

  • Orientador : MERAN MUNIZ DA COSTA VARGENS
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ALEXANDRA GOUVEA DUMAS
  • DENISE CARRASCOSA FRANCA
  • LUIZ CESAR ALVES MARFUZ
  • MERAN MUNIZ DA COSTA VARGENS
  • Data: 03/12/2020

  • Mostrar Resumo
  • O presente estudo propõe uma análise do processo colaborativo de criação do solo
    Medeia Negra, nono espetáculo do grupo Vilavox, criado junto a oficinas de literatura
    realizadas no Conjunto Penal Feminino de Salvador pelo grupo Corpos Indóceis e
    Mentes Livres, numa abordagem interdisciplinar e intercultural. Foram analisados os
    elementos da criação do solo, tendo como base da pesquisa os conceitos de
    feminismo negro, interculturalidade e teatro negro, articulados a proposta de
    enegrecimento da personagem grega Medeia, da obra de Eurípedes, com o intuito de
    criar, no jogo dramático, o cruzamento das vozes de mulheres negras um olhar
    interseccional por meio de críticas ao capitalismo e ao sistema patriarcal que fomentam
    o racismo e as desigualdades sociais. O trabalho descreve o processo de subjetividade
    da atriz e a construção da dramaturgia da cena por meio dos mitos e Itans da cultura
    afro e das partituras físicas e vocais desenvolvidas a partir dos princípios da
    Antropologia Teatral de Eugênio Barba, por meio do estudo prático de corporeidades
    como a capoeira angola e a mímica corporal dramática, enveredando em uma
    performance do processo criativo colaborativo para descolonização do pensamento
    europeu. Nesse processo foi possível concluir acerca da importância em criar caminhos
    que possibilitem a desconstrução das obras clássicas para reafirmar a voz de grupos
    silenciados historicamente.


  • Mostrar Abstract
  • The present study proposes an analysis of the collaborative process of creating the
    Medeia Negra solo, the ninth performance of the Vilavox group, created with the
    literature workshops held at the Female Penal System in Salvador by the group
    Indocile Bodies, Free Minds grounded on an interdisciplinary and intercultural
    approach. The solo’s elaboration elements were analyzed, utilizing black
    feminism, interculturality and black theater as research concepts. Those were
    articulated with the proposal of blackening the Greek character Medeia by
    Eurípedes. The intention was to create in the dramatic game, the intersection of the
    voices of black women, an intersectional look through criticisms of capitalism and
    the patriarchal system that foster racism and social inequalities. The work
    describes the actress process’ of subjectivity and the crafting scene’s dramaturgy
    through the myths and Itans of afro-culture and the physical and vocal scores
    developed from the principles of the Theatrical Anthropology of Eugênio Barba,
    through the practical study of corporalities like capoeira angola and dramatic body
    mimicry. It embarks upon a performance of the collaborative creative process to
    decolonize European thought. In this process, it was possible to conclude on the
    importance of creating paths that enable the deconstruction of classical works to
    reaffirm the voice of historically silenced groups.

8
  • ANA TEREZA MENDES SOUZA
  • ARTISTA-MEMÓRIA: UMA ATRIZ A REMEMORAR SUA IRARÁ

  • Orientador : HEBE ALVES DA SILVA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • HEBE ALVES DA SILVA
  • RAIMUNDO MATOS DE LEAO
  • ANDREA COPELIOVITCH
  • Data: 10/12/2020

  • Mostrar Resumo
  • Esta pesquisa é uma investigação acerca do trabalho de uma atriz de origem
    interiorana tendo por objeto as memórias, pessoais e de seu nascedouro, à busca de
    compreender de que maneira a cidade influi sobre as práxis do seu corpo cênico.
    Trata-se de um mergulho autoetnográfico apoiado na história da cidade de Irará e nas
    rememorações que ainda atravessam seus filhos. Mediante um exercício de livre
    associação, o escrito mapeia as parecenças que se sustentam entre o corpo da atriz-
    pesquisadora e as reminiscências de sua terra. Das confluências do rememorar, surge
    o artista-memória, resultante de uma reflexão sobre as marcas e transformações que
    estes dois mundos, e suas memórias, germinam entre si. Com alicerce nos estudos
    sobre o conceito de memória, compreende-se os princípios que norteiam o artista-
    memória, a partir da ótica dos neurocientistas Ivan Izquierdo e David Eagleman, e da
    noção de memória coletiva e seus efeitos sobre a construção da identidade do
    indivíduo, perpassando pelas ideias de Maurice Halbwachs, Pierre Nora e Michael
    Pollak.


  • Mostrar Abstract
  • This research is an investigation about the work of an interior’s actress having the
    memories like object, personal and of her origin, in order to understand how the city
    influences the praxis of her scenic body. It is a autoethnographic dive based on the
    history of the city of Irará and the rememorações that still cross their children.
    Through an exercise of free association, the writing maps the similarities that are
    sustained between the body of the actress-researcher and the reminiscences of her
    land. From the confluences of rememorar, the artist-memory arises, resulting from a
    reflection on the marks and transformations that these two worlds, and their
    memories, germinate among themselves. Based on the studies on the concept of
    memory, it is understood the principles that guide the artist-memory, starting from the
    perspective of neuroscientists Ivan Izquierdo and David Eagleman, and from the
    notion of collective memory and its effects on the construction of the identity of the
    individual, going through the ideas of Maurice Halbwachs, Pierre Nora and Michael
    Pollak.

9
  • MARCOS CRISTIANO VIANA DE BARROS
  • PROJETO CHAPÉU DE PALHA:

    UMA AÇÃO DE TEATRO POPULAR PELO INTERIOR DA BAHIA

  • Orientador : ELIENE BENICIO AMANCIO COSTA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ELIENE BENICIO AMANCIO COSTA
  • ISABELA SANTOS DE ALMEIDA
  • RAIMUNDO MATOS DE LEAO
  • Data: 16/12/2020

  • Mostrar Resumo
  • Trata-se, nesta dissertação de mestrado em artes cênicas, de uma pesquisa sobre uma ação cultural, que teve o teatro popular como linguagem “mãe”[1], no interior da Bahia, Brasil, entre as últimas duas décadas do Século XX e a primeira década do Século XXI. Essa ação cultural, mantida pela Fundação Cultural do Estado da Bahia, implantada em 1983, denominada Projeto Chapéu de Palha, foi descontinuada no ano de 2006, quando foi extinta. Tal ação, consistia no oferecimento de oficinas, com duração de 22 dias, cuja metodologia se desenvolvia em três fases (pesquisa dos elementos históricos e estéticos; construção da dramaturgia e fruição dos resultados), tendo como culminância uma aula pública em forma de espetáculo. A partir de pesquisa documental e bibliográfica, identificou-se os impactos dos resultados das oficinas ministradas e a composição do acervo cartográfico e dramatúrgico. Do ponto de vista da historiografia, a longevidade da ação cultural, como forma de política pública que atravessou três gestões governamentais, contribuiu para a construção da narrativa de um importante capítulo na história do teatro popular na Bahia, por isso esta pesquisa que além de abordar o contexto histórico do período, analisa a produção das poéticas construídas através do Projeto Chapéu de Palha.



    [1] Utilizo este termo de acordo com entendimento de Armindo Bião no âmbito da etnoceneologia onde as ”Matrizes Estéticas” tem o sentido de “mãe” para representar a  unicidade, quando pensada como uma e única pessoa [...] geradora de outra[s].  (BIÃO. 2009, pág. 37)


  • Mostrar Abstract
  • In this master's dissertation in scenic arts, this is a research on a cultural action, which had popular theater as its “mother” language, in the interior of Bahia, Brazil, between the last two decades of the 20th century and the first decade of the 21st century. This cultural action, maintained by the Cultural Foundation of the State of Bahia, implemented in 1983, called Projeto Chapéu de Palha, was discontinued in 2006, when it was extinguished. Such action consisted of offering workshops, lasting 22 days, whose methodology was developed in three phases (research of historical and aesthetic elements; construction of dramaturgy and enjoyment of the results), culminating in a public class in the form of a show. From documentary and bibliographic research, the impacts of the results of the workshops taught and the composition of the cartographic and dramaturgical collection were identified. From the point of view of historiography, the longevity of cultural action, as a form of public policy that went through three governmental administrations, contributed to the construction of the narrative of an important chapter in the history of popular theater in Bahia, which is why this research that besides addressing the historical context of the period, analyzes the production of poetics built through the Chapéu de Palha Project.

10
  • MARIA TEIXEIRA CAMPOS
  • TRÊS MARIAS: análise de um processo criativo baseado em espetacularidades cotidianas "sotero-canudenses" e na mímeses corpórea.

  • Orientador : PAULO HENRIQUE CORREIA ALCANTARA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ADRIANA SILVA AMORIM
  • DANIELA MARIA AMOROSO
  • PAULO HENRIQUE CORREIA ALCANTARA
  • Data: 17/12/2020

  • Mostrar Resumo
  • Trata-se de uma pesquisa teórico-prática, na qual abordo questões referentes ao

    processo criativo do solo Três Marias, o qual tem como base a espetacularidade do

    cotidiano de duas regiões baianas localizadas no litoral e no sertão, sendo elas Salvador

    e Canudos. Para tanto trago reflexões que dialogam com conceitos da etnocenologia e

    com um dos métodos de criação do grupo Lume, a mímesis corpórea, na qual encontrei

    estreitas relações com este trabalho. Compartilho ainda a trajetória da construção deste

    espetáculo, revelando suas etapas e imbricações, as quais encontram eco em outros

    projetos que também refletem sobre espetáculos autorais, revelando diversas facetas

    deste feito e a importância de incorporar ao trabalho artístico-acadêmico a história de

    vida, cultura e ancestralidade do artista pesquisador.


  • Mostrar Abstract
  • This is a theoretical-practical research, in which I address questions related to the

    creative process of the Três Marias soil, which is based on the spectacularity of the

    daily life of two Bahian regions on the coast and in the hinterland, namely Salvador and

    Canudos. For that, I bring reflections that dialogue with the concepts of ethnocenology

    and with one of the methods of creation of the Lume group, the corporeal mimesis, in

     

    which I found close relations with this work. I also share the trajectory of the

    construction of this show, revealing its stages and imbrications, which we echo in other

    projects that also reflect on author shows, revealing several facets of this feat and the

    importance of incorporating the history of life, culture into artistic-academic work and

    ancestry of the research artist.

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  • VERIDIANA ANDRADE NEVES
  • À PROCURA DO ÊXTASE: PRINCÍPIOS DO YOGA NO PROCESSO DE CRIAÇÃO E NA FORMAÇÃO DE ARTISTAS CÊNICOS

  • Orientador : GEORGE MASCARENHAS DE OLIVEIRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • GEORGE MASCARENHAS DE OLIVEIRA
  • HEBE ALVES DA SILVA
  • NARA WALDEMAR KEISERMAN
  • Data: 18/12/2020

  • Mostrar Resumo
  • No presente trabalho discutem-se os desdobramentos que o autoconhecimento, obtido através da prática do Yoga, especificamente nas modalidades Hatha Yoga e Vinyasa Flow, pode ter na alteração dos estados psicofísicos e, consequentemente, na expressividade de artistas em cena. A investigação tem como base metodológica a abordagem da prática como pesquisa desenvolvida a partir de experimentações artístico-criativas pessoais e com outros artistas, em torno da seguinte questão: em que medida o conhecimento de si, obtido a partir da prática do Yoga, pode contribuir para o processo de expressão artística? O trabalho aborda aspectos técnicos e filosóficos do Yoga, considerando-se a linhagem filosófica tântrica clássica, apresenta os princípios do Yoga diretamente aplicados na pesquisa cênico-criativa (Asanas, Pranayamas, Prana e Chackras) e discute a experiência de artistas teatrais que se apoiaram no Yoga para o desenvolvimento do seu pensamento e criação artísticos, como Viola Spolin, Yoshi Oida, Constantin Stanislavski, Anne Bogart e Tina Landau. As experiências práticas teatrais geradas na pesquisa são analisadas a partir dos cinco atos divinos da dança de Shiva Nataraja (criação, necessidade de não temer, destruição, encobrimento e graça), enraizados nos princípios da presença no aqui e agora e no fluxo respiração–movimento. A alteração nos estados psicofísicos dos artistas em seus processos criativos, a partir da prática do Yoga, é discutida como experiência de êxtase, considerado não como ponto de chegada, mas como caminho de experimentação e descoberta das manifestações conscientes individuais e criativas.

     


  • Mostrar Abstract
  • The present study discusses the outcomes of self-knowledge development through the practice of Yoga, especially Hatha Yoga and Vinyasa flow, and their impact on changing psychophysical states and the expressiveness of artists on stage. By means of the methodological approach of practice as research, the investigation draws on the researcher’s personal creative processes and experiments with other artists to explore the following question: To what extent can self-knowledge acquired through the practice of Yoga contribute to the process of artistic expression? By addressing technical and philosophical aspects of Yoga, based on a classical tantric lineage, the work presents the principles of Yoga that were applied to creative processes in performing arts (Asanas, Pranayama, Prana and Chakras), and discusses the experiences of theatre artists who developed their artistic thinking and creativity with the help of Yoga, such as Viola Spolin, Yoshi Oida, Constantin Stanislavski, Anne Bogart, and Tina Landau. The theatrical experiences generated in the research are analysed from categories arising from the five divine acts of Shiva Nataraja’s dance (creation, preservation, dissolution, concealment and grace), rooted in the principles of presence in the here and now and in the flow of breath. The changes in the psychophysical states of artists in their creative processes, through the practice of Yoga, is discussed as an experience of rapture considered not as a point of arrival, but as a way of experimenting with and discovering manifestation of individual and creative consciousness.

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  • LUIS ALBERTO ALONSO AUDE
  • O CORPO ZERO E AS NOÇÕES DE ENERGIA E PRESENÇA NO CORPO DO ATOR NA PONTE DOS VENTOS.  

  • Orientador : ANTONIA PEREIRA BEZERRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANTONIA PEREIRA BEZERRA
  • ELIENE BENICIO AMANCIO COSTA
  • PATRICK GEORGE WARBURTON CAMPBELL
  • Data: 21/12/2020

  • Mostrar Resumo
  • O presente trabalho é um estudo ontológico do corpo teatral, corpo sui generis, lugar do qual nasce todo o processo de construção de uma poética para a cena. Esta proposta abrange a definição do Corpo Zero, a partir da experiência com o Training do grupo multicultural de pesquisa teatral, The Bridge of Winds, e do registro e analise de suas práticas. Corpo Zero, como uma analogia do território onde se localiza a imanência do corpo humano vivo, e como este corpo primevo funciona como lócus que o ator se apropria para construir um ente poético. Para tanto, faz-se uma abordagem profunda do conceito de energia, atrelado às ciências duras, à fenomenologia, à filosofia e à teoria da análise e da produção artísticas, perseguindo maneiras de como reconhecer esse Corpo Zero. Neste último, a energia é pensamento, atrelada ao esforço, é movimento, conhecimento e potencializa a presença do corpo do ator, transformando-o em entidade poética.  


  • Mostrar Abstract
  • This research proposes an ontological study of the theatrical body- corpo sui generis-, from which the whole process of building a poetics for the scene is born. This proposal covers the definition of Corpo Zero, based on a long-term experience with the Training of the multicultural theatre research group The Bridge of Winds, and through the recording and analyzing of the group's practices. Corpo Zero, as an analogy for the territory where the immanence of the living human body is located, and for how this primeval body functions as the locus that the actor appropriates to build a poetic being. For this, the concept of energy is analysed in depth, through its connections to hard sciences, phenomenology, philosophy and the theory of artistic analysis and production, pursuing ways on how to recognize this Corpo Zero. In the latter, energy is thought, linked to effort, it is movement, knowledge and enhances the presence of the actor's body, transforming it into a poetic entity.

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  • KÁTIA LETÍCIA COSTA SANTOS
  • VOZES DO PORVIR - NARRATIVAS SUBTERRÂNEAS E DRAMATURGIAS LATENTES: PROCESSOS DE CRIAÇÃO E DINÂMICAS RACIAIS COM MULHERES EM COMUNIDADES DO BRASIL E CABO VERDE

  • Orientador : ANTONIA PEREIRA BEZERRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ALEXANDRA GOUVEA DUMAS
  • ANTONIA PEREIRA BEZERRA
  • RUTTE TAVARES CARDOSO ANDRADE
  • Data: 22/12/2020

  • Mostrar Resumo
  • O registro das memórias de um povo, narrados de forma escrita ou oral pelas mulheres que, ao contar suas histórias vividas, revelam dinâmicas raciais e se constituem como mote para processos criativos em dramaturgias e encenações. Centrado nas experiências, na linguagem, na estética, nos discursos e elementos culturais de mulheres em quatro comunidades, sendo duas de ascendência africana, Parque Florestal, no município de Camaçari e Quilombo do Dandá, em Simões Filho, ambas na Região Metropolitana de Salvador; e duas africanas, Achada Grande Frente e Rabelados Espinho Branco, localizadas na Ilha de Santiago, em Cabo Verde, a investigação conclama estes conhecimentos como proposição epistêmica em interação com os conhecimentos academicamente sistematizados. Neste sentido, referencia-se ideologicamente no Pan-africanismo e tem, como base epistemológica, a Afrocentricidade, num diálogo com o Mulherismo Afrikana para uma compreensão racialmente centralizada das dinâmicas destas mulheres, ao mesmo tempo em que se engaja em perspectivas filosóficas, antropológicas, históricas, literárias, espirituais e de pensadores do teatro negro. O percurso se reverbera de modo prático através de entrevistas orais, como também com oficinas de escrita narrativa que, no seu itinerário metodológico, experimenta o Corpo Oráculo, uma série de exercícios guiados pela cosmovisão africana, como caminho de acesso às memórias e produção ritualizada de escritas autobiográficas. Neste processo, as narrativas das mulheres incitam a criação de obras literárias, visuais e cênicas, sugerindo, no seu decurso, a proposição da Dramaturgia da Renascença Preta que, motivada pelo Renascimento Africano, busca por contribuir com as tantas possibilidades de se pensar o teatro negro. 


  • Mostrar Abstract
  • The register of the memories of a people, narrated in written or oral form by women
    who, in telling their lived histories, reveal racial dynamics and constitute themselves as
    a motto for creative processes in dramaturgies and staging. Focused on the experiences,
    language, aesthetics, speeches and cultural elements of women in four communities,
    two of african ascendence, Parque Florestal, in the municipality of Camaçari and
    Quilombo do Dandá, in Simões Filho, both in the Metropolitan Region of Salvador; and
    two african, Achada Grande Frente and Rabelados Espinho Branco, located on the
    island of Santiago, Cape Verde, the research calls this knowledge as an epistemic
    proposition in interaction with academically systematized knowledge. In this sense, it is
    ideologically referenced in Pan-Africanism and has, as its epistemological basis,
    Afrocentricity, in a dialogue with Afrikan Womanism for a racially centralized
    understanding of the dynamics of these women, while engaging in philosophical,
    anthropological, historical, literary, spiritual and thinking perspectives of black theater.
    The journey reverberates in a practical way through oral interviews, as well as narrative
    writing workshops that, in their methodological itinerary, experiences the “Corpo
    Oráculo” (Oracle Body), a series of exercises guided by the African cosmovision, as a
    way to access memories and ritualized production of autobiographical writings. In this
    process, women's narratives encourage the creation of literary, visual and scenic works,
    suggesting, in its course, the proposition of the Black Renaissance Dramaturgy, which,
    motivated by the African Renaissance, seeks to contribute to the many possibilities of
    thinking about Black Theatre.

14
  • DANIEL FREIRE LEAHY GUERRA
  • O ACONTECIMENTO CÊNICO: ENSAIOS DE UMA LINGUAGEM

  • Orientador : ERICO JOSE SOUZA DE OLIVEIRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ERICO JOSE SOUZA DE OLIVEIRA
  • LEONARDO VINCENZO BOCCIA
  • PATRICK ESTELLITA CAVALCANTI PESSOA
  • Data: 22/12/2020

  • Mostrar Resumo
  • Esta dissertação, trabalho gestado desde o campo das teorias da cena, desenvolve uma
    investigação sobre a noção de acontecimento cênico e tem como objetivo contribuir com um
    fundamento conceitual para o termo, presente tanto na prática quanto na teoria das artes
    cênicas contemporâneas. Atravessa-a, do começo ao fim, um questionamento ontológico
    engajado na interseção entre a filosofia e a psicanálise, embora parta e retorne sempre ao
    campo da cena. O principal filósofo evocado é Martin Heidegger. Da psicanálise, conta-se
    com Jacques Lacan. Tal ontologia do acontecimento cênico funda-se na provocação
    heideggeriana de uma “ontologia fundamental”, mas logo parte para uma ontologia crítica
    especifica à cena e a esta investigação. Propõe-se então cinco dimensões ontológicas, as quais
    seriam teoricamente fundamentais ao acontecimento cênico em-obra: o real, o acontecimento,
    a cena, o dispositivo e a fantasia. Tais dimensões são questionadas, fundamentadas
    conceitualmente e postas em jogo numa relação estrutural de interdependência. Dentro delas,
    o desejo-da-obra também é questionado, principalmente com base nas proposições de Gilles
    Deleuze, Félix Guattari e Jacques Lacan. Mas logo este desejo torna-se desejo-além-obra.
    Optou-se por um estilo ensaístico, o qual traz, historicamente, permissões de deriva, se bem
    que sempre fazendo uso de um olhar crítico-analítico. Apresenta-se, portanto, oito ensaios
    crítico-analíticos, nos quais a verticalidade ontológica do aspecto crítico-analítico não anula a
    horizontalidade do ensaísmo — pelo contrário, deve potencializá-la. Como o objeto
    fundamental é o próprio acontecimento cênico, e como o ensaísmo permite uma deriva
    transdisciplinar, há a invocação de tantos filósofos, teóricos e artistas quanto a intensidade da
    investigação e do salto ontológico sobre o acontecimento deseje e possa sustentar. Por fim, ao
    abrir as dimensões do acontecimento cênico, é o próprio Contemporâneo e a arte produzida
    sob a sua égide que resultam postos em suspensão crítico-analítica, se bem que
    essencialmente propositiva, já que o acontecimento cênico é tratado como uma linguagem.


  • Mostrar Abstract
  • This dissertation, work developed from the field of scene theories, carries out an investigation
    on the concept of scenic event and aims to contribute to a conceptual grounding of the term,
    present both in practice and in the theory of contemporary performing arts. It is, from
    beginning to end, crossed by an ontological questioning involved in the intersection between
    philosophy and psychoanalysis, although it always leaves and returns to the scene. The main
    philosopher evoked is Martin Heidegger. From psychoanalysis, it counts on Jacques Lacan.
    Such an ontology of the scenic event is based on the Heideggerian provocation of a
    “fundamental ontology”, but soon moves on to a critical ontology, specific of the scene and of
    this investigation. Then, five ontological dimensions are proposed, such as which are
    theoretically fundamental to the scenic event in-work: the real, the event, the scene, the
    aparattus and the fantasy. Such dimensions are questioned, conceptually grounded and set to
    play in a structural relationship of interdependence. Within them, the desire-of-the-work is
    also questioned, mainly based on the proposals of Gilles Deleuze, Felix Guattari and Jacques
    Lacan. But this desire soon becomes desire-beyond-the-work. It was opted for an essay style,
    which historically brings drifting permissions, although always making use of a criticalanalytical
    perspective. Therefore, eight critical-analytical essays are presented, in which the
    ontological verticality of the critical-analytical aspect does not nullify the horizontality of the
    essay - on the contrary, it must enhance it. Since the fundamental object is the scenic event
    itself, and since the essay form allows for a transdisciplinary drift, there is an invocation of as
    many philosophers, theorists and artists as the intensity of the investigation and and that of the
    ontological leap over the event can stand. Finally, when opening up the dimensions of the
    scenic event, it is the Contemporary and the art under its aegis which are put in a criticalanalytical
    suspension, even when essentially proposing, since the scenic event is treated as a
    language.

Teses
1
  • DEBORAH MAIA DE LIMA
  • L’enseignement de la danse de María Fux: Fondements et pratiques

  • Orientador : ELOISA LEITE DOMENICI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ELOISA LEITE DOMENICI
  • DENISE MARIA BARRETO COUTINHO
  • CAROLINE RAYMOND
  • DELPHINE ODIER-GUEDJ
  • SYLVIE FORTIN
  • Data: 17/02/2020

  • Mostrar Resumo
  • Esta tese descreve e analisa o ensino da dança de María Fux, segundo ela mesma o desenvolve em seu Centro Creativo de Danza Contemporanea localizado em Buenos Aires. Apesar da notoriedade de María Fux tanto na Argentina, como em diversos países da América do Sul e da Europa, sua prática continua sendo pouco estudada e é conhecida prioritariamente pelo viés de suas obras escritas, que são em sua maioria reflexões pessoais e biográficas (Fux, 1979, 1982). Conhecida pela denominação Danzaterapia, são constantes as divergências a respeito do entendimento sobre essa prática, bem como as diversas compreensões sobre o que ela cumpre, o que nos impulsiona a efetuar um estudo aprofundado, cuja principal questão é a seguinte: Quais são os fundamentos e as práticas de ensino da dança de María Fux? Quatro sub questões foram formuladas: 1) Quais são as concepções que baseiam o ensino da dança de María Fux? 2) Como essas concepções se manifestam em seu ensino da dança? 3) Quais são os conteúdos que estruturam o ensino da dança de María Fux? 4) Quais são os princípios somáticos que emergem do ensino da dança de María Fux?

    Este estudo adota o paradigma pós-positivista, que busca interpretar ou compreender um contexto particular de pesquisa (Paillé et Mucchielli, 2016), constituindo-se como pesquisa etnográfica e adotando como postura epistemológica a posição intelectual compreensiva-interpretativa. Este estudo compreende 16 participantes, a própria María Fux que é o sujeito central da pesquisa, e 15 participantes complementares: suas duas colaboradoras, sua assistente, seis de seus alunos, duas mães de seus alunos, dois membros do campo da dança na Argentina e dois integrantes do meio terapêutico. Essa diversidade de sujeitos participantes permitiu a compreensão dos vários aspectos que cercam sua prática do ensino de dança. Como métodos de produção de dados, foram utilizadas entrevistas semi-estruturadas, participação observante da pesquisadora e a análise de cinco registros de aulas de María Fux obtidas gravações de vídeo durante os anos de 2014 a 2016. O método de análise adotado para este estudo foi a análise temática, a partir da qual foram geradas três árvores temáticas: Retrato Biográfico de María Fux; Concepções que baseiam o seu ensino de dança e Práticas de ensino de dança de María Fux.

    A partir dos resultados obtidos foi possível identificar seis meios pedagógicos utilizados por María Fux: 1) Uso do humor; 2) Uso do imaginário; 3) Identificação do maestro de orquestra; 4) Modelagem de movimento dançado; 5) Organização do espaço para motivar o engajamento do aluno; 6) Criação de um universo sonoro para engajar o aluno na dança. Também foi possível identificar a estruturação das aulas deMaría Fux em 4 momentos-chave: Encontro com os alunos, Ativação no "pequeno espaço", Movimentar-se no "grande espaço", Improvisação para integrar a experiência do movimento dançado. Os valores humanos encontrados nessa prática, e a criatividade original (Chopin, 2015) que ela oferece, colocam em evidência uma contribuição artística e somática no seu modo de ensinar a dança.

     


  • Mostrar Abstract
  • This thesis describes and analyzes the teaching of dance by María Fux, as she develops it in her Creative Center of Contemporary Danza located in Buenos Aires. Despite María Fux's notoriety in Argentina, as well as in several countries in South America and Europe, her practice remains little studied and is known primarily for the bias of her written works, which are mostly personal and biographical reflections (Fux , 1979, 1982). Known by the name Danzaterapia, there are constant disagreements about the understanding of this practice, as well as the different understandings about what it fulfills, which impels us to carry out an in-depth study, the main question of which is: What are the fundamentals and the dance teaching practices of María Fux? Four sub questions were asked: 1) What are the conceptions that base the teaching of dance by María Fux? 2) How are these conceptions manifested in your dance teaching? 3) What are the contents that structure the teaching of dance by María Fux? 4) What are the somatic principles that emerge from María Fux's dance teaching?
    This study adopts the post-positivist paradigm, which seeks to interpret or understand a particular research context (Paillé et Mucchielli, 2016), constituting itself as ethnographic research and adopting an understanding-interpretive intellectual position as an epistemological stance. This study comprises 16 participants, María Fux herself, who is the central subject of the research, and 15 complementary participants: her two collaborators, her assistant, six of her students, two mothers of her students, two members of the dance field in Argentina and two members of the therapeutic environment. This diversity of participating subjects allowed the understanding of the various aspects that surround their practice of teaching dance. As data production methods, semi-structured interviews, observant participation of the researcher and the analysis of five class records by María Fux were obtained from video recordings during the years 2014 to 2016. The analysis method adopted for this study was thematic analysis, from which three thematic trees were generated: Biographical Portrait of María Fux; Conceptions that base her dance teaching and Dance Teaching Practices by María Fux.
    From the results obtained it was possible to identify six pedagogical means used by María Fux: 1) Use of humor; 2) Use of the imaginary; 3) Identification of the orchestra conductor; 4) Modeling of danced movement; 5) Organization of space to motivate student engagement; 6) Creation of a sound universe to engage the student in dance. It was also possible to identify the structuring of María Fux's classes in 4 key moments: Meeting with students, Activation in the "small space", Moving around in the "large space", Improvisation to integrate the experience of the dance movement. The human values found in this practice, and the original creativity (Chopin, 2015) that it offers, highlight an artistic and somatic contribution in his way of teaching dance.

2
  • CLAUDIO REJANE ALVES DOS ANJOS
  • Poética visual de Sonia Rangel nos espetáculos do Grupo de Teatro Os Imaginários.

  • Orientador : SONIA LUCIA RANGEL
  • MEMBROS DA BANCA :
  • EDGARD MESQUITA DE OLIVA JUNIOR
  • HEBE ALVES DA SILVA
  • MARIANNE TEZZA CONSENTINO
  • RAIMUNDO MATOS DE LEAO
  • SONIA LUCIA RANGEL
  • Data: 09/03/2020

  • Mostrar Resumo
  • A presente tese se ocupa da necessidade de compreender e expandir o acesso
    à poética visual de Sonia Rangel para o teatro e de demonstrar como certos
    aspectos, recorrentes no geral de sua criação artística, apontam para o
    reconhecimento de uma poética para a cena, mais especificamente no que
    concerne ao estudo reflexivo dos processos criativos para a construção poética
    e visual dos espetáculos do grupo de teatro Os Imaginários, por ela criado e
    coordenado. A metodologia utilizada está ancorada numa pesquisa híbrida de
    caráter participante, na qual pesquisador e pesquisa se fundem numa mesma
    disposição. Destarte, foi feita uma coleta qualitativa em fontes diretas, que
    abriu espaço para a interpretação de fenômenos e atribuição de significados,
    considerando para isso todo o arcabouço teórico utilizado. Tal conhecimento é
    correlacionando com abordagens relacionadas ao universo do Teatro de
    formas animadas e com o estudo da imagem como produtora de conhecimento
    sobre a filosofia do espaço e a acepção a respeito da visualidade. Além disso,
    a pesquisa se sustenta em parâmetros da crítica genética, o que sugere uma
    leitura apurada dos registros e resíduos resultantes do processo de
    desenvolvimento de uma obra de arte. Elucidar a importância da imagem como
    princípio de criação em artes cênicas e sua contribuição para a pedagogia
    teatral, abonando os aspectos recorrentes que apontam para a definição de
    uma poética, torna mais evidente a estima da poética visual de Sonia Rangel
    para o teatro e sua efetiva contribuição para a história da visualidade na cena
    baiana no âmbito da Escola de Teatro da Universidade Federal da Bahia.


  • Mostrar Abstract
  • The present thesis deals with the need to understand and expand Sonia
    Rangel's access to visual poetics for the theater and to understand how certain
    recurring aspects in the general of her artistic creation point to the recognition of
    a poetics for the scene, referring here more specifically, to the reflective study of
    the creative processes for the poetic and visual construction of the
    performances of the Theater Group Os Imaginários, created and coordinated by
    her. The methodology used is anchored in a participatory hybrid research, in
    which researcher and research are merged in the same disposition. Thus, a
    qualitative collection was made from direct sources, which opened space for the
    interpretation of phenomena and the attribution of meanings, considering the
    entire theoretical framework used. Correlating such knowledge with approaches
    related to the universe of Animated Forms Theater; to the study of image as a
    knowledge producer, about the philosophy of space and the meaning about
    visuality. In addition, the research is supported by the parameters of genetic
    criticism that suggests accurate reading of the records and residues resulting
    from the process of development of a work of art. Elucidating the importance of
    image as a principle of creation in the performing arts and its contribution to
    theatrical pedagogy, emphasizing that the recurrent aspects point to the
    definition of a poetics, makes Sonia Rangel's esteem of visual poetics more
    evident for the theater and its effective contribution to the history of visuality in
    the Bahian scene produced within the Theater School of the Federal University
    of Bahia.

3
  • ARIANE GUERRA BARROS
  • Entre o corpo do ator/performer e o espaço urbano: um teatro performativo

  • Orientador : IVANI LUCIA OLIVEIRA DE SANTANA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • IVANI LUCIA OLIVEIRA DE SANTANA
  • LUIZ CESAR ALVES MARFUZ
  • MARTA ISAACSSON DE SOUZA E SILVA
  • MATTEO BONFITTO JUNIOR
  • MÔNICA MEDEIROS RIBEIRO
  • Data: 13/03/2020

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  • Esta tese investigou o corpo do ator/performer relacionado ao espaço urbano, compreendendo este ambiente enquanto interferência criativa para a realização de um teatro performativo.Entendendo o próprio ator/performer e seu corpo como um reflexo direto do entorno que habita, considera-se a interação entre ator/performer, espectador e meio como crucial para o desenvolvimento de um teatro performativo. Procura-se entender como o ambiente – no caso, a rua – pode estimular possibilidades de expressão em ações, através do corpo do ator/performer, realizando relações e considerações, e tendo na ação cênico-performativa Fragmentos de Corpos Urbanos (2016), da Cia. Última Hora, exemplo em que teoria e prática estão amalgamadas. Realizando pesquisa empírica e teórico-bibiográfica, aliando a prática como pesquisa, a intenção é entender o corpo como vértice, matriz relacional entre ator/performer e espaço urbano, indicando que a cidade enquanto espaço de atuação do ator/performer é cocriadora e cocriadapor este no momento de sua ação, em uma relação que é retroalimentada pelos componentes em questão, e gerando também um teatro performativo. Partindo do entendimento que o ator/performer encontra-se entre o teatro e a performance, e analisando os possíveis entre-lugares desta relação, dispõe-se dos conceitos de teatralidade e performatividade como potencialidades para aquilo que se apresenta como um teatro performativo. Procurando tecer um panorama mais completo da interação entre o corpo do ator/performer em relação ao meio, percebendo como se dá a transformação deste corpo em novas espacialidades e temporalidades, e como esta situação afeta não somente o corpo, mas também o Outro – sendo este Outro o público, o colega ator/performer e o próprio ambiente, tem-se nas ideias de Enação, affordancese metáforas a compreensão de uma cognição corporalizada (embodied cognition), que entende-se como primordial para o campo artístico. Em camadas de análise que consideram o ator/performer, o espectador, o corpo e o espaço urbano, obtêm-se intersecções e imbricamentos que interferem no próprio teatro performativo e suas ações, no corpo do ator/performer, e na forma de relacionamento com público e no meio.


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  • This thesis investigated the performer's body related to the urban space, understanding the environment as a creative interference for the realization of a performative theater. Understanding the performer himself and his body as a direct reflection of the environment he inhabits, the interaction between performer, spectator and environment is considered crucial to the development of a performative theater. It seeks to understand how the environment - in this case, the street - can stimulate possibilities of expression in actions, through the performer`s body, carrying out relationships and considerations, and having in the scenic-performative action Fragmentos de Corpos Urbanos(2016), from Cia. Última Hora, an example in which theory and practice are amalgamated. Conducting empirical and theoretical research, combining practice as research, the intention is to understand the body as a vertex, a relational matrix between performer and urban space, indicating city as a space for the performer to act is co-created and co-created by this at the moment of its action, in a relationship that is fed back by the components in question, and also generating a performative theater. Based on the understanding that the performer is between theater and performance, and analyzing the possible inter-places of this relationship, the concepts of theatricality and performativity are available as potentialities for what is presented as a performative theater. Seeking to weave a more complete panorama of the interaction between the performer's body in relation to the environment, realizing how this body is transformed into new spatialities and temporalities, and how this situation affects not only the body, but also the Other - being this Other the public, the fellow performer and the environment, has in the ideas of Enation, affordances and metaphors the understanding of a embodied cognition, which is understood as primordial for the artistic field. In layers of analysis that consider the performer, the spectator, body and the urban space, intersections and overlaps are obtained that interfere in the performative theater itself and its actions, in the performers body, and in the form of relationship with public and in the environment.

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  • GIL DE MEDEIROS ESPER
  • Trajeto criativo colaborativo: uma abordagem do teatro performativo na formação de artistas

  • Orientador : LUIZ CESAR ALVES MARFUZ
  • MEMBROS DA BANCA :
  • DENISE MARIA BARRETO COUTINHO
  • HEBE ALVES DA SILVA
  • LUIZ CESAR ALVES MARFUZ
  • MARCO ANTONIO ALEXANDRE
  • SARA DEL CARMEN ROJO DE LA ROSA
  • Data: 28/04/2020

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  • A presente tese discorre sobre uma abordagem para o teatro performativo, denominada trajeto criativo colaborativo, que consiste em uma estratégia para a formação de artistas-estudantes na atualidade e para a atualidade. A pesquisa surge de uma inquietação que pode ser resumida na pergunta: Quais ferramentas e operações artísticas podem auxiliar o artista-docente na condução de trajetos criativos colaborativos que visam experienciar a linguagem teatral performativa? A partir dessa questão inicial, constrói-se a hipótese de que a abordagem proposta para o trajeto criativo colaborativo, com seus olhares de atenção e focos de concentração, se apresenta como uma estratégia, entre outras tantas, para a preparação de futuros artistas teatrais performativos. O foco está em pensar o ato criativo, e não a obra acabada; daí o destaque à noção de formatividade como metodologia de pesquisa. Apresentar-se-ão os pontos de partida que levaram à construção do trajeto criativo colaborativo; o pano de fundo do “pensamento teórico-prático” que envolve o trajeto; bem como a proposta de abordagem para o trajeto criativo colaborativo, organizada e sistematizada para que sirva como estímulo para novas e diferentes apropriações e olhares. Conclui-se que a abordagem apresentada se coloca como uma possibilidade de enfrentamento aos desafios dados para a formação do artista de teatro na atualidade


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  • The current research discusses an approach for performative theater, called collaborative creative way, which consists of a strategy for training of nowadays artist-students for the present days. This study emerge from a concern that can be summarize in the question: Which tools and artistic operations could assisted artist-teacher in conduction of collaborative creative ways that focus the experience the performative theatrical language? From this initial question, build a hypothesis about the proposed approach to collaborative creative way, with its attentive looks and focuses of concentration to present itself as a strategy, among many others, for the preparation of future performing theater artists. The focus is on thinking about the creative act, not the completed work; hence the emphasis on the notion of formativity as a research methodology. In this work will be presented: the starting points that led to the construction of the collaborative creative way, the background of “theoretical-practical thinking” that involves the path and the proposed approach to the collaborative creative way organized and systematized to serve as a stimulus for new and different appropriations and perspectives. The research points out the approach itself as a possibility to face the challenges in the current formation of theater artists. 

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  • MARIA REGINA TOCCHETTO DE OLIVEIRA
  • O estado de sintonia para a atuação articulado a partir de elementos do Treinamento Kinesensic de Lessac 

  • Orientador : HEBE ALVES DA SILVA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CIANE FERNANDES
  • HEBE ALVES DA SILVA
  • MATTEO BONFITTO JUNIOR
  • SONIA LUCIA RANGEL
  • Sulian Vieira Pacheco
  • Data: 29/04/2020

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  • Esta tese trata do estado de sintonia para a atuação articulado a partir de elementos do Treinamento Kinesensic de Lessac, como uma alternativa à ideia de controle do comportamento cênico realizado quando se busca o aperfeiçoamento da qualidade artística. Propõe uma conexão mais orgânica do ator/da atriz consigo e com as condições da ação desempenhada no momento presente, independente de características estilísticas. Esta pesquisa foi motivada pelas seguintes questões: como estimular a perspectiva aprofundada do fazer teatral, desenvolvendo um trabalho sobre si mesmo, frente à profusão de estímulos de diferentes linguagens artísticas e abordagens de atuação cênica? Como promover a experiência holística na prática de ensino, buscando superar a visão cultural cindida entre sujeito-objeto, mente-corpo, corpo-voz? E como articular os desafios atuais da prática artístico- pedagógica da autora, relacionando os princípios da abordagem de Arthur Lessac ao campo da Somática e ao legado de artistas pedagogos sobre a potência das ações físicas, como catalisadoras da organicidade humana? Duas ações foram desenvolvidas para plasmar estas questões: 1) a criação da disciplina eletiva Organicidade corpóreo-vocal da ação – uma abordagem baseada no Treinamento Lessac, realizada em 2017 no Curso de Artes Cênicas da Universidade Federal da Grande Dourados (UFGD), que contribuiu reflexivamente sobre a importância de uma prática de ensino que integre as áreas de corpo, voz e atuação e 2) a criação da cena solo Cães, trabalho em processo, feita pelo Núcleo Teatral Isadora em que a autora se coloca como sujeito-objeto da pesquisa buscando a via da sintonia para a atuação. Com estas atividades, a pesquisa encontrou seus próprios métodos, através da prática com os princípios da Abordagem Somático- Performativa e de procedimentos autoetnográficos. Com o objetivo de identificar como a sintonização da pessoa consigo mesma e com a ação que desenvolve acontece, foi criado o termo Artesanato Somático, que contribui para materializar e articular os processos corporais e vocais emanados pelos atores no decorrer do processo criativo e manifestados nas apresentações. 


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  • This dissertation is concerned with the state of attunement for acting, articulated from elements of Lessac’s Kinesensic Training as an alternative to the idea of controlling scenic behavior when seeking to improve artistic quality. It proposes a more organic connection of actors with themselves and with the conditions of the action performed in the present moment, regardless of stylistic characteristics. This research was motivated by the following questions: how to stimulate the in-depth perspective of theatrical making, developing a piece of work about oneself in the face of the profusion of stimuli in different artistic languages and approaches to scenic acting? How to promote a holistic experience in teaching, overcoming the cultural perspective of subject-object, mind-body, body-voice as separated entities? How to articulate current challenges of the artistic-pedagogical practice of the author, relating the principles of Arthur Lessac’s approach with the field of Somatics and with the legacy of pedagogical artists on the potency of physical actions as catalysts of human organicity? Two actions were carried out to shape these questions: 1) the creation, in 2017, of an elective discipline called “Organicity of bodily-vocal action – an approach based on Lessac’s Training” in the Performing Arts course at the Federal University of Grande Dourados (UFGD), which contributed with the reflection about a teaching practice that integrates the areas of body, voice and acting and 2) the creation of the solo scene “Cães”, work in progress, by the Núcleo Teatral Isadora, in which the author of this research is the subject-object, seeking the path of attunement for performing. These activities provided the methods of this research, through the practice of the principles of the Somatic-Performative Approach and self-ethnographical procedures. With the objective of identifying how the attunement of the actor with himself and with the action happens, the term artesanato somático (somatic craft) was created, contributing to materialize and articulate the bodily and vocal processes emanated by actors throughout the creative process and manifested on the performances.

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  • MILENA FLICK ARRUDA
  •  Coração Selvagem: o relato de si no inventar de uma poética pessoal.

  • Orientador : CASSIA DOLORES COSTA LOPES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANTONIA PEREIRA BEZERRA
  • CASSIA DOLORES COSTA LOPES
  • EVANDO BATISTA NASCIMENTO
  • HEBE ALVES DA SILVA
  • SANDRO SANTOS ORNELLAS
  • Data: 31/07/2020

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  • A tese, aqui apresentada, trata-se de uma investigação teórico-prática vinculada a processos de criação nos campos das Artes Cênicas e da Literatura. Propõe-se investigar o relato de si, como ato de criação, num contexto de desenvolvimento do fazer artístico da própria pesquisadora, tendo como disparador as narrativas da personagem Joana do primeiro romance de Clarice Lispector de título Perto do Coração Selvagem(1943). Tal investigação se desenvolve numa escrita performática e ensaística que se entrelaça aos movimentos de criação artística da pesquisadora, atriz e performer que se inscreve na pesquisa. Dissolvem-se as pretensas fronteiras entre obra e autoria, teoria e prática, vida e arte, atriz e personagem, entre outras dicotomias operantes, para ressaltar as contaminações e deslimites que se produzem em processos de criação das artes cênicas em contextos de produção mais contemporâneos. Ao tomar certa centralidade no processo de investigação, Joana impõe ao trabalho uma lógica própria e singular, cujos vetores éticos, políticos e estéticos direcionam-se ao inventar de uma poética pessoal com a qual a artista-pesquisadora irá se confrontando ao longo do percurso de escrita e da produção do trabalho. Além do romance, poesias, imagens e textos acadêmicos são tratados como fontes de referência teórico-práticas de forma a multiplicar as vozes ecoadas na escrita. No contexto de pesquisa em artes, parte-se do pressuposto de que as obras possuem lugar privilegiado na produção de conhecimento sensível. Partindo de um entrelaçamento não-hierárquico entre pesquisadora e objeto de pesquisa, o trabalho se desenvolve em diálogo com elementos autorreferenciais e autobiográficos que buscam abrir espaços de experimentação do próprio sujeito do relato.


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  • This work is an theoretical/practical research conected to creative processes in the Performing Arts and Literture. The aim is to investigat the account of oneself as a creative act, taking the researcher creative development as a framework and using the narratives of Joana, character from Clarice’s Lispector first novel Perto do Coração Selvagem(1943). Such investigation is developed through a writing both performative and essaying and that is entwined with the creative steps from the researcher, actress and performer, who is inscribed on the research. The pretensious barriers between artwork and authorship, theory and practice, life and art, actress and character are dissolved, as well as other operational dichotomies, to reassure the contaminations and un-limits produced among more contemporary creative processes in performing arts. By taking the central spot in the investigation process, Joana leads the work through her own and unique logic, also guiding the ethic, politics and aesthetics vectors, by creating a personal poetic with which the artisti-researcher is confronted to throhghout the writing.Besides the novel, poetry, images and academic essays are taken as sources to multiply the voices echoed through the writing. Taking research in arts as a scope, its known to take the artwork as central in the processs of sensitive knowledge producing. Starting from a non-hierarchical entwine between researcher and the object of investigation, the work is developed in dialogue wiht self-reported and autobiographical elements, willing to open new ground for the self narrator experiments.

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  • CARLOS AFONSO MONTEIRO RABELO
  • A DRAMATURGIA DA COMMEDIA DELL’ARTE E A ESCRITA CRIATIVA DA COMÉDIA

  • Orientador : ANTONIA PEREIRA BEZERRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ALEXANDRE SILVA NUNES
  • ANTONIA PEREIRA BEZERRA
  • JOICE AGLAE BRONDANI
  • PAULO RICARDO MERÍSIO
  • RAIMUNDO MATOS DE LEAO
  • Data: 03/08/2020

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  • Essa tese de doutorado é sobre a influência do gênero teatral commedia dell’artena escrita da comédia. É um estudo bibliográfico, com um lado pedagógico e de pesquisa em Artes Cênicas com foco em nova dramaturgia cômica. Aborda a relação entre o improviso e a escrita teatral. Apresenta um estudo histórico sobre a commedia dell’arte, suas diversas definições e uma breve história dessa forma de arte. É um estudo em Escrita Criativa, que comenta e compara peças teatrais de autores como Goldoni, Scala, Suassuna, Brecht, Molière e Shakespeare para apontar semelhanças e estruturas recorrentes da escrita dramática. Com base nessas observações, propõe uma lista de exercícios voltados ao ensino da dramaturgia, com foco no humor e na comédia. Por fim, apresenta uma comédia inédita chamada Os sofrimentos do velho Afonso, que é o resultado prático da pesquisa.


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  • This doctoral thesis is about the influence of commedia dell'arteon comedy writing. It is a bibliographical study, with a pedagogical side, and a research in Performing Arts focusing on new comic drama. It addresses the relationship between improvisation and playwriting. It presents a historical study of commedia dell'arte, its various definitions and a brief history of this art form. It is also a study in Creative Writing, that comments and compares plays by authors such as Goldoni, Scala, Suassuna, Brecht, Molière and Shakespeare, to point out similarities and recurring structures of dramatic writing. Based on these observations, it proposes a list of exercises aimed at teaching drama, focusing on humor and comedy. Finally, it presents a new comedy calledOs sofrimentos do velho Afonso, as a practical result of this research.

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  • LEONARDO AUGUSTO PAULINO
  • O que pode uma ecodrag? Processos criativos "cuier", potências de vida e poéticas ecobiográficas

     
     
     
     
     
  • Orientador : CIANE FERNANDES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CIANE FERNANDES
  • LEONARDO JOSE SEBIANE SERRANO
  • ALBA PEDREIRA VIEIRA
  • CARLOS ALBERTO FERREIRA DA SILVA
  • PAULA ALICE BAPTISTA BORGES
  • Data: 19/08/2020

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  • Essa tese busca refletir sobre o processo criativo e identitário de Leona_do Pau__. Partindo de minha prática artística procuro estabelecer articulações sobre o conceito de ecodrag como potência de vida, verificando a necessidade de discutir sobre processos de construção identitária por intermédio da arte da performance, criando desvios e tensões aos padrões e configurações rígidas de subjetividades e sexualidades na contemporaneidade. Busquei evidenciar a ampliação dos afetos como força motriz para a criação de uma ecodrag, valorizando as experiências e os encontros como trajeto para suplementar as relações entre arte e vida, movimento e escrita, corpo e ambiente. Essas implicações são estimuladas através da experimentação de práticas somático- performativas, mais especificamente, uma pesquisa somático-performativa. Durante esta investigação realizei um exercício ensaístico, uma narrativa, a qual nomeei como ecobiografia, a escritura de vida como tentativa para a potencialização dos movimentos de força contra processos de categorização e normatização dos corpos. Todas essas ações são ecoadas a partir da realização de processos criativos “cuier” (queer), apontando para possíveis zonas de desconstrução e subversão através de uma perspectiva da teoria cu. Esses movimentos são agenciados durante essa re-escrita, fragmentada dentro de um todo integrado, por meio de aforismos, a fim de dilatar a autonomia do corpo, as produções de afetos e a criação de corpos éticos/políticos/estéticos. A organização teórica da tese funciona como criação de uma comunidade envolvida por Leona_do Pau, como exercício de tradução dos movimentos deste corpo no mundo. Essa perspectiva teórica alinha-se com autores que produzem as experiências de pensamento como forma de vida, como Nietzsche, Spinoza, Foucault, Derrida e Deleuze, além de abrir espaços para a produção de autorxs que abordam o corpo como fluxo, experiência e imanência, como Judith Butler, Paul Preciado, Ciane Fernandes, Suely Rolnik, Paco Vidarte, Guacira Lopes Louro, entre outrxs.

     
     
     
     

  • Mostrar Abstract
  • This thesis aims to explore and analyse the creative process, as well as the construction of an identity as Leona_do Pau. Based on my artistic practice, I intend to establish articulations on the concept of ecodrag as a potential force for life. During the development of this research, I noticed the need to discuss identity construction processes based on the art of performance. It was also important to create deviations and tensions, far from the rigid patterns and configurations of subjectivities and sexualities in contemporary times. I seek the expansion of affections as a conducting force for the creation of an ecodrag. I also propose to give special value to experiences and encounters as a way to nurture the relationships between art and life, movement and writing, body and environment. These implications are stimulated through experimentation of somatic-performative practices, more specifically, somatic-performative research. During this research I carried out an essay writing exercise, a narrative exercise, which I named as ecobiography. A life-writing performance that attempts to potentiate the movements against categorization processes and standardization of bodies. All these actions are echoed from the realization of “cuier” (queer) creative processes. They aimed to highlightpossible areas of deconstruction and subversion through a perspective of “cu” theory. These movements are developed during a rewriting, fragmented and integrated into a whole. The use of aphorisms intends to expand the autonomy of the body, the production of affections, and the creation of ethical / political / aesthetic bodies. 

    The theoretical organization of the thesis works with the creation of a community involved by Leona_do Pau. It is an exercise of  translating the movements of this body into the world. The theoretical perspective is also in line with authors who produce thought experiences as a way of life. Authors such as Nietzsche, Spinoza, Foucault, Derrida and Deleuze. In addition I dialogue with the production of authors who approach the body as flow, experience and immanence, such as Judith Butler, Paul Preciado, Ciane Fernandes, Suely Rolnik, Paco Vidarte, Guacira Lopes Louro, among others.

     
     
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  • CÁSSIA BATISTA DOMINGOS
  • O BAILE QUE SE RECRIA:

    UM ESTUDO SOBRE O ESPETÁCULO BAILE DO MENINO DEUS –  TRADIÇÃO POPULAR E CONTEMPORANEIDADE

  • Orientador : ERICO JOSE SOUZA DE OLIVEIRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ELIENE BENICIO AMANCIO COSTA
  • ERICO JOSE SOUZA DE OLIVEIRA
  • JACYAN CASTILHO DE OLIVEIRA
  • LUIS AUGUSTO DA VEIGA PESSOA REIS
  • RAIMUNDO MATOS DE LEAO
  • Data: 25/08/2020

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  • Esta pesquisa se propõe a investigar o espetáculo teatral Baile do Menino Deus, apresentado anualmente desde 2004 na praça do Marco Zero do Recife (PE), na perspectiva das suas conexões criativas atreladas ao diálogo entre a tradição popular e a contemporaneidade. Para tanto, esta tese está estruturada em três capítulos: o primeiro capítulo discorre sobre um breve panorama de alguns dos principais movimentos culturais ocorridos no Recife durante o século XX; já o segundo capítulo é destinado às referências criativas do autor/encenador do espetáculo em questão, trazendo à luz suas memórias de uma infância sertaneja; enquanto o terceiro capítulo apresenta perspectivas do movimento criador do Baile do Menino Deus na dinâmica entre a tradição popular e a contemporaneidade. Nesse sentido, as noções de transfiguração da matéria popular, de transculturalidade, de transcriação, de movimento criador, de tradição e de contemporaneidade, estão entre as mais relevantes do arcabouço teórico deste trabalho. Assim, esta tese anseia contribuir para o desenvolvimento das pesquisas no âmbito das Artes Cênicas, sobretudo para os estudos acerca do teatro que tem como referências criativas as tradições populares.

     

     


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    Abstract

    This research aims to investigate the theatrical play “Baile do Menino Deus”, performed annually since 2004 at open plaza Marco Zero, in Recife (state of Pernambuco), within the perspective of its creative connections linked to the dialogue between popular tradition and contemporaneity. For that purpose, this thesis is structured in three chapters: the first presents a short picture of some of the main cultural movements that took place in Recife during the 20th century; the second chapter is dedicated to the author/director’s creative references for the mentioned play, bringing to light his memories of a country childhood; while the third chapter presents perspectives on the creating movement of “Baile do Menino Deus” in the dynamics between popular tradition and contemporaneity. In this regard, the notions of popular matter transfiguration, of transculturality, of transcreation, of creating movement, of tradition and contemporaneity, are among the most relevant in the theoretical scope of this work. Thus, this thesis expects to contribute to the development of researches in the Performing Arts field, especially for theater studies that have popular traditions as creative references.

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  • FERNANDA GLÓRIA FRANÇA COLAÇO
  • Em busca de uma poética da loucura: invenção de imagens e narrativas nas artes cênicas

  • Orientador : DENISE MARIA BARRETO COUTINHO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANA MARIA FERNANDES PITTA
  • DENISE MARIA BARRETO COUTINHO
  • HEBE ALVES DA SILVA
  • ISA MARIA FARIA TRIGO
  • MONICA LIMA DE JESUS
  • SONIA LUCIA RANGEL
  • Data: 04/09/2020

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  • O objeto desta investigação é o modo de fazer cênico, isto é, a invenção de imagens e narrativas sobre a loucura, no grupo teatral Os Insênicos, cujos integrantes são usuários de instituições de saúde mental. O objetivo geral é apresentar e discutir significados e sentidos que se elaboram nas produções poéticas do grupo. Como objetivos específicos, destacam-se: analisar princípios, métodos, temáticas e conteúdos desses processos criativos, em comparação com outros processos similares no país; demonstrar aspectos que permitem aos participantes instaurar poéticas e construir cenicamente imagens e narrativas para performances/encenações; compreender como a experiência artística – pelo fazer brincante – faz emergir questões ligadas à vivência desses e dessas artistas, suas histórias, impulsionando e orientando suas criações. A crítica genética e os estudos sobre criação, jogos e brincadeiras são as bases teóricas utilizadas. A tese se organiza metodologicamente ao modo de uma cartografia e reúne quatro capítulos tendo como eixo condutor o objeto acima descrito. No primeiro capítulo, a busca por uma poética da loucura apresenta uma revisão de trabalhos encontrados no Banco de Teses da CAPES visando a uma reflexão sobre aspectos que cruzam e sustentam a interface artes cênicas e saúde mental. No segundo capítulo, a experiência criativa de Os Insênicos é aproximada da experiência de outros três grupos brasileiros, compostos por sujeitos usuários/as de serviços de saúde mental. Pela lente da crítica genética, propõe-se leitura sobre os modos de fazer recorrentes nos grupos. O terceiro capítulo aborda o lugar da criação artística para duas atrizes e um ator de Os Insênicos em suas experimentações teatrais há quase dez anos. Compreende-se a função lúdica, ao entender que a ideia do brincar, jogar, improvisar são um espaço potencial, ao mesmo tempo compartilhado e singular. O quarto capítulo analisa, por meio da poética do espetáculo “Quem está aí?”, a ideia de imagem e narrativa, buscando demonstrar como algumas invenções se materializam num processo criativo. Reitera-se o valor da produção da cena para aqueles e aquelas cujo interesse é o trabalho com o viver imaginativo e criador. E, com base na percepção criativa, verifica-se que outros modos de viver são possíveis, tendo a arte, o trabalho coletivo e a reinvenção de si e do mundo como o sal da vida.


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  • The object of this investigation is the scenic way of doing things, that is, the invention of images and narratives about madness, in the theater company Os Insênicos, whose members are users of mental health institutions. The general objective is to present and discuss meanings and senses that are elaborated in the poetic productions of the group. As specific objectives, we highlight: to analyze principles, methods, themes and contents of these creative processes, in comparison with other similar processes in the country; to demonstrate aspects that allow participants to establish poetics and build images and narratives for performances / staging; to understand how the artistic experience - through playing - brings issues related to the experience of these artists, their stories, impelling and guiding their creations. Genetic criticism and studies on creation, games and play are the theoretical bases used. The thesis is methodologically organized in the form of a cartography and brings together four chapters, with the object described above as the guiding axis. In the first chapter, the search for a poetics of madness presents a review of works found in the CAPES Thesis Bank aiming at reflecting on aspects that intersect and support the interface between scenic arts and mental health. In the second chapter, the creative experience of Os Insênicos is compared to the experience of three other Brazilian groups, composed of subjects who use mental health services. Through the lens of genetic criticism, it is proposed to read about the ways of doing recurring in groups. The third chapter discusses the place of artistic creation for two actresses and an actor from Os Insênicos in their theatrical experiments for almost ten years. The ludic function is understood, by understanding that the idea of playing, performing, improvising is a potential space, at the same time shared and singular. The fourth chapter analyzes, through the poetics of the show “Who's there?”, the idea of image and narrative, seeking to demonstrate how some inventions materialize in a creative process. The value of the production of the scene is reiterated for those who are interested in working with imaginative and creative living. And, based on creative perception, it appears that other ways of living are possible, with art, collective work and the reinvention of oneself and the world as the salt of life.

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  • RAFAEL ALMEIDA PEREIRA DO RÊGO
  • SERTÃO DE PEDRA E FOGO:

    A poética seca na construção da dramaturgia de João Denys

  • Orientador : RAIMUNDO MATOS DE LEAO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CASSIA DOLORES COSTA LOPES
  • CATARINA SANTANNA
  • CELSO DE ARAUJO OLIVEIRA JUNIOR
  • ELTON BRUNO SOARES DE SIQUEIRA
  • RAIMUNDO MATOS DE LEAO
  • Data: 06/11/2020

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  • O presente trabalho tem por objetivo a análise de dois textos dramáticos do potiguar João Denys Araújo Leite pertencentes à “Trilogia do Seridó”, A Pedra do Navio (1979) e Deus Danado (1993). Observa-se como, mesmo referenciando-se em obras ligadas à “estética da seca”, amplamente desenvolvida a partir do Manifesto Regionalista de Gilberto Freyre, em 1926, os referidos textos dramáticos não obedecem estritamente aos projetos estético-políticos contidos em obras antecessoras que versam sobre o mesmo tema. Imbuído de uma memória e de um imaginário sertanejo João Denys cria os seus “dramas secos” repletos de significações e imagens ligadas ao seu lugar de origem. Analisa-se como o dramaturgo constrói sua obra dramatúrgica por meio de procedimentos de intertextualidade e defende-se a tese de que o mesmo cria uma “poética seca” com suas peças, uma poética particular que deseja ultrapassar a significação restrita de uma região do território brasileiro e de seu homem. Interpreta-se ainda as imagens suscitada dos “dramas secos” ligadas aos elementos pedra e fogo com sustentação nos escritos do filósofo francês Gaston Bachelard, como possibilidades de desvelamento do imaginário do dramaturgo.


  • Mostrar Abstract
  • This study aims to analyze two dramatic texts by João Denys Araújo Leite. This pieces are part of the “Seridó Trilogy”: A Pedra do Navio (1979) and Deus Danado (1993). It is observed that the author uses references related to the “aesthetics of drought”, a concept widely developed after the Regionalist Manifesto of Gilberto Freyre, in 1926. However, the referred dramatic texts do not strictly follow the aesthetic-political projects contained in previous works that deal with the same topic. Imbued with a memory and imaginary of the “sertanejo”, João Denys creates his “dry dramas” full of meanings and images linked to the place he was born. This study also analyzes how this playwright builds his dramaturgical work through intertextuality procedures. The thesis argues that João Denys Araújo Leite creates a “dry poetics” with his plays. A particular poetics that wishes to overcome the restricted meaning and imaginery of a Brazilian region and its people. It also develops and interprets the images raised from the “dry dramas” linked to two important elements: Stone and Fire. This analysis is made based on the writings of the French philosopher Gaston Bachelard, as a possibility of unveiling the playwright's imaginary.

    : dramaturgy, imaginary, sertão, poetics, intertextuality.

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  • FRANCISCO ANDRÉ SOUSA LIMA
  • TRÊS CURRÍCULOS-DISPOSITIVOS, UMA ENCRUZILHADA: A EDUCAÇÃO PROFISSIONAL EM TEATRO

  • Orientador : LUIZ CLAUDIO CAJAIBA SOARES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ALEXANDRE JOSE MOLINA
  • DENISE MARIA BARRETO COUTINHO
  • FABIO DAL GALLO
  • JOSE SIMÕES DE ALMEIDA JUNIOR
  • LUIZ CLAUDIO CAJAIBA SOARES
  • Data: 09/11/2020

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  • Neste trabalho delineio um estudo da organização da aprendizagem no âmbito da educação profissional em teatro visando interpretar, sob um viés epistemológico, as características de seus itinerários formativos. O foco se centra na observação e análise de currículos-dispositivos destinados à formação em interpretação teatral. Por meio da metodologia de estudo de casos múltiplos, analiso as estratégias curriculares e bases conceituais que norteiam práticas localizadas em Salvador-BA e São Paulo-SP. São elas: o curso de formação de atores (Técnico em Teatro – Eixo Tecnológico: Produção Artística, Cultural e Design) da Escola de Arte Dramática vinculada à Escola de Comunicação em Artes da Universidade de São Paulo (EAD ECA USP); o Programa Universidade Livre do Teatro Vila Velha (BA) e o sistema pedagógico em que se insere o curso de atuação da SP Escola de Teatro (SP). A escolha dos casos se orientou pelas configurações institucionais ora existentes no setor (escolas técnicas formais, escolas livres e programas de qualificação profissional não formais) e buscou envolver no escopo de análise o pioneirismo das escolas de teatro modernas e o experimentalismo de iniciativas mais recentes, desenvolvidas a partir de 2010. Busco responder as seguintes questões: Como as instituições observadas no estudo de casos vêm formulando suas estratégias pedagógicas? Que paradigmas epistemológicos orientam seus percursos de ensinoaprendizagem? Que estratégias são ali utilizadas como meio de apropriação dos saberes-fazeres teatrais e o que elas nos indicam sobre o currículo na formação de artistas cênicos? Para respondê-las, além dos dados obtidos em campo, me ancoro nas teorias sobre currículo desenvolvidas por Ivo Goodson, Guimeno Sacristan e Roberto Sidnei Macedo; na teoria da complexidade desenvolvida por Edgar Morin; no conceito de dispositivo proposto por Guilles Deleuze e Feliz Guattari; e no saber de experiência proposto por Jorge Larrosa. De igual modo, para definir educação profissional em teatro, recorro aos marcos legais (decreto federal 5.154/04, as leis federais 6.533/78 e 9.394/96), aos estudos sociológicos de Pierre-Michel Menger e à estética da formatividade de Luigi Pareyson. Por meio desse arcabouço teórico, destrincho aproximações que percebo entre currículo, mundo do trabalho e pedagogia teatral com vistas a identificar as especificidades da formação de artistas cênicos. Na primeira seção do trabalho, realizo delimitações conceituais e apresento um breve panorama das escolas e programas de educação profissional em teatro no Brasil. Da segunda a quarta seção, apresento os resultados da pesquisa de campo que reúnem a análise das propostas pedagógicas, documentos e atos de currículo nas três experiências eleitas para estudo. Na quinta e última seção, destrincho as recorrências encontradas nas experiências, apresento e fundamento os elementos que julgo caracterizar a organização da aprendizagem na formação em interpretação teatral. Como síntese do estudo, defendo a tese de que na educação profissional em teatro os currículos acompanham as propriedades do conhecimento artístico. São, por isso, incompletos, flexíveis, dinâmicos e apostam na autonomia, liberdade e protagonismo das/dos agentes de ensino-aprendizagem. Traduzido esse pensamento por meio da expressão currículo aberto


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  • In this work, I outline a study on learning organization within the scope of professional education in theater in order to interpret, under an epistemological bias, the characteristics of their formative itineraries. The focus here is on the observation and analysis of curriculumdevices intended for training in theatrical interpretation. Through the methodology of case studies, I analyze the curricular strategies and conceptual bases that guide practices located in Salvador-BA and São Paulo-SP. They are: the Actors Training course (Técnico em Teatro – Eixo Tecnológico: Produção Artística, Cultural e Design) from Escola de Arte Dramática of the Universidade de São Paulo (EAD ECA USP); the Programa Universidade Livre of Teatro Vila Velha (BA) and the pedagogical system in which the acting course of the SP Escola de Teatro (SP) is inserted. The choice of cases was guided by the institutional configurations now existing in the sector (formal technical schools, free schools and non-formal professional qualification programs) and sought to involve in the scope of analysis the pioneering spirit of modern theater schools and the experimentalism of more recent initiatives, developed in the 2010s. I try to answer the following questions: How have the institutions observed in the case studies been formulating their pedagogical strategies? What epistemological paradigms guide their teaching-learning pathways? What strategies are used there as a means of appropriating theatrical know-how and what do they tell us about the curriculum in the training of these artists? In order to answer them, in addition to the data obtained in the field, I am anchored in the theories on curriculum developed by Ivo Goodson, Guimeno Sacristan and Roberto Sidnei Macedo; the complexity theory developed by Edgar Morin; in the concept of device proposed by Guilles Deleuze and Feliz Guattari; and the knowledge of experience proposed by Jorge Larrosa. Likewise, to define professional education in theater, I use legal frameworks (federal decree 5.154/04, federal laws 6.533/78 and 9.394/96), sociological studies by Pierre-Michel Menger and the aesthetics of formativity by Luigi Pareyson . Through this theoretical framework, I unravel the approximations that I perceive between curriculum, world of work and theatrical pedagogy in order to identify the specificities of the formation of theater artists. In the first session of the work, I make the conceptual delimitations and present a brief overview of schools and professional education programs in theater in Brazil. From the second to the fourth sessions, I present the results of the field research, they gather the analysis of the pedagogical proposals, documents and curriculum acts in the three experiences chosen for study. In the fifth and last session, I unravel as recurrences found in the experiences; present and justify the elements that I believe to characterize the organization of learning in formation in theater interpretation. Synthesizing the study, I defend the thesis that in professional education in theater the curricula follow the properties of artistic knowledge. They are, therefore, incomplete, flexible, dynamic and bet on the autonomy, freedom and protagonism of the teaching-learning agents. This thought is translated through the expression open curriculum.

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  • BEATRIZ ADEODATO ALVES DE SOUZA
  • Dança como forma material de pensamento: tessituras entre fazer e saber

  • Orientador : IVANI LUCIA OLIVEIRA DE SANTANA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CIANE FERNANDES
  • IVANI LUCIA OLIVEIRA DE SANTANA
  • JACYAN CASTILHO DE OLIVEIRA
  • MARILIA VELARDI
  • NARA FIGUEIREDO
  • Data: 17/11/2020

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  • A pesquisa tem como principal interesse apreciar, de maneira aprofundada, o “fazer”, o aspecto da prática nos processos de experimentação em dança. Com esse delineamento, se vincula aos conceitos de Experiência e de Arte como experiência, procurando criar elos entre estudos da percepção, metodologias de pesquisa em artes e princípios da Educação Somática. Assumindo a cognição enquanto um exercício de acoplamento com o ambiente, em que o sujeito procura fazer sentido do vivido, irá tecer a argumentação de que a dança, a partir das interações que promove entre artistas e seus recursos de criação, lida com uma forma de pensamento de natureza material.


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  • The present research has, as one of its main focus, the interest to look deeply and comprehend the “making” aspect of dance experimenting processes. It is largely informed by the concept of Art as Experience and aims to create a dialogue between the perspectives from perception studies, research methodologies in the arts and Somatic Education. Assuming cognition as an exercise of engaging with the environment, this study will propose that, by all the interactions as well as kinesthetic encounters that it promotes between artists and their resources, dancing deals with a means of material thinking

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  • ANTONIO RICARDO FAGUNDES DE OLIVEIRA
  • Projeto Aroeira: uma experiência teatral no Oeste Baiano.

  • Orientador : MERAN MUNIZ DA COSTA VARGENS
  • MEMBROS DA BANCA :
  • MERAN MUNIZ DA COSTA VARGENS
  • CIANE FERNANDES
  • LITZA ANDRADE CUNHA
  • PAULA ALICE BAPTISTA BORGES
  • SERGIO COELHO BORGES FARIAS
  • Data: 09/12/2020

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  • A pesquisa apresenta o Projeto Aroeira e sua metodologia de ensino. Um Projeto de
    Extensão que integra o Programa de Formação Teatral da Universidade Federal do
    Oeste da Bahia, os quais o autor coordena. O recorte do Projeto é feito entre os anos de
    2016 a 2019. Nesse período, aulas de Teatro aconteceram para mulheres trabalhadoras
    rurais na comunidade de Coragina no Oeste Baiano. Trata-se de uma experiência
    inédita: mulheres que nunca tinham feito, nem visto Teatro e um professor que nunca
    havia experimentado o Teatro com o perfil das aroeiras. Nasce, assim, o primeiro grupo
    teatral formado por trabalhadoras rurais no Oeste Baiano. É apresentada, nesta pesquisa,
    uma metodologia de ensino calcada na horizontalidade das relações, troca de saberes,
    confiança, afeto, intuição e autonomia das participantes, em que a memória foi impulso
    para criação artística, levando-se em conta o individual, coletivo e social das pessoas
    envolvidas e da comunidade rural. Transforma-se, aqui, os agenciamentos da própria
    existência. A arte e a vida se confundindo em cena. No Projeto Aroeira, nos orientamos
    em representar sem reapresentar a vida já vivida. Transformamos tudo que foi em
    atmosfera de reflexão, encanto, alegria e gozo estético.


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  • The research presents the Aroeira Project and its teaching methodology. An Extension
    Project that integrates the Theater Training Program of the Federal University of
    Western Bahia, which the author coordinates. The stretch of the Project is done from
    2016 to 2019. During this period, theater classes took place for rural working women in
    the community of Coragina in western Bahia. It is about an unprecedented experience:
    women who had never done or seen Theater and a teacher who had never experienced
    Theater with the profile of Aroeira women. Thus, the first theatrical group formed by
    rural workers in the West of Bahia is born. In this research, a methodology based on the
    horizontality of relationships, knowledge exchange, trust, affection, intuition and
    autonomy of the participants is presented, in which memory was an impulse for artistic
    creation, taking into account the individual, collective and social of people involved and
    the rural community. Here, the assemblages of existence itself are transformed. Art and
    life blending on the scene. In the Aroeira Project, we orient ourselves in representing
    without re-presenting the life we have already lived. We transformed everything that
    was into an atmosphere of reflection, charm, joy and aesthetic enjoyment.

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  • GIRLANE CRISTINA SIQUEIRA DA SILVA
  • Mulheres s(em) faces: cena, sonhos e sinus sonoros no processo do espetáculo "Cangaceiras"

  • Orientador : ERICO JOSE SOUZA DE OLIVEIRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ERICO JOSE SOUZA DE OLIVEIRA
  • CIANE FERNANDES
  • CRISTIANE MARIA GALDINO DE ALMEIDA
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • MARIA DAS VITÓRIAS NEGREIROS DO AMARAL
  • Data: 14/12/2020

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  • Esta pesquisa discorre sobre o processo do espetáculo “Cangaceiras”. Processo enquanto rede de reflexões, observações, inspirações e ações que delinearam o fazer artístico. Nesta perspectiva, o intuito é de não analisar a encenação enquanto produto cênico final, mas de refletir sobre perspectivas, procedimentos, conceitos e impressões que delinearam a prática artística e consequentemente a forma da investigação e da sua escrita. Para tanto, acolheu-se a Prática como Pesquisa e a Escrita de si, formas potencializadoras e orgânicas para se falar de arquétipos, mitos, pensamentos, sensações, sentimentos e intuições em um trabalho no qual tem como essência as experiências oníricas da personagem Quitéria. Em seus percursos, ela se depara com um novo modo de investigação no qual o próprio processo lhe dá as pistas da sua dinâmica, permeada por insights, descobertas, sincronicidades e aproximação das teorias (das quais o primeiro encontro se deu a partir das ideias de Carl Gustav Jung, que desencadeou as demais), e claro, com as dificuldades diante de novas concepções para com uma forma diferente de se pesquisar. Neste sentido, esta tese não é apenas um processo de escrita acadêmica que se desenvolve a partir de teorias e autores, como que servindo de aparato introdutório para o produto cênico, que desatam em reflexões pessoais; tampouco “parte” de um processo artístico. Desenvolvida numa via contrária, na qual cena / reflexão do processo / reflexão conceitual / escrita agem simultaneamente, a pesquisa tem sua própria metodologia, partindo de perspectivas que interagem entre si: autobiográfica, acadêmica e poética, analítica e criativa (FERNANDES, 2013). Não há hierarquização, “partes”, linearidade ou a evolução tradicional de capítulos mas conexões que dialogam entre si e de acordo com o processo em geral, de forma circular, que se entrelaçam com as vivências da personagem e com os conceitos. Com o intento de produzir imagens de sonhos, que são tecidas entre o real e irreal, abrindo-se uma fresta entre dois mundos, busca-se sonorizações constantes em cena com cadeias simbólicas e sígnicas a partir do trabalho com Gestos Sonoros, dando um aspecto ilusório, próprio dos sonhos. A partir das biografias e do atravessamento de imagens (em seus diversos sentidos) das cangaceiras, surge uma cena que reflete sobre corpo, somática e as condições de ser mulher numa sociedade não tão menos machista, misógina e feminicida quanto à da primeira república, período em que as cangaceiras quebraram regras, ousaram e/ou mostraram-se resilientes às circunstâncias opressoras. Com o fiar de histórias arquetípicas, míticas, entre personas e personagens, no estado liminar entre elas, os relatos tecem e tercem estados femininos sob um olhar de um feminino plural, as Mulheres sem Faces.


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  • This research discusses the process of the show “Cangaceiras”. Process as a network of reflections, observations, inspirations and actions that outlined artistic making. In this perspective, the intention is not to analyze the staging as a final scenic product but to reflect on perspectives, procedures, concepts and impressions that outlined the artistic practice and consequently the form of the investigation and its writing. To this end, Practice as Research and Writing was embraced, empowering and organic ways to talk about archetypes, myths, thoughts, sensations, feelings and intuitions in a work in which the essence of the dreamlike character of Quitéria is based. In her paths, she is faced with a new mode of investigation in which the process itself gives her clues to its dynamics, permeated by insights, discoveries, synchronicities and approximation of theories (of which the first encounter was based on Carl Gustav Jung, who triggered the others), and of course, with the difficulties in the face of new conceptions for a different way of researching. In this sense, this thesis is not just a process of academic writing that develops from theories and authors, as if serving as an introductory apparatus for the scenic product, which unleashes in personal reflections; nor "part" of an artistic process. Developed in an opposite way, in which the scene / reflection of the process / conceptual reflection / writing act simultaneously, the research has its own methodology, starting from perspectives that interact with each other: autobiographical, academic and poetic, analytical and creative (FERNANDES, 2013). There is no hierarchy, “parts”, linearity or the traditional evolution of chapters, but connections that dialogue with each other and according to the process in general, in a circular way, that are intertwined with the character's experiences and concepts. With the intention of producing images of dreams, which are woven between the real and the unreal, opening a gap between two worlds, constant sonorization is sought on the scene, with symbolic and signic chains from the work with Sound Gestures, giving a illusory aspect, typical of dreams. From the biographies and the crossing of images (in their various senses) of the cangaceiras, a scene emerges that reflects on the body, somatic and the conditions of being a woman in a society that is not so less macho, misogynist and feminicidal than that of the first republic, period where cangaceiras broke rules, dared and / or were resilient to oppressive circumstances. With the spinning of archetypal, mythical stories, between personas and characters, in the liminal state between them, the reports weave and tertiary feminine states under a look of a plural feminine, Women without Faces.

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  • DIEGO PIZARRO
  • ANATOMIA CORPOÉTICA EM (DE)COMPOSIÇÕES: TRÊS CORPUS DE PRÁXIS SOMÁTICA EM DANÇA

  • Orientador : MARIA ALBERTINA SILVA GREBLER
  • MEMBROS DA BANCA :
  • MARIA ALBERTINA SILVA GREBLER
  • CIANE FERNANDES
  • MARIA VIRGINIA GORDILHO MARTINS
  • JÚLIA ZIVIANI VITIELLO
  • LAURA MARIA BRITO SALES DE CAMPOS
  • MARILA ANNIBELLI VELLOZO
  • MÁRCIA MARIA STRAZZACAPPA HERNANDEZ
  • Data: 15/12/2020

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  • Esta pesquisa promove um inventário de parâmetros para a criação em
    dança que estimulam redes somáticas processuais e emancipatórias em movimento
    de crescimento. O tema fundamental tratado é a integração de dois sistemas
    somáticos complexos e abertos – Body-Mind CenteringTM (BMC) e Cadeias Musculares
    e Articulares GDS – em suas formas de mover anatomias corporalizadas para
    transformar a poética de processos de composição em dança. Para tanto, são
    identificados, descritos, tensionados, performados e somatizados três corpus de práxis
    somática em dança como um caminho poético para a organização e corporalização da
    tese e dos processos artísticos movidos pelo autor: CorpoEstuário, CorpOásis e
    CorPoÉtico. Cada corpus relaciona-se, numa paráfrase alegórica, com ambientes
    específicos da natureza e com três folhetos embrionários ontogenéticos: endoderme
    (corpo da frente), ectoderme (corpo de trás) e mesoderme (corpo do meio). Partindo
    de narrativas em primeira pessoa e da abordagem somático-performativa, são
    apresentadas, discutidas, dançadas e desenhadas cinco obras coreográficas que
    atravessaram a tese ao longo de seu desenvolvimento. Evidencia-se uma virada
    epistemológica contemporânea pela definição da Somática como campo
    epistemológico contemporâneo ocidental transdisciplinar de ecologia profunda na
    primeira pessoa do plural. A busca pela promoção de uma cultura somática em
    processos de composição em dança solicita uma visão ampliada do campo da
    Somática como um modo de estar no mundo, para além de visões limitantes e
    disciplinares promovidas no século XX, por vezes de forma reducionista,
    especialmente quando nomeada como Educação Somática. Por meio das
    experiências artísticas movidas pela anatomia corporalizada da Somática, foram
    identificados três eixos temáticos discutidos ao longo dos três folhetos da tese: 1 – a
    Somática como campo epistemológico; 2 – a Dança como estado de presença/a
    mente das células; 3 – a Somática como modo de criação composicional
    embrionária/fluida em dança. Respectivamente, tais temas relacionam-se com os
    procedimentos artísticos processuais identificados como: a autorregulação
    organísmica, por meio dos fluidos corporais e dos padrões celulares, movendo
    multiplicidades; a organização da postura e do gesto funcional na construção da
    verticalidade, encontrando abertura; a exploração criativa de movimentos no caminho
    da performatividade. No emaranhado de espirais poéticas suscitadas pela pesquisa,
    desenha-se uma prática de criação em dança movida pela Somática e que pode ser
    denominada de Anatomia CorPoÉtica, isto é, a arte de sensibilizar a existência
    multidimensional e multirreferencial para a criação de mundos (im)possíveis.


  • Mostrar Abstract
  • This research promotes an inventory of parameters for dance creation that
    stimulate procedural and emancipatory somatic networks towards a movement of
    growth. The fundamental theme addressed herein is the integration of two complex and
    open somatic systems – Body-Mind CenteringTM (BMC) and Articulation and Muscle
    Chains GDS –. Both systems encompass embodied anatomy principles that hold the

    power to transform the poetics of dance composition processes into new scopes of
    possibilities. Therefore, three bodies (corpus) of somatic praxis in dance are identified,
    described, tensioned, performed and somaticized as a poetic path for the organization
    and embodiment of the thesis as well as the artistic processes moved by the author:
    CorpoEstuário (EstuarineBody), CorpOásis (OasisBody) and CorPoÉtico
    (CorPoEt(h)ics). Each corpus is related, in an allegorical paraphrase, to specific natural
    environments as well to three ontogenetic embryonic layers: endoderm (front body),

    ectoderm (back body) and mesoderm (middle body). Assuming the stance of first-
    person narratives and the somatic-performative approach, it is presented, discussed,

    danced and drawn the main aspects of five dance pieces created in the period when
    the research was carried out (2016-2020). In this context, the field of Somatics is
    evidenced as a contemporary epistemological turn and supports a definition of it as a
    contemporary transdisciplinary Western epistemological field of deep ecology in the
    first person plural. The search for the promotion of a somatic culture in dance
    composition processes calls for an expanded view of the field of Somatics as a way of
    being in the world. Within a movement that goes beyond the limiting disciplinary views
    promoted in the twentieth century, often in a reductionist way, specially by labeling it for
    instance as Somatic Education. Through artistic experiences driven by the embodied
    anatomy of Somatics, three thematic axes are discussed throughout the three layers of
    the thesis as identified: 1 – Somatics as an epistemological field; 2 – Dance as a state
    of presence/the mind of the cells; 3 – Somatics as a mode of embryonic/fluid
    compositional creation in dance. Respectively, these themes are related to the
    procedures within processes identified as: organismic self-regulation, through body
    fluids and cellular patterns, moving multiplicities; the organization of posture and
    functional gesture in the construction of verticality, finding openness; the creative
    exploration of movements in the pathways of performativity. Within this tangled spiraled
    poetics carried out by this research, it is developed a practice of dance composition
    that are moved by Somatics, which in turn can be called CorPoEt(h)ics Anatomy,
    meaning the art of sensitizing a multidimensional and multi-referential existence to the
    creation of (im)possible worlds.

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  • JONES OLIVEIRA MOTA
  • Teatro de Revista Contemporâneo: história, ensino e reexistência.

  • Orientador : ELIENE BENICIO AMANCIO COSTA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ELIENE BENICIO AMANCIO COSTA
  • FABIO DAL GALLO
  • MARIANA DE LIMA E MUNIZ
  • MARLÚCIA MENDES DA ROCHA
  • NEYDE DE CASTRO VENEZIANO MONTEIRO
  • Data: 18/12/2020

  • Mostrar Resumo
  • O Teatro de Revista brasileiro é um gênero do teatro popular que tem por natureza a revisão dos fatos, dos acontecimentos que marcam a opinião pública. Suas principais características são atualidade, comicidade, criticidade, ligeireza, musicalidade, popularidade e sensorialidade.
    Esse tipo de teatro surgiu no Brasil colônia em meados do século XIX a partir das influências Europeia. Começou como Revista de Ano (em que os espetáculos apresentavam retrospectivas dos anos que se findavam) e se manteve após mais de cem anos lotando os edifícios teatrais, principalmente no Rio de Janeiro e em São Paulo. Suas convenções se transformaram ao longo da história – até a Revista se tornar tipicamente brasileira; e seu enfraquecimento se deu por conta da forte censura instaurada com o golpe de 64, com a ascensão das novas tecnologias midiáticas (cinema falado, televisão etc.), com a mudança do interesse do público e outras questões sociais, econômicas e culturais. Só não se pode negar (mais!) a importância do Teatro de Revista para a história do teatro no país. Até hoje suas convenções são largamente utilizadas em produções audiovisuais, principalmente nas televisivas, no teatro e nos shows de transformismo. Para os historiadores do gênero, a Revista morreu, mas será mesmo que um gênero tão resiliente morreria assim? Não houve morte do Teatro de Revista. Houve um silenciamento. É certo que aquele teatro de outrora não voltará mais, e nem a contemporaneidade o aceitaria como era; mas há quem faça Revistas hoje, diferentes do passado, porém com a mesma natureza, o que permite afirmar: sim, há um Teatro de Revista Contemporâneo. Essa tese faz uma revisão da história do gênero, denunciando as tentativas de “revisticídio” e anunciando as suas formas de reexistência, discute seus principais paradigmas na contemporaneidade e traz exemplos de práticas de montagem cênica em processos artístico-pedagógicos nos ensinos formal e não formal de arte/teatro desenvolvidas em Salvador e Ilhéus - BA.


  • Mostrar Abstract
  • The Teatro de Revista Brasileira is a genre of popular theater whose nature is to review the facts, the events that mark public opinion. Its main characteristics are timeliness, comicality, criticality, lightness, musicality, popularity and sensoriality.
    This type of theater emerged in colonial Brazil in the mid-19th century from European influences. It started as Revista de Ano (in which the shows presented retrospectives of the years that ended) and remained after more than one hundred years filling the theater buildings, mainly in Rio de Janeiro and São Paulo. Its conventions have been transformed throughout history - until the Magazine became typically Brazilian; and its weakening was due to the strong censorship established with the coup of 64, with the rise of new media technologies (spoken cinema, television, etc.), with the change of public interest and other social, economic and cultural issues. It just cannot be denied (more!) The importance of Teatro de Revista for the history of theater in the country. Even today, its conventions are widely used in audiovisual productions, mainly in television, theater and transformism shows. For historians of the genre, the magazine died, but is it really that such a resilient genre would die like that? There was no death at the Revista Theater. There was a silence. It is certain that that theater of yore will never return, and even contemporary times would not accept it as it was; but there are those who make magazines today, different from the past, but with the same nature, which allows us to affirm: yes, there is a Contemporary Magazine Theater. This thesis makes a review of the history of the genre, denouncing the attempts of “revisticide” and announcing its forms of reexistence, discusses its main paradigms in contemporary times and brings examples of scenic montage practices in artistic-pedagogical processes in formal and non-formal teaching of art / theater developed in Salvador and Ilhéus - BA.

2019
Dissertações
1
  • ÉRICA CARNEIRO DA ROCHA LOPES
  • O Lugar em Mim: desdobramentos da relação sujeitos x lugares no contexto de um processo pedagógico-criativo em artes cênicas. 

  • Orientador : CELIDA SALUME MENDONCA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CELIDA SALUME MENDONCA
  • MARCELO SOUSA BRITO
  • LILIANE FERREIRA MUNDIM
  • Data: 26/04/2019

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  • A partir da compreensão de que os espaços de afeto e pertencimento, os lugares, são constitutivos para todos nós, tanto física quanto subjetivamente, este trabalho explora a interação sujeitos x lugares no contexto de um processo pedagógico criativo em artes cênicas. Utilizando os elementos alquímicos (terra, ar, água e fogo) como recurso poético-metafórico, esta escrita expõe referenciais teóricos que embasaram a pesquisa para, em seguida, descrever a prática realizada no âmbito de uma oficina no bairro de Paripe, em Salvador/BA, com moradores locais, tendo a materialidade do espaço circundante como principal estimulo para a criação, e discutir as possíveis alterações na relação dos sujeitos com o local decorrentes dessa experiência. Por fim, reflete acerca das implicações do processo sobre a própria pesquisadora.


  • Mostrar Abstract
  • Starting from the understanding that the spaces of affection and belonging, the
    places, are constitutive for all of us, both physically and subjectively, this paper
    explores the interaction subjects x places in the context of a pedagogical-creative
    process in the performing arts. Using the alchemical elements as a poetic-metaphoric
    resource, this writing exposes theoretical references that based the research, then
    describe the practice realized in the Paripe neighborhood, in Salvador / BA, with local
    residents, having the materiality of the space around as the main incitement for
    creation and discuss the possible changes in the relationship between the subjects
    and the place resulting from this experience. Finally, it reflects about the implications
    of the process on the researcher herself.

2
  • DENISE FIRMO RODRIGUES MARINHO
  • A mulher no espelho: um estudo do feminino enquanto signo inserido no imaginário da cultura.

  • Orientador : IVANI LUCIA OLIVEIRA DE SANTANA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANA VALECIA ARAUJO RIBEIRO BRISSOT
  • IVANI LUCIA OLIVEIRA DE SANTANA
  • LEONARDO JOSE SEBIANE SERRANO
  • LIA DA ROCHA LORDELO
  • Data: 21/05/2019

  • Mostrar Resumo
  • Este trabalho tem como objetivo principal a investigação de processos artísticos que dialogam sobre a imagem do feminino enquanto signo inserido na cultura, contrapondo a ideia hegemônica da representação das mulheres nos planos sóciohistórico e cultural. Entendemos que ao longo da construção da narrativa histórica da humanidade, os sujeitos do gênero masculino, os homens, dominadores dessa configuração, forjaram para os sujeitos do gênero feminino, as mulheres, uma identidade voltada para o serviço da existência masculina. Desta forma, delimitaram os locais de existência nos planos sóciohistórico e cultural para os indivíduos que compartilham do ambiente cultural de acordo com as identidades de gênero operadas segundo a narrativa dos corpos e consequentemente da representação dos mesmos. Porém, em contraponto a essa representação, mulheres artistas, produtoras de imaginários, também disputaram o significado da existência sóciohistórica e cultural do feminino, a partir de criações para a impressão da imagem do feminino enquanto signo da cultura. Desse modo, discorremos em cinco capítulos, através de conceitos teóricos, relatos históricos e exposições de obras artísticas, sobre a representação do feminino pela cultura patriarcal e sobre as contra representações forjadas por artistas produtoras de significado. Para isso, nos embasamos em conceitos como Intermidialidade e Intersemiótica, para dar conta das quebras de fronteiras dos discursos e das traduções de mapas sígnicos. Assim, são utilizadas obras teóricas e artísticas que tratam sobre a história das mulheres e da semiótica, ciência que estuda todas as linguagens possíveis, como aparato fundamental de sustentação da defesa de nosso ponto de vista para o objeto pesquisado: a imagem do feminino enquanto signo inserido no imaginário da cultura.


  • Mostrar Abstract
  • This work has as main objective the investigation of artistic processes that dialogue about the image of the feminine as a sign inserted in the culture, censuring the hegemonic idea of the representation of the women in the sociohistorical and cultural background. We understand that throughout the construction of the historical narrative of mankind, male subjects, men, dominators of this configuration, forged for the subjects of the feminine gender, women, an identity focused on the service of masculine existence. In this way, they delimited the places of existence in the sociohistorical and cultural planes for the individuals who share the cultural environment according to the gender identities operated according to the narrative of the bodies and consequently of the representation of the same. However, in counterpoint to this representation, women artists, producers of imaginaries, also disputed the meaning of the sociohistorical and cultural existence of the feminine, from creations to the impression of the image of the feminine as a sign of culture. Thus, we discuss in five chapters, through theoretical concepts, historical accounts and exhibitions of artistic works, about the representation of the feminine by the patriarchal culture and about an erasure of representations forged by artists that produce meanings. In this way, we based the article on concepts such as Intermediality and Intersemiotic, to account for the border breaks of speeches and the translation of sign maps.For this, we use theoretical and artistic works that deal with the history of women and semiotics, a science that studies all possible languages, as a fundamental support apparatus for the defense of our point of view for the object researched: the image of the feminine as a sign inserted in the imaginary of culture.   

3
  • RODRIGO TOMAZ DA SILVA
  • JOGOS DE IMPROVISAÇÃO NA FORMAÇÃO DO ARTISTA-PROFESSOR-PESQUISADOR

  • Orientador : LUIZ CLAUDIO CAJAIBA SOARES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • FABIO DAL GALLO
  • LUIZ CLAUDIO CAJAIBA SOARES
  • THARYN STAZAK DE FREITAS
  • Data: 28/05/2019

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  • Esta dissertação descreve como valores criativos e pedagógicos contribuem para a formação do artista-professor-pesquisador através de experiências com jogos de improvisação teatral em sala de ensaio. O processo de investigação foi desenvolvido através de coleta de dados, experimentação de jogos em oficina e análise da prática. Para tanto, a fundamentação teórica teve como principais embasamentos os estudos de Johan Huizinga e Roger Caillois, no que diz respeito aos conceitos de jogo em contextos sociais, e Jean-Pierre Ryngaert, Viola Spolin, Ingrid Koudela e Marina Elias, nas suas amplas contribuições para a área do ensino do teatro e criação de cena por meio de jogos de improvisação. Os resultados são apresentados através de avaliações qualitativas, concluindo que os jogos estudados se caracterizam pelos aspectos da criação artística, do caráter de ensino-aprendizagem sem fronteiras entre quem ensina e quem aprende e pela característica de produção de conhecimento fundamentada na articulação entre os pressupostos teóricos e a experimentação prática.


  • Mostrar Abstract
  • This dissertation describes how creative and pedagogical values contribute to the formation of the artist-teacher-researcher through experiments with theatrical improvisation games in the rehearsal room. The research process was developed through data collection, experimentation of games in workshops and analysis of practice. Thus, the theoretical basis was thaught on the studies of Johan Huizinga and Roger Caillois, with regard to the concepts of play in social contexts, and Jean-Pierre Ryngaert, Viola Spolin, Ingrid Koudela and Marina Elias, in their broad contributions to the area of the teaching of the theater and creation of scene through improvisation games. The results are presented through qualitative evaluations, concluding that the studied games are characterized by aspects of artistic creation, the teaching-learning character without frontiers among those who teach and who learn and the characteristic of knowledge production based on the articulation between the theoretical assumptions and practical experimentation.

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  • CRISTIANO REZENDE DE MATOS
  • Palcos, cenários e ações do Teatro Empresa: A inserção da atividade teatral no ambiente corporativo

  • Orientador : GLAUCIO MACHADO SANTOS
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANTONIA PEREIRA BEZERRA
  • CILENE NASCIMENTO CANDA
  • GLAUCIO MACHADO SANTOS
  • Data: 19/06/2019

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  • O Teatro Empresa, uma nova forma teatral, realizada nos ambientes corporativos, tendo como platéia os funcionários das organizações, é o foco da pesquisa de mestrado que deu origem a esta dissertação, elucidando algumas das suas questões, como o seu surgimento e, principalmente, o seu papel no trato com os problemas de relações humanas conjunturais que acontecem no ambiente corporativo. Tal como propõe o próprio teatro, não há respostas plenas, mas provocações, uma maneira de expandir a reflexão sobre o tema, entre o fazer teatral e as empresas, expor estes novos palcos e cenários, sobre os quais muito pouco se fala ou discute. O teatro adentra as organizações seguindo o ritmo da vida, seguindo o homem, uma vez que o teatro é a representação da própria vida e cotidiano do homem, estando o trabalho inserido em sua rotina do dia a dia, assim como as suas adversidades e inquietações. O Teatro Empresa, comparado com a própria história do teatro, é algo novo e requer entender os seus processos de criação, sua aplicabilidade, seus recursos pedagógicos, seus métodos, sua atuação, seu texto, seus mitos e desfazer pré-conceitos. As empresas estão, cada vez mais, trazendo o teatro para o seu ambiente e este tema, sobre o teatro e seus caminhos pelas organizações empresariais, um movimento crescente e que chegou para ficar, é um assunto relevante, tornado-se importante a ampliação desse estudo, para que se possa ter mais precisão do uso de seus recursos e alcance, não apenas como um processo de aprendizagem ou de resolução de problemas, mas como um meio de difusão da própria arte entre aqueles que não a acessam.


  • Mostrar Abstract
  • The Theater Company, a new theatrical form, performed in corporate environments, having as an audience the employees of the organizations, is the focus of the master's research that gave rise to this dissertation, elucidating some of your questions, such as its origin and, especially its role in dealing with the problems of conjunctural human relations that take place in the corporate environment. As the theater itself proposes, there are no full answers but provocations, a way of expanding reflection on the theme, between theater and business, exposing these new stages and scenarios, in which very little is said or discussed. practice. The theater enters the organizations following the rhythm of the life, following the man, since the theater is the representation of the own life and daily of the man, being the work inserted in its routine day by day, as well as its adversities and restlessness. The theater, in these new stages and scenarios, very little is spoken or discussed its practice. The Theater Company, compared to the theater's own history, is something new and requires understanding its creation processes, its applicability, its pedagogical resources, its methods, its performance, its text, its myths and undoing preconceptions. Companies are increasingly bringing the theater to their environment and this theme, about theater and its paths by business organizations, a growing movement that has come to stay, is a relevant subject, making it important to expand this study, so that one can have more precision of the use of its resources and reach, not only as a process of learning or of problem solving, but as a means of spreading the art itself among those who do not access it.

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  • GABRIELA WANDERLEY DE HOLANDA
  • Sopro d’Água: Corpo-ambiente em fluxo criando (de)composições em dança

  • Orientador : LEONARDO JOSE SEBIANE SERRANO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CIANE FERNANDES
  • DANIELA BEMFICA GUIMARAES
  • LEONARDO JOSE SEBIANE SERRANO
  • PATRICIA DE LIMA CAETANO
  • Data: 28/06/2019

  • Mostrar Resumo
  • O presente estudo aborda a possibilidade de compor em dança, considerando os direcionamentos advindos dos fluxos emergidos da conexão corpo e ambiente, através do processo de criação Sopro d’Água. Tendo como base epistemológica o campo da Educação Somática, especificamente a Ecossomática, esta pesquisa-criação mergulha em experimentações criativas pautadas no Body-Mind CenteringTM (abordagem da Educação Somática) e seu estudo do Sistema dos Fluidos, na Pesquisa Somático-Performativa, na dança aquática e na composição em dança guiada por estados corporais. Impulsionado pelo fluxo na criação, propõe-se um corpo permeável e mobilizado pelos afetos, em estado de transitoriedade e transmutação constante, guiado pelos impulsos internos e externos. A fim de aprofundar a materialidade corpo-ambiente como impulso criativo, percorremos os caminhos da dança guiada pela percepção do corpo em conexão com o ambiente e na perspectiva integralista do soma, entrelaçando os campos da Educação Somática e Ecologia, os quais compreendem corpo e ambiente em estados de relação e transformação. Embebida pelo fluxo transmutável da água corpo-ambiente, esta pesquisa concebe a criação em dança como um processo em transfiguração. Orientado pela metodologia da Pesquisa Somático-Performativa e impulsionado pela transformação constante da água-ambiente e os fluidos corporais, o presente estudo compreende o fluxo como eixo e metodologia de criação e pesquisa e o movimento como possibilidade de fluir e de se transformar interno-externamente. Os experimentos do processo de criação, tratados neste texto, aconteceram em diferentes ambientes e articularam os seguintes elementos: estados corporais, memórias e imagens emergidas através da experimentação da corporalização dos fluidos corporais e dos estados d’água do ambiente. Por transitar pelas experiências da artista-pesquisadora, relatos e vestígios do processo de criação-pesquisa integram de modo estruturante o estudo. Para os entendimentos centrais deste estudo, consideraremos um panorama reflexivo constituído pelas visões teóricas dos seguintes autores: Arne Naes (1973; 1995), Bonnie Bainbridge Cohen (1993; 2015), Linda Hartley (1994), Suelly Rolnik (1996; 1999; 2000; 2006), Andrea Olsen (2002), Hubert Godard (2003), Enrique Leff (2003; 2009), Rebecca Enghauser (2007a; 2007b), Ciane Fernandes (2010; 2014; 2015; 2018), Cecília Salles (2011; 2012; 2015), Patrícia Caetano (2012a; 2012b; 2015), Carolina Laranjeira (2013) e Martha Bezerra (2016).


  • Mostrar Abstract
  • This study presents the possibility of dance composition directed by the flow between the body and environment’s connection from, through the work in progress Sopro d'Água. Adopting the field of Somatic Education (specifically Ecosomatics) as the epistemological basis, this research-creation is immersed in a creative process based in Body-Mind CenteringTM and its study of the Fluid System, on Somatic-Performative Research, underwater dance, and dance composition guided by body states. Driven by the flow in creation, this study proposes a permeable body which is mobilized by the affections, and is in a constant trasient and transmutational state, guided by the internal and external impulses. In order to deepen the body and environment materiality as a creative impulse, we go through the dance paths guided by the perception of the body in connection with the environment and with the integral perspective of soma, intertwining the fields of Somatic Education and Ecology, which comprises body and environment in states of relation and transformation. Embedded in the transmutational flow of body-environment water, this research conceives the creation in dance as a process in transfiguration. Guided by the methodology of Somatic-Performative Research and directed by the constant transformation of water and body fluids, this study conceives the flow as fundamental and adopts it as a methodology for creation and research, understanding the movement as a possibility to flow and to transform oneself internally and externally. The experiments of the creation process took place in different environments and articulated the following elements: body states, memories and images emerged through the experimentation of body fluid corporealization and water states. Reports and traces of the creation-research process are relevant parts of the structure of this study, describing the experiences of the artistresearcher. The main understandings of this study consider a reflexive panorama comprised of theoretical views of the following authors: Arne Naes (1973; 1995), Bonnie Bainbridge Cohen (1993; 2015), Linda Hartley (1994), Suelly Rolnik (1996; 1999; 2000; 2006), Andrea Olsen (2002), Hubert Godard (2003), Enrique Leff (2003; 2009), Rebecca Enghauser (2007a; 2007b), Ciane Fernandes (2010; 2014; 2015; 2018), Cecília Salles (2011; 2012; 2015), Patrícia Caetano (2012a; 2012b; 2015), Carolina Laranjeira (2013) e Martha Bezerra (2016).

     

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  • CAMILA GUILERA FERREIRA
  • UMA SALA DE ENSAIO TODA NOSSA: NOTAS SOBRE TEATRO DE GRUPO E FEMINISMOS NA CENA SOTEROPOLITANA.

  • Orientador : HEBE ALVES DA SILVA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • DENISE MARIA BARRETO COUTINHO
  • HEBE ALVES DA SILVA
  • SILVANA GARCIA
  • Data: 02/07/2019

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  • O presente trabalho discorre sobre a produção de espetáculos teatrais apresentados durante a
    última década, na cidade de Salvador – BA, realizados por mulheres (exclusiva ou
    majoritariamente) e que dialogam com pautas feministas, a fim de discutir a atuação de
    mulheres múltiplas funções da prática teatral, ou do entendimento de “atriz” no âmbito de uma
    perspectiva de criação ampliada. A observação do efervescente movimento teatral de obras
    que se autodeclaram feministas, ou que claramente tratam de questões caras aos feminismos,
    fez emergir as seguintes indagações: quem são as artistas que estão envolvidas nessas
    produções? Como se articulam as equipes desses espetáculos? Como os grupos de teatro da
    cidade estão envolvidos em tal movimento? Partindo de minha própria experiência como atriz
    de teatro de grupo, membro de um coletivo composto exclusivamente por mulheres, elaborei
    um breve apanhado do movimento de coletivos e grupos teatrais no Brasil e, mais
    especificamente em Salvador para, em seguida, expor a trajetória d’A Panacéia, grupo que
    integro, e as inquietações que o moveram ao longo de sua primeira década de existência. Por
    fim, um panorama das produções teatrais que se encontram com feminismos em Salvador
    entre 2014 e 2018 pretende realizar um registro dessa cena em movimento na cidade,
    dialogando com teóricas feministas e das Artes Cênicas


  • Mostrar Abstract
  • This work focus on the last decade theatre plays staged in the city of Salvador – Bahia that
    were produced by women (exclusively or in its majority) and thematically engaged with feminist
    agenda. The discussion is centred on women playing multiple roles on the stage production
    process, understanding a widen perspective of being an actress as providing scope for creating
    as well as an authorship position being taken. The observing of the effervescent theatrical
    movement of plays which or have been stated as feminist by its creators or that clearly
    approach relevant feminist issues has brought the following inquiries: who are the female artists
    involved on those productions? How do they organize themselves in the working crews? How
    are the theatre groups in the city integrated to such movement? Starting from my own
    experience as a theatre group actress and part of one group exclusively formed by women, I
    proceeded to a brief review of the theatre collectives and groups in Brazil, and then, more
    specifically in Salvador to follow with the history of A Panacéia, group to which I belong, its
    debates and concerns among the first decade of existence. Finally, a panorama of theatre
    plays in dialogue with feminisms that took place in Salvador between 2014 and 2018 is
    presented, willing to provide a documentation of the ongoing stage movement in the city, in
    debate with both feminist authors and studies in performing arts.

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  • FÁBIO JOSÉ DE OLIVEIRA DOS SANTOS
  • Um estudo sobre a análise ativa e a formação do ator-criador.  

  • Orientador : JOAO ALBERTO LIMA SANCHES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CELSO DE ARAUJO OLIVEIRA JUNIOR
  • JOAO ALBERTO LIMA SANCHES
  • RAIMUNDO MATOS DE LEAO
  • Data: 29/07/2019

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  • Este trabalho realiza uma investigação sobre a análise pela ação e suas potencialidades de utilização pelo ator-criador. Neste sentido, enfoca em aspectos como a formação do ator e as possibilidades de aplicação desta forma de trabalho para a criação teatral. Para isso, foi realizada uma revisão bibliográfica com o fim de levantar dados referentes ao surgimento e desenvolvimento da análise pela ação, com foco especial no trabalho de Maria Knebel e alguns de seus alunos. A intenção foi identificar as principais potencialidades desta forma de criação teatral em processos de formação de atores e diretores, bem como para a montagem de espetáculos e, além disso, registrar os desenvolvimentos promovidos em suas formas de aplicação por alunos e seguidores de Constantin Stanislávski. O mesmo foi realizado em relação aos autores nacionais que debruçaram-se sobre o tema ou que utilizaram a análise pela ação no desenvolvimento de seus trabalhos artísticos. Através deste trabalho procurei realizar uma série de reflexões referentes a aplicação da análise pela ação nos processos de criação da cena. O mesmo foi feito em relação à importância dos études nos processos pedagógicos de Stanislávski. Além disso, descrevo uma série de experiências vividas durante a minha formação como ator e professor, todas envolvendo estas formas de trabalho.


  • Mostrar Abstract
  • This work performs out an investigation about the active analysis and its potentialities of use by the actor-creator. In this sense, the research focuses on aspects such as the training of the actor and the possibilities of application of this method of work for theatrical creation. For this, a bibliographical review was carried out in order to collect data regarding the emergence and development of the active analysis, with a special focus on the work of Maria Knebel and some of her students. The intention was to identify the main potentialities of this method of theatrical creation in processes of actors and directors training, as well as for the organization of spectacles, and also to record the developments promoted in its forms of application by students and followers of Constantin Stanislávski. The same was done in which concerns national authors who studied the subject or who used the active analysis in the development of their artistic works. In this research, I sought to reflect on the application of analysis for action at the processes of scenic creation. The same was carried out on the importance of études in Stanislásvski’s pedagogic processes. Moreover, I describe series of experiences lived during my own training as actor and teacher, all of them have involved these forms of work. 

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  • MONIQUE MONTEIRO ALMEIDA
  • VOOS VOCAIS: Uma investigação sobre a aprendizagem da técnica do canto lírico sob a perspectiva de uma atriz-cantora;   

  • Orientador : MERAN MUNIZ DA COSTA VARGENS
  • MEMBROS DA BANCA :
  • HEBE ALVES DA SILVA
  • JOEL LUIS DA SILVA BARBOSA
  • MERAN MUNIZ DA COSTA VARGENS
  • MOACYR SILVA COSTA FILHO
  • Data: 29/07/2019

  • Mostrar Resumo
  • A presente dissertação debruça-se sobre a aprendizagem e o desenvolvimento da técnica vocal para o canto lírico, a partir do método de treinamento vocal com ênfase no desenvolvimento da propriocepção desenvolvido e ministrado pelo professor doutor Moacyr Silva Costa Filho (MSCF) e da elaboração e apresentação de um experimento cênico-musical. Trata-se de um estudo autoetnográfico envolvendo análise de registros de vivências práticas de treinamento vocal e da execução do canto, no contexto de aulas de canto e de uma apresentação artística. A prática vocal foi registrada através de gravações de áudio das aulas ministradas por MSCF, escrita corporificada de relatos sobre estas e gravação de vídeo das apresentações do experimento cênico-musical. Os relatos escritos registraram a experiência vivida nas aulas e os insights da pesquisadora sobre a prática, a partir das sensações registradas durante as aulas. Concomitantemente, foi realizada uma pesquisa teórica sobre canto, desenvolvimento de altas habilidades, teoria cognitivista construtivista da aprendizagem e teoria da percepção de Merleau-Ponty. Posteriormente, os relatórios e registros sobre a experiência prática foram analisados à luz da literatura consultada na pesquisa teórica. A dramaturgia do experimento cênico-musical teve como base a trajetória de aprendizagem da pesquisadora ao longo do treinamento vocal e de sua vivência pregressa em aulas e performances de canto realizadas em sua trajetória de formação artística. Os resultados da análise das vivências de treinamento vocal e da performance de canções no contexto do experimento cênico-musical sugerem melhoria técnica nos aspectos da respiração, fonação e articulação, bem como melhoria da eficiência e conforto da fonação cantada e da qualidade sonora da voz no canto. O estudo apresentado nesta dissertação sugere que o método de treinamento vocal com enfoque no desenvolvimento proprioceptivo é benéfico para a aprendizagem e melhoria técnica do canto lírico, porquanto auxilia no desenvolvimento das capacidades de percepção da(o) estudante sobre o funcionamento do próprio corpo durante a atividade do canto, levando-a(o) a identificar tensões deletérias para a voz e, assim, facilitando a instauração e manutenção de uma fonação mais saudável no canto.


  • Mostrar Abstract
  • This dissertation focuses on the vocal technique learning process and development for lyric singing, based on a vocal training method that emphasyses the development of proprioception developed and taught by Professor Moacyr Silva Costa Filho (MSCF) and the creation and presentation of a musical-scenic performance experiment. This is an autoethnographic study that involves the analysis of records regarding vocal training and singing practical experience, in the context of singing lessons and of a an artistic presentation. The vocal practice was registered trhough audio recordings of MSCF’s lessons, embodied writing about these lessons and video recordings of the musical-scenic performance experiment. The written reports registered the researcher-student’s experience at the singing classes and the researcher insights about the practice. At the same time, a theoretical research was made regarding the following subjects: singing, giftedness, cognitive and construtivist theories of learning and Merleu-Ponty’s theory of perception. After that, the reports and registers about the practical experience were analyzed in the light of the researched literature. The dramaturgy of the musical-scenic performance experiment was based upon the learning process in vocal training and also based upon the researcher’s previous experiences as a singing student in classes and performances. The results of the analysis about the experienced vocal training and singing performance in the context of the musical-scenic experiment have showed technical improvements in breathing, fonation and articulation aspects, as well as improvement in the eficacy and confort in singing fonation and of the sound quality of the voice in singing. The study presented in this dissertation suggests that the vocal training method that emphasizes proprioception development is beneficial for learning and for vocal technique improvement for legit singing, given that it helps the development of the student’s perceptive capabilities about the functioning of his/her own body during singing activity, which leads him/her to identify excessive tension that are damaging for the voice and therefore facilitating the establishment and maintenance of a healthier fonation in singing.

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  • JOSIANE ADRIANA ACOSTA DA ROSA
  • TEATRO NEGRO: UMA ANÁLISE DOS PROCESSOS CRIATIVOS DO NÚCLEO AFROBRASILEIRO DE TEATRO DE ALAGOINHAS E DO GRUPO DE TEATRO CAIXA-PRETA DE PORTO ALEGRE

  • Orientador : ELIENE BENICIO AMANCIO COSTA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ELIENE BENICIO AMANCIO COSTA
  • EVANI TAVARES LIMA
  • INAICYRA FALCÃO DOS SANTOS
  • Data: 30/09/2019

  • Mostrar Resumo
  • Trata-se de uma pesquisa na linha Matrizes Estéticas na Cena Contemporânea, com objetivo de analisar o processo criativo de dois grupos de Teatro Negro Brasileiro da atualidade, que em seus processos criativos dialogam com elementos presentes no universo religioso de matrizes africanas. Para introdução do tema, faço uma breve apresentação conceitual sobre as palavras negro e negritude, através da obra Negritude Usos e Sentidos, de Kabenguele Munanga (1988). Acerca do termo teatro negro, a trajetória de Abdias Nascimento e a criação do TEATRO EXPERIMENTAL DO NEGRO (TEN) servem de referência, assim como os estudos de Evani Tavares Lima (2010) e Cristiane Sobral Correa Jesus (2016). Para analisar o processo criativo de dois espetáculos de teatro negro, um do Núcleo Afrobrasileiro de Teatro de Alagoinhas (NATA) e outro do Grupo de Teatro Caixa-Preta de Porto Alegre, teóricas como Inaicyra Falcão dos Santos (2015), Cecilia Salles (1998) e Fayga Ostrower (1987) servem de base. Por fim, a partir do conceito afrografia, da pesquisadora Leda Maria Martins (1997), aponto caminhos possíveis para quem busca desenvolver uma cena afrografada.


  • Mostrar Abstract
  • This is a research in the line Aesthetic Matrices in the Contemporary Scene, with the objective of analyzing the creative process of two groups of Brazilian Black Theater of today that in their creative processes dialogue with elements present in the religious universe of African matrices. To introduce the theme I make a brief conceptual presentation on the words black and blackness through Kabenguele Munanga's work Negritude Usos e sentidos (1988). About the term black theater, the trajectory of Abdias Nascimento and the creation of TEATRO EXPERIMENTAL DO NEGRO (TEN) serve as a reference, as well as the studies of Evani Tavares Lima (2010) and Cristiane Sobral Correa Jesus (2016). To analyze the creative process of two black theater spectacles, one from Nucleo Afrobrasileiro de teatro de Alagoinhas (NATA) and another from Grupo de Teatro Caixa Preta in Porto Alegre, theorists such as Inaicyra Falcao dos Santos (2015), Cecilia Salles (1998) and Fayga Ostrower (1987) serve as the basis. Finally, from the concept of afrography of the researcher Leda Maria Martins (1997) I point out possible ways for those who seek to develop an afrographed scene.

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  • EDUARDO SALES COUTINHO
  • ATUAÇÃO ÉPICA NO CABARÉ DA RRRRRAÇA: CONEXÕES ENTRE OS TEATROS DE BRECHT E DO BANDO

  • Orientador : LUIZ CESAR ALVES MARFUZ
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LUIZ CESAR ALVES MARFUZ
  • NOELI TURLE DA SILVA
  • PAULO HENRIQUE CORREIA ALCANTARA
  • Data: 04/10/2019

  • Mostrar Resumo
  • Este trabalho investiga as conexões entre o teatro épico desenvolvido pelo dramaturgo e encenador alemão Bertolt Brecht e o fazer artístico do Bando de Teatro Olodum, com atenção especial voltada ao trabalho de atores e atrizes no espetáculo Cabaré da RRRRRaça. O primeiro capítulo apresenta a trajetória do Bando, o conceito de teatro negro adotado no trabalho e introduz o contexto histórico que impulsionou, na Alemanha da primeira metade do século 20, o surgimento da forma épica de teatro através dos artistas Bertolt Brecht e Erwin Piscator. O teatro épico é abordado em sua multireferencialidade, destacando as influências da cena de cabaré alemã dos anos 1920 no fazer teatral de Brecht, já sinalizando conexões com a poética do Bando de Teatro Olodum. O segundo capítulo se debruça sobre o que seria uma atuação épica a partir de escritos deixados por Brecht sobre o trabalho de ator/atriz e aborda o processo de trabalho dos artistas do Bando, discutindo conceitos como observação, contradição, distanciamento, historicização, gestus e gestus social. O terceiro e último capítulo se debruça sobre o espetáculo Cabaré da RRRRRaça, desde a encenação à atuação, traçando conexões com os conceitos brechtianos e observando como os traços épicos aparecem e desaparecem, entrecruzando-se com poéticas contemporâneas e colaborando para que a atuação militante se consolide. Observa-se uma ressignificação do conceito de teatro épico e, a partir da sua assimilação entrecruzada com outras poéticas e com o debate racial, percebe-se a existência de um épico do Bando. Além de obras de Bertolt Brecht, teóricos como Walter Benjamin, Anatol Rosenfeld, Gerd Bornheim, John Willet, Luiz Marfuz e Sergio de Carvalho auxiliam no debate sobre o teatro épico; pesquisadoras como Leda Maria Martins e Evani Tavares Lima dão suporte às reflexões sobre o teatro negro; o autor Franz Fanon e as autoras Grada Kilomba e Djamila Ribeiro colaboram com as abordagens sobre racismo, gênero e representatividade; os teóricos Stuart Hall e Nestor García Canclini em abordagem sobre identidade e identificação; e autores como Patrice Pavis, Raimundo Mattos Leão, Matteo Bonfitto, Jacyan Castilho, André Carreira e Jurij Alschitz apoiam abordagens sobre gêneros e poéticas teatrais. A investigação sobre o Bando de Teatro Olodum tem como base teórica o autor Marcos Uzel e como fontes vivas atores, atrizes, coreógrafo e diretores do grupo, entrevistados ao longo desta pesquisa, que também se apoiou na consulta de documentos diversos e na análise de registros audiovisuais de diferentes apresentações do espetáculo Cabaré da RRRRRaça.


  • Mostrar Abstract
  • This present master’s thesis explores the connections between the epic theatre developed by the German playwright and theatre director Bertolt Brecht and the artistic making of the Bando de Teatro Olodum, looking especially into the company’s work called ‘Cabaré da RRRRRaça’. The first chapter is about the group’s history, including the concept of black theatre used by them, and also introduces the context in Germany by the first part of the 20th century when it was the beginning of the epic theatre, created by artists such as Bertolt Brecht and Erwin Piscator. The epic theatre has been looked at considering its multiple referentiality, highlighting the influences of the German cabaret, in the 20s, in Brecht's work, starting to make connections with the poetic of the Bando de Teatro Olodum. The second chapter dwells on what would be an epic acting, considering Brecht's writings about the actor/actress’ work and tackles the process of Bando’s artists, discussing concepts such as observation, contradiction, distancing effect (or alienation effect), historicization, gesture, and social gestus. The last chapter focuses on the play ‘Cabaré da RRRRRaça’, from staging to acting, making connections with brechtian concepts and analyzing how the epic features appear and disappear, interlacing themselves with contemporary poetics and collaborating for the consolidation of a political acting. It was possible to observe a resignification of the concept of epic theatre and, through its assimilation entangled with other poetics and the racial issue, to state that the Bando has created its own epic theatre. Besides the works of Bertolt Brecht, authors such as Walter Benjamin, Anatol Rosenfeld, Gerd Bornheim, John Willet, Luiz Marfuz, and Sergio de Carvalho were part of the debate on epic theatre. Researchers such as Leda Maria Martins and Evani Tavares Lima were helpful to think about black theatre, while Franz Fanon, Grada Kilomba and Djamila Ribeiro were the interlocutors to talk about racism, gender and representation. Stuart Hall and Nestor García Canclini brought up important insights on identity and identification, as Patrice Pavis, Raimundo Mattos Leão, Matteo Bonfitto, Jacyan Castilho, André Carreira and Jurij Alschitz had important contribution regarding theatrical genres and poetics. The research on the Bando de Teatro Olodum was based on the work of Marcos Uzel, as well as interviewing actors, actress, choreographer and the directors of the group, as much as the analysis of documentation and audiovisual material of different performances of the play ‘Cabaré da RRRRRaça’.

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  • RENATA BERENSTEIN DE AZEVEDO
  • "Os Insênicos": uma experiência em teatro e saúde mental.

  • Orientador : HEBE ALVES DA SILVA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • HEBE ALVES DA SILVA
  • DENISE MARIA BARRETO COUTINHO
  • LUIZ CESAR ALVES MARFUZ
  • MONICA DE OLIVEIRA NUNES DE TORRENTE
  • Data: 14/10/2019

  • Mostrar Resumo
  • Esta dissertação examina a experiência desenvolvida pelo grupo de teatro “Os Insênicos” de Salvador, BA, e se situa na interface arte e saúde mental. Composto por atores e atrizes com histórico de internações e atendimento psiquiátrico, o grupo reúne um repertório formado por quatro espetáculos e inúmeras esquetes e intervenções teatrais, no período de 2010 à 2018. Por meio do método cartográfico, constrói-se aqui uma narrativa polifônica, processual, que busca compartilhar o caos-germe da criação, as rupturas, mas também as produções e linhas de forças que atravessam a experiência estética deste coletivo. O edifício teatral serve de metáfora nessa trajetória como área de revelação dos atravessamentos a partir de seis espaços diferentes: entrada, o foyer, uma apresentação da paisagem onde surge o grupo e uma introdução à dimensão sociocultural da Luta Antimanicomial; a sala de ensaio, trazendo aspectos da construção metodológica na formação desses atores singulares; os bastidores, com enunciados e movimentos dos desejos e afetos que aproximam, mas também repulsam; e a cena, o recorte do visível que reúne a dimensão estética e política da experiência, refletindo sobre quatro espetáculos do grupo. Esta pesquisa considera o teatro enquanto território político e de criação estética, que produz relações, enunciados, subjetividades e novas formas de existência, articulando arte e saúde mental e enfatizando implicações dessa relação no processo de transformação social de pessoas com sofrimento psíquico. Diferentes saberes compõem a investigação que articula pensamentos do campo da filosofia, psicologia cultural, artes cênicas e saúde mental. Trata-se de um processo colaborativo, no qual atores e atrizes são construtores de conhecimento e protagonistas da experiência.


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  • This dissertation examines the experience developed by the theater group “Os Insênicos” from Salvador, BA, and is located at the interface between art and mental health. Composed by actors and actresses with a history of hospitalization and psychiatric care due psychic suffering, the group brings together a repertoire of four shows and numerous skits and theatrical interventions, from 2010 to 2018. Through the cartographic method, it is built a procedural and polyphonic narrative that seeks to share the germ chaos of creation, the ruptures, but also the productions and lines of forces that run through the aesthetic experience of this collective. The theatrical building serves as a metaphor in this trajectory as an area of revelation of the crossings from six different spaces: the entrance, the foyer, a rehearsal room, the stage, the backstage and the emergency exit. presentation of the landscape where the group emerges and an introduction to the socio-cultural dimension of the Antimanicomial Fight; the rehearsal room, bringing aspects of the methodological construction in the formation of these singular actors; behind the scenes, with statements and movements of desires and affections that approach but also repel; and the scene, the clipping of the visible that brings together the aesthetic and political dimension of the experience, reflecting on four shows of the group. This research considers theater as a political and aesthetic creation territory, which produces relationships, statements, subjectivities and new forms of existence, articulating art and mental health and emphasizing the implications of this relationship in the process of social transformation of people with psychological distress. Different knowledge make up the research that articulates thoughts from the field of philosophy, cultural psychology, performing arts and mental health. It is a collaborative process in which actors and actresses are knowledge builders and protagonists of experience. 

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  • VICTOR GARGIULO
  • Brincando sobre o Abismo: O Brincar enquanto Poética para Performance Digital

  • Orientador : CIANE FERNANDES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CIANE FERNANDES
  • ELOISA BRANTES BACELLAR MENDES
  • LEONARDO JOSE SEBIANE SERRANO
  • Data: 24/10/2019

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  • A presente pesquisa performativo-reflexiva se propõe a investigar as implicações epistemológicas e poéticas do brincar enquanto conceito para performance digital. A metodologia de trabalho utilizada envolve o entrelaçamento da prática artística com a reflexão acadêmica, buscando um diálogo com a produção contemporânea na área. O aporte teórico da argumentação tem como trama conceitual o conceito de estado de invenção de Hélio Oiticica; os estudos da performance de Richard Schechner e Bruce McConachie; o entendimento de performance digital de Steve Dixon, e o conceito de play proposto por Victor Turner, Donald Winnicott e Miguel Sicart. Enquanto estratégia de composição em performance, foi utilizado o programa performativo de Eleonora Fabião e o conceito de comportamento restaurado de Richard Schechner. Para defender o conceito de brincar enquanto tradução mais abrangente para o conceito de play, esta investigação faz uma análise comparativa da bibliografia selecionada, bem como da etimologia e história do vocábulo. Busca-se, finalmente, redimensionar as relações entre artista, obra e público ao dar relevância ao brincar enquanto espisteme e práxis, bem como enquanto conceito estético e poético para análise e composição em performance digital, tendo como princípios-chave a abertura da obra, o público enquanto participador, a centralidade da ação e do corpo, e o declanchar de estados de invenção compartilhados.


  • Mostrar Abstract
  • The present performative-reflexive research aims to investigate the epistemological and poetic implications of play as a concept for digital performance. The methodology of this work is based on the intertwining of the artistic practice with the academic thinking, in dialogue with the contemporary research of the field. The conceptual webbing of the theoretical argument is based upon the following concepts: invention state (Hélio Oiticica); performance studies (Richard Schechner and Bruce McConachie); digital performance (Steve Dixon); play (Victor Turner, Donald Winnicott and Miguel Sicart). The composition strategy in performance adopted is oriented by Eleonora Fabião’s aproach on performative program and Richard Schechner’s concept of restored behavior. In order to justify “brincar” as a broader translation to Portuguese of the play concept, the present investigation makes a comparative analysis of the selected bibliography on the vocable’s etymology and history. Finally, we aim to review the relationship between artist, art work, and audience as we understand play as being both episteme and praxis. The argument of this research understands the play concept as being at the same time aesthetic and poetic, which has as its key principles the opening of the work of art, the participative role of the audience and the centrality of action and body in the triggering (dclanchamento) of shared invention states.

Teses
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  • LUCAS VALENTIM ROCHA
  • PROCESSOS COLABORATIVOS EM DANÇA E TEATRO: ENTRE NÓS E AS RELAÇÕES DE PODER 

  • Orientador : GILSAMARA MOURA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANTONIO FLÁVIO ALVES RABELO
  • DANIELA MARIA AMOROSO
  • GILSAMARA MOURA
  • IVANA BUYS MENNA BARRETO
  • MARCIA VIRGINIA MIGNAC DA SILVA
  • Data: 07/01/2019

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  • O trabalho apresentado aqui é parte de uma trajetória artística-docente que tensiona os prazeres e as dificuldades da convivência em grupo. Interessa analisar as relações de poder que permeiam o ambiente colaborativo em alguns grupos, núcleos e coletivos de artistas da Dança e do Teatro no Brasil. Para ampliar a perspectiva de análise, foram convidados outros artistas com experiências em processos de criações colaborativas para compor uma espécie de roda de conversa. Juntos, discutimos sobre encontro, dissenso, autonomia, autoria, hierarquia, relações com instituições de fomento entre outros assuntos que permeiam o cotidiano do labor do artista da Dança e do Teatro. Todos eles são ex-integrantes de grupos, núcleos e coletivos que não existem mais. Findaram seus trabalhos após receberem e executarem algum tipo de projeto financiado para manutenção do grupo. São eles: Couve-flor minicomunidade artística mundial (PR), Núcleo VAGAPARA (BA), Grupo Dimenti (BA), Grupo Alvenaria de Teatro (BA) e Coletivo TeiaMUV (BA). Situada no território dos processos artísticos em colaboração, a pesquisa aqui configurada nesta tese, debruça-se sobre alguns nós/problemas – zonas de tensão na rede colaborativa – que emergem de conflitos, discussões e acordos entre os integrantes. Com a finalidade de complexificar a rede tecida, autores e autoras de áreas distintas do conhecimento como Arte, Comunicação, Filosofía e Ciência Política foram postos em diálogo. A perspectiva de rede também se evidencia na proposta metodológica ao serem entrelaçados procedimentos de metodologias distintas em uma bricolagem. A pesquisa apresenta dados e questões de caráter predominantemente qualitativos e flerta com com características da cartografia e da etnografia. A tese é composta por três capítulos interdependentes que falam sobre diferentes tensões (nós da questão) de ordem política, econômica, ética e estética. Apesar da relação de interdependência, os capítulos podem ser lidos separados, ou seja, em outra ordem que não a disposta pelo autor, pois as ideias postas em cada um deles se (in)concluem nos “entre nós” da questão. O primeiro capítulo entrelaça Arte, Política e Filosofia e apresenta uma perspectiva conceitual para pensar o encontro e a convivência entre os artistas como posicionamento político e poético; a coimplicação entre autonomia e colaboração nos processos colaborativos; e tensão entre ética e estética, no sentido de pensar como as relações estabelecidas entre os integrantes e os modos como eles produzem seus trabalhos implicam nas obras que são criadas. Não se pretende, no entanto, analisar as obras, mas manter o foco nos modos de produção. O segundo capítulo entrelaça Arte, Política e Economia e propõe um olhar específico sobre a hierarquia e a autoria quando pensadas no contexto dos processos colaborativos. E o terceiro capítulo ata um nó entre artistas, Estado e instituições de fomento. Trata da participação dos artistas na implementação de políticas específicas para área; da fragilidade e da instabilidade da área da Cultura e suas instituições; de como os artistas se relacionam com a chamada “política de editais”; e da instabilidade dos próprios grupos, núcleos e coletivos em um contexto de subdesenvolvimento econômico e de poucos investimentos na área da Cultura.


  • Mostrar Abstract
  • The work presented here is part of an artistic-teaching trajectory that intends the pleasures and difficulties of coexistence in group. The interest is to analyze power relations that permeate the collaborative environment in some artistic groups, cores and collectives of Dance and Theater in Brazil. In order to broaden the perspective of analysis, other artists with experience in processes of collaborative creations were invited to compose a kind of conversation wheel. Together, we discuss about encounter, dissent, autonomy, authorship, hierarchy, relations with foment institutions, among other subjects that permeate the daily work of the Dance and Theater artist. All of them are ex-members of groups, cores and collectives that no longer exist. They ended their works after receiving and executing some type of financed project for maintenance of the group. They are: Couve-flor minicomunidade artística mundial (PR), Núcleo VAGAPARA (BA), Grupo Dimenti (BA), Grupo Alvenaria de Teatro (BA) and Coletivo TeiaMUV (BA). Situated in the territory of collaborative artistic processes, the research configured here in this thesis, focuses on some nodes/problems – tension zones on collaborative network - that emerge from conflicts, discussions and agreements among the members. For the purpose to make the woven network more complex, authors from different areas of knowledge such as Arts, Communication, Philosophy and Political Sciences were put into dialogue. The network perspective is also evidenced in the methodological proposal by the interlacing procedures of different methodologies in a bricolage. The research presents data and questions predominantly qualitative and flirts with with characteristics of cartography and etnography. The thesis is composed of three interdependent chapters that talk about different tensions (question nodes) of political, economic, ethical and aesthetic order. Despite of the interdependence relationship, the chapters can be read separately or in a different order than the one arranged by the author, because the ideas in each of them are (in)concluded in the “between nodes” of the question. The first chapter intertwines Art, Politics and Philosophy and presents a conceptual perspective to think encounter and coexistence between artists as a political and poetic positioning; the coimplication between autonomy and collaboration in collaborative processes; and tension between ethics and aesthetics, in the sense of thinking how the relations between the members and the ways in which they produce their labors imply in the works that are created. It is not intended to analyze the works, but to maintain the focus on the production modes. The second chapter intertwines Art, Politics and Economics and proposes a specific look at hierarchy and authorship when considered in the context of collaborative processes. And the third chapter ties a node between artists, State and foment institutions. It talks about artists participation in the implementation of specific politcs for area; the fragility and instability of the area of Culture and its institutions; of how artists relate to the so-called “edital politics”; and the groups, copes and collectives instability in a context of economic underdevelopment and few investments in the area of Culture. 

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  • MARIA FERNANDA SARMIENTO BONILLA
  • TEATRALIDADES DE(S)COLONIAIS: ENTRE A FORMAÇÃO, A CRIAÇÃO E A POLÍTICA NAS RUAS DE ABYA YALA. 

  • Orientador : GLAUCIO MACHADO SANTOS
  • MEMBROS DA BANCA :
  • DANIELA MARIA AMOROSO
  • GLAUCIO MACHADO SANTOS
  • MARÍA THEREZA DE OLIVEIRA AZEVEDO
  • RILMAR LOPES DA SILVA
  • SONIA CASTILLO BALLÉN
  • Data: 22/02/2019

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  • Esta pesquisa visa sugerir percursos pedagógicos para as artes cênicas que entrecruzam o formativo com o criativo e o político, com uma contundente perspectiva ancorada nos saberes, nos sentires, nas tradições e na situação atual da América Latina, aqui denominada Abya Yala. Dessa forma, a questão de(s)colonial e os espaços públicos das cidades deste continente, como lugares geradores de conhecimentos/experiências, são essenciais para o raciocínio desta tese. Para tanto, se realizaram, como trabalho de campo, laboratórios teatrais com profissionais e estudantes de graduação de cursos de teatro, nas ruas de onze cidades de Abya Yala, a saber; Salvador de Bahia e São Paulo no Brasil, Guadalajara no México, Bogotá na Colômbia, Quito no Equador, Lima no Peru, La Paz na Bolívia, Santiago de Chile no Chile, Tandil e Buenos Aires na Argentina, e Montevidéu no Uruguai. Nelas, além de terem sido realizadas práticas cênicas nos espaços públicos, foram feitas entrevistas com professores, diretores e coordenadores de cursos universitários de teatro com o fim de, por um lado, conhecer/experimentar teatralmente as ruas das cidades do continente e, por outro, levantar informações dos procedimentos e autores utilizados na formação em teatro. Optei por estruturar as seções deste trabalho em três conjuntos que agrupam textos chamados enlaces. Como base conceitual de discussão aciono um grupo de obras dentre as quais destaco os textos de: Ileana Diéguez, Silvia Rivera Cusiquanqui, Catherine Walsh, Paola Berenstein, Ciane Fernandes, Yuderkis Espinosa, Enrique Dussel, Jorge Dubatti, Matteo Bonfitto e Milton Santos. Por fim, evidencio que os processos de aprendizagem das artes cênicas em Abya Yala necessitam assumir a sua territorialidade, reconhecer o seu pertencimento e incorporar tanto os universos cosmogónicos, filosóficos e epistemológicos, quanto toda uma história de lutas, resistências, dores, massacres, discriminações e silenciamentos que constituem nosso continente.


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  • Esta investigación sugiere alternativas pedagógicas para las artes escénicas entrecruzando lo formativo con lo creativo y lo político, con una contundente perspectiva arraigada en los saberes, los sentires, las tradiciones y en la situación actual de América Latina, aquí denominada Abya Yala. Por lo anterior, la cuestión de(s)colonial y los espacios públicos de las ciudades de este continente, como lugares generadores de conocimientos/experiencias, son esenciales para el raciocinio de esta tesis. Para tal fin, se realizaron, como trabajo de campo, laboratorios teatrales con profesionales y estudiantes de cursos de pregrado de teatro, en las calles de once ciudades de Abya Yala, a saber; Salvador de Bahía y São Paulo en Brasil, Guadalajara en México, Bogotá en Colombia, Quito en Ecuador, Lima en Perú, La Paz en Bolivia, Santiago de Chile en Chile, Tandil y Buenos Aires en Argentina, e Montevideo en Uruguay. En ellas, además de realizar prácticas escénicas en los espacios públicos, se aplicaron entrevistas a profesores, directores y coordinadores de cursos universitarios de teatro con el fin de, por un lado, conocer/experimentar teatralmente las calles de las ciudades del continente y, por otro, levantar informaciones de los procedimientos y autores utilizados en la formación en teatro. Opté por estructurar las secciones de este trabajo en tres conjuntos que agrupan textos llamados enlaces. Como base conceptual de discusión recurro a un grupo de obras, entre las cuales destaco los textos de: Ileana Diéguez, Silvia Rivera Cusiquanqui, Catherine Walsh, Paola Berenstein, Ciane Fernandes, Yuderkis Espinosa, Enrique Dussel, Jorge Dubatti, Matteo Bonfitto y Milton Santos. Por último, evidencio que los procesos de aprendizaje de las artes escénicas en Abya Yala necesitan asumir su territorialidad, reconocer su pertenencia e incorporar tanto los universos cosmogónicos, filosóficos e epistemológicos, como toda una historia de luchas, resistencias, dolores, masacres, discriminaciones y silenciamientos que constituyen nuestro continente.


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  • ANDERSON MARCOS DA SILVA
  • Ensaios de uma investigação em dança.

     

  • Orientador : GILSAMARA MOURA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ADRIANA BITTENCOURT MACHADO
  • GILSAMARA MOURA
  • IVANA BUYS MENNA BARRETO
  • JUSSARA SOBREIRA SETENTA
  • LEONARDO JOSE SEBIANE SERRANO
  • Data: 14/03/2019

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  • Esta investigação poderia ou deveria ou necessitaria se perguntar se a manutenção dos modelos pré-estabelecidos é uma condição de existência ou validação das criações em dança, até e sobretudo porque os próprios processos de feitura, quando entendidos como exercícios de auto-organização, possibilitam a emergência de configurações e sentidos singulares. Esta investigação poderia ou deveria ou necessitaria se inscrever em um contexto em que é mais profícuo perguntar do que responder e apresenta a dança como sistema complexo, cuja existência se processa nas articulações entre corpos e ambientes, longe do equilíbrio e em um tempo irreversível, criando e difundindo conhecimentos a cada acontecimento. Esta investigação assume a premissa semiótica de que todo signo coevolui com o seu objeto e age na geração de interpretantes diversos, abrindo espaço para a experimentação e discussão sobre a autorreferencialidade das configurações artísticas e suas possíveis coimplicações com epistemologias outras. Esta investigação se interessa pelas reverberações estéticas e políticas na dança além de, simultaneamente, se constituir como exercício de experimentação de sua configuração linguística, evidenciando os fluxos entre signo e objeto, configuração e sentido, teoria e prática. Esta investigação se constitui como uma teia, cheia de aberturas ou rasgos ou desvios, que se faz em levantamentos, revisões e análises críticas de textos e de obras artísticas, em conexões teóricas e poéticas acerca dos processos de criação que abdicam das certezas e dos modelos pré-estabelecidos, assumindo a instabilidade que constitui a realidade. Esta investigação poderia ou deveria ou necessitaria abrir-se ao imprevisível, aos acasos criativos, expondo a dança e a escrita como arranjos temporários, imprevisibilidades que acontecem no tempo, mas que, como tudo que é vivo, são limitados em suas configurações. Esta investigação poderia ou deveria ou necessitaria (re)pensar os pensamentos de dança em fluxo com os estudos do corpo, as teorias das artes, a política etc.. Esta investigação poderia ou deveria ou necessitaria ser um corpo poético teórico dançante que se pergunta.


  • Mostrar Abstract
  • This research could or should or would be asked if the maintenance of the pre-established models is a condition of existence or a validation of the creations in dance, even and especially because the own processes of creation enable the emergence of singular configurations and senses when they are understood as exercises of self-organization. This research could or should or would be inscribed in a context in which it is more fruitful to ask than to respond and to present dance as a complex system whose existence takes place in the articulations between bodies and environments far from equilibrium and in an irreversible time to create and disseminate knowledge to each event. This research assumes the semiotic premise that every sign coevolves with its object and acts in the generation of diverse interprets and it opens space for the experimentation and discussion about the self-referentiality of the artistic configurations and their possible complications with other epistemologies. This research is interested in the aesthetic and political reverberations in dance and, at the same time, it constitutes an exercise of experimentation of its linguistic configuration and evidence the flows between sign and object, configuration and meaning, theory and practice. This investigation constitutes a web that is full of openings or tears or deviations, that is made in surveys, reviews and critical analyzes of texts and artistic works, in theoretical and poetic connections about the processes of creation that abdicate certainties and models pre-established and it assumes the instability that constitutes the reality. This research could or ought either to open up to the unpredictable, to the creative accidents and to expose the dance and the writing as temporary arrangements and unpredictable things that happen in time, but limited in their configurations such everything that is alive. This research could or should or would need to (re) think dance-in-flux thoughts with body studies, arts theories, politics, etc. This research could or should or ought to be a dancer's theoretical poetic body wondering.

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  • CLAUDINEI SEVEGNANI
  • Acordos temporários: coexistências e coimplicações na improvisação em dança.

  • Orientador : GILSAMARA MOURA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CELIDA SALUME MENDONCA
  • FATIMA CAMPOS DALTRO DE CASTRO
  • GEORGE MASCARENHAS DE OLIVEIRA
  • GILSAMARA MOURA
  • JANAINA TRASEL MARTINS
  • Data: 15/03/2019

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  • Práticas artísticas estabelecem-se como campos de relações em que processos de invisibilização podem se instaurar nas tentativas de homogeneização das singularidades. A perspectiva dos acordos temporários é apresentada enquanto possibilidade na improvisação em dança como potência que aguça os sentidos para as diferenças, constituindo visibilidades. Os discursos de amenização – tais como a absolutização e a negação – restringem as diferenças no campo das relações. Combater discursos totalizantes e estereotipizantes é um ato necessário para que se apontem caminhos para um fazer em arte mais contextualizado e engajado com o presente. É necessário, portanto, que se abram brechas nesse tempo, para que sejam expandidas as danças que se fazem agora, para que sejam escancaradas as diferenças, para que se desvelem as histórias de opressão e de colonização e para que, desse desvelamento, constituam-se lugares de expansão de outras histórias e de outras danças.

     


  • Mostrar Abstract
  • Artistic practices are established as fields of relations in which processes of invisibility can be established in the attempts to homogenize singularities. The perspective of temporary agreements is presented as a possibility in improvisation in dance as a potency that sharpens the senses for differences, constituting visibilities. Softening discourses – such as absolutization and negation – restrict differences in the field of relationships. Combating totalizing and stereotyping discourses is a necessary act to point the way to a more contextualized and engaging art work with the present. It is necessary, therefore, that gaps be opened at this time, so that the dances that are made now can be expanded, so that the differences can be opened, so that the stories of oppression and colonization can be exposed, and that, from this unveiling, places of expansion of other stories and other dances can be constituted.

     

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  • LINO DANIEL EVANGELISTA MOURA
  • Cabra macho e flamenco transculturados: a dança como embaralhamento de subjetividades

  • Orientador : DANIELA MARIA AMOROSO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CARLOS MAGNO CAMARGOS MENDONÇA
  • DANIELA MARIA AMOROSO
  • ELIANA RODRIGUES SILVA
  • GILSAMARA MOURA
  • PAULA ALICE BAPTISTA BORGES
  • SUZANA MARIA COELHO MARTINS
  • Data: 15/03/2019

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  • A partir de uma fábula inventada sobre como os acontecimentos se embaralham na cabeça do autor, a presente pesquisa discute o corpo transculturado como um processo de tensões entre os imaginários de masculinidade do cabra macho nordestino e do dançarino de flamenco, abordando noções sobre gênero, na construção de uma performance intitulada, Protocolo.doc. Figuras do baralho comum dão forma aos pensamentos do autor performando drags para construir os argumentos que sustentam a escrita dessa tese. A bibliografia de referência transita entre autores como: ORTIZ (1983) e RAMA (2008) para tratarem dos assuntos sobre transculturação, BUTLER (2003), como um dos principais pilares na construção da performance, no instante em que oferece um direcionamento teórico para repensar construções normativas tão fortemente delimitadas entre os gêneros. Para esta pesquisa, a transculturação é determinante na construção do pensamento que girará em torno do que estabelece ALBUQUERQUE JUNIOR (2013) a respeito do imaginário de masculinidade nordestina e WASHABAUGH (2005) com o argumento político da dança flamenca. Neste sentido, estes dois universos transculturados no corpo do pesquisador, abrirão espaço para algumas discussões sobre as noções de gênero, escrita performativa e escritura queer, em uma performance de dança que construirá no corpo os argumentos desses universos, que por sua vez, alimentam a escrita dessa tese.


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  • Based on a fable about how the events mix in the author’s head, the present research discusses the transculturalized body as a process of tensions between the masculinity imaginaries of the Brazilian northeastern tough guy and the flamenco dancer, approaching notions of gender in the construction of a performance entitled Protocol.doc. Common deck figures shape the author's thoughts by performing drags to construct the arguments that support the writing of this thesis. The reference bibliography transits among authors such as: ORTIZ (1983) and RAMA (2008) to deal with transculturation issues, and BUTLER (2003), as one of the main pillars in the construction of the performance, from the moment it offers a theoretical direction to rethink normative constructions so strongly delimited between genders. For this research, the transculturation is determinant in the construction of the thought that will revolve around what ALBUQUERQUE JUNIOR (2013) establishes regarding the imaginary of Brazilian northeastern masculinity and WASHABAUGH (2005), with the political argument of the flamenco dance. In this sense, these two transculturalized universes in the body of the researcher, will open space for some discussions about the notions of gender, performative writing and queer writing, in a dance performance that will build in the body the arguments of these universes, which, this way, feed the writing of this thesis. 

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  • ANA VALÉRIA RAMOS VICENTE
  • ERRÂNCIA PASSISTA: frequências somáticas no processo de criação em dança com frevo

  • Orientador : DANIELA MARIA AMOROSO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CAROLINA DIAS LARANJEIRA
  • CIANE FERNANDES
  • DANIELA MARIA AMOROSO
  • LEONARDO JOSE SEBIANE SERRANO
  • MARIANNA FRANCISCA MARTINS MONTEIRO
  • Data: 18/03/2019

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  • Esta tese tem por objetivo abordar o processo criativo em dança como condutor da produção de conhecimentos. Investigo a criação em dança a partir da imersão criativa no carnaval com Frevo trazendo à discussão os conhecimentos técnicos, poéticos, políticos e culturais mobilizados e construídos. Dessa forma, o processo de criação é o objeto e a metodologia adotada, contribuindo para a consolidação da área de Prática como Pesquisa e, dentro desta área, do Processo de Criação em dança como pesquisa acadêmica. A investigação Errância Passista se desenvolveu a partir da construção da imersão no carnaval do Passista (dançarino do frevo de rua) de Recife e Olinda como elemento deflagrador do processo criativo e se configurou nos trabalhos artísticos Re-flexão, Saia da Toca, Re/in-flexão e Ebulição. Com base nessas criações, a tese aborda o conceito de Energia como condutor da investigação refletindo sobre a possibilidade de renovação energética através do carnaval com frevo. A compreensão energética da produção do movimento humano é também mobilizada para compreensão de como movimentos involuntários podem ser esteticamente direcionados, dando ensejo à proposição do termo Frequências Somáticas para modos de construir danças. O Processo criativo do Trabalho Ebulição é abordado desde os seus impulsos iniciais que relacionam tremor e trauma ao processo ético – político vivenciado no Brasil no período do doutorado; às escolhas de procedimentos que colocam a investigação somática em primeiro plano; às implicações entre os diferentes contextos e assuntos da investigação com as escolhas dramatúrgicas, à compreensão da Frequência Somática Tremor como eixo condutor do trabalho Ebulição. Analisando a escolha dramatúrgica do Ebulição e do Re/in-flexão como de intenção decolonial, no sentido de trabalhar para superação das lógicas coloniais vigentes, e a sintonia somática como modo de investigação que coloca a experiência corporal em proeminência, a tese relaciona decolonialidade e detensionalidade como um viés epistemológico da investigação em dança.


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  • This thesis aims to approach the creative process in dance as the leading factor in the production of knowledge. I investigate the creation in dance having as starting point the creative immersion in the carnival, with Frevo. Brings to the discussion the technical, poetic, political, cultural and epistemological knowledge mobilized and constructed. In this way, the creation process is the object and methodology adopted, contributing to the consolidation of the area of Practice as Research and, within this area, of the Creation Process in dance as an academic research. The research Errância Passista developed from the construction of the immersion in the Passista (street frevo dancer) of Recife and Olinda as a triggering element of the creative process and resulted in the creation of the works Re-flexão, Saia da Toca, Re/in-flexion and Ebulição. Based on these creations the thesis approaches energy as the leading concept of this research reflecting on the possibility of energy renewal through the carnival with frevo. The understanding of human movement by its energetic aspect is also mobilized for the understanding of how involuntary movements can be aesthetically directed, giving rise to the proposition of the term Somatic Frequencies and to the understanding of the Tremor Frequency as the driving axis of the work Ebulição (boiling). The notion of Somatic Frequencies is related to different contemporary dance practices as a way of approaching from an experiential analysis (kinesthetic energy) different ways of how the question of involuntary movement goes through the production of artists throughout the twentieth century. The Creative Process of the work Ebulição is approached from its initial impulses that relate tremor and trauma due to the ethical - political process experienced in Brazil during the PhD period - the choices of procedures that place somatic research at the forefront; the implications between the different contexts and subjects of research with the dramaturgic choices. Analyzing the dramaturgic choices of Ebulição and Re-in-flexion as a decolonial intention, in the sense of working to overcome the existing colonial logics, and the somatic tuning as a research mode that places body experience in prominence, the thesis relates decoloniality and detensionality as an epistemological bias of research into dance.

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  • LILIAN SEIXAS GRAÇA
  • A Percepção Cinestésica na Videodança: ReverberAÇÕES Empáticas entre Corpos de Carne e da Tela

  • Orientador : IVANI LUCIA OLIVEIRA DE SANTANA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANDRÉ MASCIOLI CRAVO
  • ELOISA LEITE DOMENICI
  • IVANI LUCIA OLIVEIRA DE SANTANA
  • LEONEL BORGES BRUM
  • OSMAR GONÇALVES REIS FILHO
  • Data: 26/04/2019

  • Mostrar Resumo
  • A pesquisa de doutorado intitulada “A Percepção Cinestésica na Videodança: ReverberAÇÕES Empáticas entre Corpos de Carne e da Tela” trata da reflexão sobre as reações cinestésicas ou movimentos corporais dos espectadores da videodança, em uma articulação teórico-prática, envolvendo a criação de videodanças. Apontamos, assim, a nossa intenção metodológica de travar a discussão sobre percepção cinestésica, perpassando pelos modos operativos de construção estética na imagem em movimento do audiovisual que proporcionam e intencionam o engajamento do corpo do espectador. Com a premissa de que as reações corporais não são apenas respostas à percepção visual, mas fazem parte do engajamento somático perceptivo complexo e essencial ao ato de ver imagens em movimento sobre a tela, tomamos o aporte teórico da empatia estética (Einfühlung) como fundamento norteador para: discutir o papel do corpo e do movimento na experiência estética (SCHMARSOW, 1894; WÖLFFLIN, 1886), em um paralelo com a teoria da cognição situada (CLARK; CHALMERS, 1998; NOË; O’REGAN, 2001; VARELA; THOMPSON; ROSCH, 1991); discutir as ações de engajamento cinestésico a partir das abordagens somáticas das teorias do cinema que pensam o corpo do espectador como atuante, flexível, ressonante e estendido (CURTIS, 2010; FINGERHUT; HEIMANN, 2017); discutir o entrelaçamento e a interdependência do sistema ocular com os outros sentidos do corpo - sugerido pelos teóricos empáticos – na investigação fisiológica do sistema háptico (GIBSON, 1966) e na abordagem somática da visualidade háptica na teoria do cinema (BRUNO, 2010; MARKS, 2000); e, por fim, construir videodanças a partir de três temas de experimentação, evocando ideias de reação cinestésica como um engajamento corporal constitutivo da percepção. Ao apresentar o campo da videodança como um campo histórico-dialógico entre a dança e o audiovisual, seu modo de construir ações e transformações perceptivas e sua característica elementar em utilizar a superposição de movimentos, concluímos que essa arte intermidial tem a condição de potencializar reações cinestésicas no corpo do espectador e pode configurar-se em uma articuladora da reflexão sobre a complexidade do fenômeno cinestésico nas reações corporais dentro do meio audiovisual.


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  • This doctoral research entitled “The kinesthetic perception in videodance: empathic reverberACTIONS between bodies of flesh and screen” deals with the reflection on kinesthetic reactions or corporal movements of the videodance spectators in a theoretical-practical articulation, involving the creation of videodances. Thus, we point out our methodological intention of carrying on the discussion about kinesthetic perception, going through the operative modes of aesthetic construction over the moving image of the audiovisual to provide and intend the engagement of the spectator body. With the premise that the bodily reactions are not only responses to visual perception, but are part of the somatic engagement which is a perceptive complex and essential to the act of seeing moving images on the screen, we take the theoretical contribution of aesthetic empathy (Einfühlung) as a basis for guiding: discuss the role of body and movement in aesthetic experience (SCHMARSOW, 1894; WÖLFFLIN, 1886), in a parallel with the theory of embodied cognition (CLARK; CHALMERS, 1998; NOË; O’REGAN, 2001; VARELA; THOMPSON; ROSCH, 1991); discuss the actions of kinesthetic engagement from the somatic approaches of the film theories that think the body of the spectator as active, flexible, resonant and extended (CURTIS, 2016; FINGERHUT, 2017; HEIMANN 2017); discuss the twining and the interdependence of the ocular system with the other senses of the body - as suggested by emphatic theorists - under physiological research of haptic system (GIBSON, 1966) and the somatic approach of haptic visuality in film theory (BRUNO, 2010; MARKS, 2000); and, finally, building videodances from three subjects of experimentation, evoking ideas of kinesthetic reaction as a constitutive body engagement of perception. When presenting the field of videodance as a historical dialogical field between dance and audiovisual, its way of constructing actions and perceptive transformations and its elementary characteristic in using the superposition of movements, we conclude that this intermedial art has the potential to enhance kinesthetic reactions in the spectator body and can be configured as an articulator of the reflection on the complexity of the kinesthetic phenomenon in the corporal reactions within the audiovisual medium.

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  • JOÃO MARCOS DADICO SOBRINHO
  • O Roleplaying Game como meio da escrita dramatúrgica

  • Orientador : RAIMUNDO MATOS DE LEAO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • BRAZ PINTO JUNIOR
  • CATARINA SANTANNA
  • MARCO ANTONIO ALEXANDRE
  • PAULO HENRIQUE CORREIA ALCANTARA
  • RAIMUNDO MATOS DE LEAO
  • Data: 03/05/2019

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  • Esta experiência de produção artística coletiva pesquisou as possibilidades de
    apropriação do tabletop Roleplaying Game (RPG, Jogo de Interpretação de Papéis de mesa)
    para uma poética dramatúrgica espetacular. Como parte de uma pesquisa-ação, 05 (cinco)
    participantes, após 08 (oito) sessões de RPG de mesa, se colocaram em situação de escrita de
    um texto parateatro. A maneira encontrada pelos participantes para realizar a escrita
    dramatúrgica coletiva foi a transcrição de diálogos oriundos de processos semelhantes aos dos
    jogos dramáticos e aos dos jogos de improvisação para o teatro, inclusive aqueles
    associadosaoprocess drama. A leitura de alguns teóricos, tais como André Sarturi, Johan
    Huizinga, Roger Caillois, Beatriz Ângela Cabral, Jean-Pierre Ryngaert,Luigi Pareyson,
    Martin Esslin,Patrice Pavis e Rafael Bienia, orientou uma análise qualitativa da experiência
    desenvolvida e do texto dramático e uma possível identificaçãodas similaridades entre o RPG
    de mesa e o drama,e consequentemente a sua capacidade de apropriação para os contextos
    poéticos da cena. O registro dessa experiência pôdedeterminar algumas referênciaspara sua
    aplicabilidadenesses tipos de processos e também revelaralguns limites de apropriação desse
    tipo de jogo naquelesprocessos subversivos de criação, que busquem dialogar contra os
    discursos alienantes.


  • Mostrar Abstract
  • Thiscollective artistic production experience researched the possibilities of
    appropriation of the tabletop Roleplaying Game (RPG) for a dramaturgical spectacular poetic.
    As part of an action research, 05 (five) participants, after 08 (eight) tabletop RPG sessions,
    put themselves in the situation of writing a theater play. The way the participants found to

    perform the collective dramaturgical writing was the transcription of dialogues originating
    from processes similar to those of dramatic games and theater improvisation plays, including
    those associated with the process drama. The reading of some theorists, such as André Sarturi,
    Johan Huizinga, Roger Caillois, Beatriz Angela Cabral, Jean-Pierre Ryngaert, Luigi Pareyson,
    Martin Esslin, Patrice Pavis and Rafael Bienia, guided a qualitative analysis of the experience
    developed and the dramatic text and a possible identification of the similarities between the
    tabletop RPG and the drama, and consequently their appropriateness to the scene's poetic
    contexts. The record of this experience could determine some references to its applicability in
    these types of processes and also reveal some limits of appropriation of this type of game in
    those subversive processes of creation, that seek to dialogue against alienating discourses.

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  • SAULO SILVA MOREIRA
  • Talvez a gente se veja por ai: estudos e práticas de amizade.

  • Orientador : EVELINA DE CARVALHO SA HOISEL
  • MEMBROS DA BANCA :
  • DENISE CARRASCOSA FRANCA
  • EVELINA DE CARVALHO SA HOISEL
  • LAURA CASTRO DE ARAUJO
  • PAULA ALICE BAPTISTA BORGES
  • RITA FERREIRA DE AQUINO
  • Data: 04/07/2019

  • Mostrar Resumo
  • Reunir amigxs para festejar, fazer uma dança com uma música-presente, escrever cartas, editar diários, costurar poemas banais, beber chá, criar lances de desejo-mutirão, ser amigx de plantas, gatos, bichas, bichos e outros planetas, fabricar uma casa-escafandro, dizer sim e dizer não, simular amizade como um instante, testar amizade como uma proposta para o milênio-agora, hifenizar meus gestos-palavras com palavras-gestos do outro, deixar uma árvore fazer uma floresta de vontade de amizade, andarilhar pelo caminho de Diadorim e Riobaldo, ficar com o coração nas mãos, entender as políticas de inimizade, mas não esquecer os espaços de fendas, conversar com Roland Barthes, Michel Foucault, Espinoza, Ângela, Dri, Denise Carrascosa, Caetano, Laura Castro, Derrida, Paula Lice, Deleuze, Rita Aquino, Suzane Lima, Evelina Hoisel etc., testar uma ontologia de amizade, samplear no cotidiano os atravessamentos dxs amigxs. Essa tese é um teste de delicadeza, uma vontade de fortuna precária. Ela foi feita para existir desaparecendo. Ela é um convite-carinho para nos conhecermos.


  • Mostrar Abstract
  • Gather friends to party, do a dance with a gift song, write letters, edit diaries, sew banal poems, drink tea, create wish-mutirão bids, be friends with plants, cats, fags, bugs and other planets, make a diving-house, saying yes and saying no, simulating friendship as an instant, testing friendship as a proposal for the millennium-now, hyphenating my gestures-words with words-gestures of the other, letting a tree make a forest of desire for friendship, walk along the path of Diadorim and Riobaldo, keep your heart in your hands, understand the policies of enmity, but do not forget the slots, talk to Roland Barthes, Michel Foucault, Espinoza, Angela, Dri, Denise Carrascosa, Caetano, Laura Castro , Derrida, Paula Lice, Deleuze, Rita Aquino, Suzane Lima, Evelina Hoisel, etc., test an ontology of friendship, sampling the crossings of the friends in everyday life. This thesis is a test of delicacy, a precarious desire for fortune. It was made to exist by disappearing. It is an inviting invitation to get to know each other.

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  • FRIEDRICH WOLFGANG GUTMANN
  • ATRÁS DA CENA - OS EFEITOS ESPECIAIS E SUAS TÉCNICAS APLICADAS NO TEATRO. MEMORIAL (1969 – 2013)

  • Orientador : EWALD HACKLER
  • MEMBROS DA BANCA :
  • EWALD HACKLER
  • LUIZ CLAUDIO CAJAIBA SOARES
  • EDUARDO AUGUSTO DA SILVA TUDELLA
  • MARIA DAS GRACAS REIS MARTINS
  • JOSÉ DA SILVA DIAS
  • Data: 16/07/2019

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  • Esta tese tem como tema o vasto e complexo campo dos Efeitos Especiais e suas técnicas aplicadas no Teatro e é organizada, em forma de Memorial, em torno de todo o trabalho que desenvolvi no teatro, cinema, televisão e outros eventos. O Memorial é detalhado no Capítulo 2 da tese, quando apresento os 130 trabalhos realizados nessa área, no período de 1969 a 2013. Na feitura dessa coletânea, nasceu a necessidade de comentar as fases significativas da evolução do “Efeito Especial” no teatro, ao longo da história, compilada no Capítulo 1, e que suscitou o feliz encontro com o tratado Pratica di Fabricar Scene e Machine ne' Teatri (Instruções para Confecção de Cenários e Máquinas do Teatro, Ravenna, Itália), escritoem1638, por Nicola Sabbattini. O livro é um manual de palco italiano, compilado na fusão do período final do Renascimento com a fase inicial do Barroco. Não encontrando versão alguma em português, acabei por fazer a tradução do Tratado, que integram os Capítulos 3 e 4 acompanhados dos esboços técnicos da edição original em italiano, tornando a obra acessível para o nosso público acadêmico.


  • Mostrar Abstract
  • The theme of this thesis is the vast and complex field of Special Effects and its applied techniques in the Theater. It is organized in the form of a Memorial around all the work that I have developed in theater, cinema, television and other events. The Memorial is detailed in Chapter 2 of the thesis, when I introduce the 130 works carried out in this area, from 1969 to 2013. In the accomplishment of this collection, the need arose to comment on the significant phases of the evolution of the "Special Effect" in the theater, which has been compiled in Chapter 1, and which has given rise to the happy encounter with the treatise Pratica di Fabricar Scene and Machine ne 'Teatri (nstructions for Making Scenarios and Machines of the Theater, Ravenna, Italy) written in 1638 by Nicola Sabbatini. The book is an Italian stage manual, compiled in the fusion of the late Renaissance period with the initial phase of the Baroque. Not finding any version in Portuguese, I ended up translating the Treaty, which are part of Chapters 3 and 4 accompanied by the technical sketches of the original edition in Italian, making the work accessible to our academic public.

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  • VIVIAN VIEIRA PEÇANHA BARBOSA
  • ENTRE O CULTIVO E A ESPERA: CAMINHOS PARA UMA POÉTICA DE PERMANÊNCIA E TRANSFORMAÇÃO NA DANÇA

  • Orientador : MARIA ALBERTINA SILVA GREBLER
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ALBA PEDREIRA VIEIRA
  • CASSIANO SYDOW QUILICI
  • Carla Andréa Silva Lima
  • MARCUS VINICIUS MACHADO DE ALMEIDA
  • MARIA ALBERTINA SILVA GREBLER
  • Data: 18/07/2019

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  • Esta tese é um dos resultados da pesquisa artística realizada em integração com a criação do solo de dança intitulado Reversa, concebido e dançado por mim no Brasil e na Inglaterra entre 2016, 2017 e 2018. Na pesquisa, há a indagação conceitual, artística e experimental sobre o que chamo de ‘poética de permanência e transformação’, principalmente em diálogo com práticas meditativas e respiratórias do yoga, com a Teoria do Esforço de Rudolf Laban e seus tópicos afins, bem como com a prática de vibração-contenção-fluxo desenvolvida por Carla Normagna. São articulados e discutidos princípios, práticas, modos de preparação e criação coreográfica experimentados em Reversa por meio da criação de terminologias próprias e reflexões advindas da prática artística na relação com diversas referências, sejam elas artísticas ou filosóficas. Tal articulação se sustenta metodologicamente na perspectiva da Prática como Pesquisa (PcP) e no Processo de Articulações Criativas (PAC) de Jane Bacon e Vida Midgelow e visa refletir três perguntas codependentes: o que se passa entre vida interior, espaço externo e gesto enquanto danço? o que vislumbro dessa relação, desse “entre”? como teço, artisticamente, essa relação?


  • Mostrar Abstract
  • This thesis is one of the outcomes of the artistic research accomplished in integration with the choreographic process of Reversa, a dance solo created and performed by Vivian Barbosa in Brazil and England during the years of 2016, 2017 and 2018. In the research, there is the conceptual, artistic and experimental inquiry about what Barbosa calls 'poetics of permanence and transformation', in dialogue with yoga breathing and meditation, with Rudolf Laban's Effort Theory and its related topics, as well as with the practice of vibration-containment-flow developed by Carla Normagna. Principles, practices, modes of preparation and choreographic creation experienced in Reversa are articulated and discussed through the creation of singular terminologies linked to artistic practice and several artistic and philosophical reference. This articulation is methodologically supported by the perspective of Practice as Research (PcP) and Creative Articulations Process (CAP) by Jane Bacon and Vida Midgelow and it aims to reflect three codependent questions: what happens between inner life, outer space and gesture while I dance? What do I glimpse into this relationship, into this “in-between”? How do I artistically weave this relationship?

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  • YASMIN DE FREITAS NOGUEIRA
  • MEMÓRIAS DE UM CORPO NEGRO FEMININO: NARRATIVAS POÉTICAS, ANCESTRALIDADE E PROCESSOS CRIATIVOS

  • Orientador : SUZANA MARIA COELHO MARTINS
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ALEXANDRA GOUVEA DUMAS
  • DANIELA MARIA AMOROSO
  • LUCIANY APARECIDA ALVES SANTOS
  • MARILDA DE SANTANA SILVA
  • SUZANA MARIA COELHO MARTINS
  • Data: 18/07/2019

  • Mostrar Resumo
  • Sustentada no fazer poético por meio da linguagem da performance, esta pesquisa busca percorrer as subjetividades encontradas em distintas narrativas das experiências de vida de mulheres negras no contexto brasileiro, bem como em fragmentos autobiográficos da autora. O resultado da justaposição dessas histórias se opera na ficção, em que é construída uma produção plástico-textual – elaboração escrita e criação artística se amalgamam – por meio de uma persona, em que o corpo é produtor de sentido, suporte discursivo e performativo. Histórias passadas e presentes são revistas para romper com posicionamentos excludentes. Esse texto busca apreender e visibilizar os processos de resistências e a luta pela reexistência das populações afrodiaspóricas, especialmente a mulher negra brasileira. Reflete sobre a necessidade de buscar a voz das mulheres negras, atentando para além do gênero e raça, questões como sexualidade, classe e diversos outros marcadores de diferença que transitam pela experiência do corpo, não dissociando os diferentes eixos de subordinação e buscando representatividade, por meio da criação artística e sua articulação com reflexões teóricas. Sob a ótica decolonial, se ampara na epistemologia feminista negra ao valorar a experiência vivida e os conhecimentos e sabedorias que delas advêm, a importância do diálogo, das trocas, a responsabilidade pelas afirmações, a ética do cuidado, a valorização da singularidade, o lugar das emoções e a empatia, critérios utilizados na validação do conhecimento feminino e negro, visto que tais operações são geralmente realizadas por sujeitos que ocupam lugares de poder e representam hegemonias. As experiências de vida são evocadas nos fragmentos de histórias que funcionam como disparadores para criação artística, abrem um espaço para a fantasia. A pesquisa anseia além da resultante estética, compreender os movimentos e sentidos da sua construção, busca o processo criativo como produção de conhecimento científico e sensível, tensionando as fronteiras entre e realidade-ficção/arte-vida.


  • Mostrar Abstract
  • Sustained in the poetic making through the language of performance, this research seeks to explore the subjectivities found in different narratives of the life experiences of black women in a Brazilian context, as well as in autobiographical fragments of the author. The result of the juxtaposition of these stories takes place in fiction, in which a plastic-textual production is built – written elaboration and artistic creation are blended – through a persona, in which the body makes sense of it, and also is a discursive and performative support. Past and present Stories are revisited to brake with excluding positions. This text seeks to apprehend and make visible the resistances processes and the struggle for the reexistence of Afro-diasporic populations, especially the black Brazilian woman. Reflects on the need to seek the voice of black women, considering beyond gender and race, matters such as sexuality, class and several other markers of difference that transit through the experience of the body, not dissociating the different axes of subordination and seeking representativeness, through artistic creation and its articulation with theoretical reflections. From a decolonial point of view, it is based on black feminist epistemology when valuing the lived experience and the knowledge and wisdom that comes from them, the importance of the dialogue, of the exchange, the responsibility for affirmations, the ethics of care, the value of singularity, the place of emotions and empathy, criteria used in the validation of feminine and black knowledge, since such operations are usually performed by subjects occupying seats of power and represents hegemonies. Life experiences are evoked in fragments of stories that act as triggers for artistic creation and opens a space for fantasy. This research aspires, beyond the resultant aesthetic, to understand the movements and meanings of its construction, seeks the creative process as production of scientific and sensitive knowledge, stressing the boundaries between reality-fiction/art-life.

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  • FLÁVIA JANIASKI VALE
  • COLOCANDO UM NOVO PONTO EM CADA CONTO: POSSIBILIDADES DE INSERÇÃO DO TEATRO NA EDUCAÇÃO INFANTIL

  • Orientador : CELIDA SALUME MENDONCA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CELIDA SALUME MENDONCA
  • CILENE NASCIMENTO CANDA
  • GEORGE MASCARENHAS DE OLIVEIRA
  • ISABEL MARIA GOLÇALVES BEZELGA
  • WELLINGTON MENEGAZ DE PAULA
  • Data: 24/07/2019

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  • A presente pesquisa tem como objetivo central inserir o teatro na Educação Infantil através da contação de história, usando a peça A Tempestade de William Shakespeare e pensando no espaço como uma experiência, através de uma ambientação cênica e sonora. A Educação Infantil, primeira etapa da educação básica, é marcada por grandes descobertas e constantes mudanças no cotidiano da criança. Todo o aprendizado nesta faixa etária está baseado no brincar, no lúdico, duas qualidades presentes no fazer teatral. Dessa forma, a pesquisa apresenta a ideia de trabalhar a contação de história inserida no universo do teatro e no contexto da contemporaneidade, buscando apontar aspectos da teatralidade e da performatividade que permeiam o fazer de quem conta histórias, além de apresentar o teatro à criança pequena. Apesar de a Educação Infantil abarcar a fase dos 0 aos 5 anos de idade, o foco da pesquisa foi com crianças de 3 a 5 anos, com três eixos de discussão: teatro com crianças, contação de história e espaço cênico. Compreende, como etapa desta pesquisa, o estágio de Doutorado Sanduíche realizado nos Estados Unidos, cujas experiências contribuíram para aprofundar os conhecimentos em Educação Infantil e as relações entre teatro, educação e infância. A opção metodológica para este estudo foi uma pesquisa qualitativa com caráter descritivo, tendo as crianças como sujeitos criadores da pesquisa. Os procedimentos metodológicos escolhidos foram: levantamento bibliográfico, análise documental e pesquisa de campo. A partir de um levantamento bibliográfico, ficou delimitado que a pesquisa teria o seguinte aporte teórico: Lev Vygotsky, Manuel Jacinto Sarmento, Peter Slade, Gaston Bachelard, John Dewey, Walter Benjamin, Harold Bloom, Vera Lúcia Bertoni dos Santos, Gilka Girandello, Luciana Hartmann, Loris Malaguzzi e Adriana Klisys.


  • Mostrar Abstract
  • This research aims to insert theatre in childhood education through storytelling having William Shakespeare’s The Tempest as the piece to think the space as an opportunity for experience in a scenic and audio environment. Childhood education as the first step of basic education is a moment of changes and discoveries for small children. As learning for small children is based on ludic experiences and playing – two issues in the theatre – the research aims to test storytelling as part of theatre in our times. Therefore, the research points out aspects of theatre and performance that permeate storytelling and present a proposal of theatre for small children. Childhood education approaches children from zero to five years of age and this research focused specifically on children from three to five years of age and on three axes: theatre with children, storytelling and scenic space. The method for this study is a qualitative and descriptive research focused on children as the primary subjects of a research. Methodology included literature review, documental analysis, and fieldwork. Theoretical background include Lev Vygotsky, Manuel Jacinto Sarmento, Peter Slade, Gaston Bachelard, John Dewey, Walter Benjamin, Harold Bloom, Vera Lúcia Bertoni dos Santos, Gilka Girandello, Luciana Hartmann, Loris Malaguzzi and Adriana Klisys.

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  • EDILBERTO DA SILVA MENDES
  • Stamina: drama e imaginário, Pigmalião e coaching na criação de uma ficção audiovisual seriada

  • Orientador : CATARINA SANTANNA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ALEX BEIGUI DE PAIVA CAVALCANTE
  • CATARINA SANTANNA
  • EVELINA DE CARVALHO SA HOISEL
  • MARCOS BARBOSA DE ALBUQUERQUE
  • PAULO HENRIQUE CORREIA ALCANTARA
  • Data: 06/08/2019

  • Mostrar Resumo
  • Associando estudo do imaginário e experimentação dramatúrgica, esta tese realiza uma atualização do mito de Pigmalião, demonstrando-o como modelo matricial de certo paradigma cultural contemporâneo de subjetivação fundado na ideia de sucesso como resultado da mente e do esforço individual, associado aos valores da visibilidade, positividade e empreendedorismo. A partir da análise de obras literárias e dramatúrgicas, recupera a pregnância simbólica do Pigmalião em diferentes contextos, desde sua origem em forma de narrativa oral no mundo greco-romano antigo, passando pelos processos de literalização no poema Metamorfoses, de Ovídio (8 d.C.); no Romance da Rosa (1275-80), de Jean de Meun; na peça teatral Pygmalion: scène lyrique (1762), de Jean-Jacques Rousseau; na comédia Pigmalião (1904), de Be rnard Shaw e diversas obras audiovisuais. Nesse percurso, destaca a associação do mito com os imaginários do amor, da criação artística e da construção da identidade. Com base no quadro de referências de Goffman (2014) para o estudo das interações sociais e na fortuna crítica do coaching, realiza uma leitura dessa prática social, interpretando-a como manifestação contemporânea do mito de Pigmalião. Discute a definição de coaching e sua atual configuração como campo profissional no mundo e no Brasil. Destaca o modo como o coaching movimenta o imaginário do empreendedorismo. Analisa as técnicas aplicadas no processo de reprogramação mental do sujeito. À luz dessas reflexões, aplica a teoria das funções dramáticas de Souriau (1993) para estruturar uma recriaçã o dramatúrgica do mito de Pigmalião em relação dialógica com o coaching na forma de uma ficção audiovisual seriada intitulada Stamina.


  • Mostrar Abstract
  • This thesis analyses the myth of Pygmalion as a symbolic matrix of the contemporary cultural paradigm of self-concept based on the idea that success is as a result of the individual´s mindset and is associated with visibility, positivity and entrepreneurship. It examines literary and drama works to highlight the myth´s role in different times and cultural contexts, beggining with its origin as an oral narrative in the ancient Greco-Roman world, than its literalization in Ovid´s Metamorphoses (8 AD); Jean de Meun´s Roman de la Rose (1275-80); Jean-Jacques Rousseau´s Pygmalion: scène lyrique (1762); Bernard Shaw´s Pygmalion (1904); and several examples of television and screen drama. It discusses the myth´s relation with the imaginary of love, artistic creation and modern identity. Based on Goffman's (2014) framework to study social interactions and critical writings on coaching, it demonstrates that this s ocial practice is a contemporary form of the myth of Pygmalion. It discusses the definition of coaching and its current scenario as a professional field in the world and in Brazil. It highlights how coaching moves the imagery of entrepreneurship. It analyzes the techniques applied by coaches in mental reshaping. It applies Souriau's theory of dramatic functions (1993) to design a TV series entitled Stamina, focusing on a dialogical relationship between the myth and the coaching.

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  • TÁSSIO FERREIRA SANTANA
  • PEDAGOGIA DA CIRCULARIDADE AFROCÊNICA: diretrizes metodológicas inspiradas nas ensinagens da tradição do Candomblé Congo-Angola

  • Orientador : CELIDA SALUME MENDONCA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ALEXANDRA GOUVEA DUMAS
  • CELIDA SALUME MENDONCA
  • DENISE CARRASCOSA FRANCA
  • Leda Maria Martins
  • ROSANGELA PEREIRA DE TUGNY
  • Data: 25/09/2019

  • Mostrar Resumo
  • A pesquisa reflete sobre os modos de como o pensamento tradicional do
    Candomblé Congo-Angola e filosofia dos Bantu, a partir de sua estrutura
    social/política/filosófica/estética/sagrada, podem inspirar poeticamente
    processos de ensino-aprendizagem das Artes da Cena, no âmbito acadêmico,
    considerando a circularidade como base conceitual. Desta investigação
    emergem cinco fundamentos de ensino (de modo integral, circular, corporal,
    ancestral e místico) os quais subsidiam os processos de ensinagens do terreiro
    e organizam as diretrizes metodológicas aqui investigadas. O entendimento da
    pesquisa-encruzilhada, conceito imbricado no referencial epistemológico
    alinhavado pela abordagem da encruzilhada como operador conceitual,
    cunhado pela professora Leda Maria Martins (1995), em diálogo com a
    Pedagogia das Encruzilhadas do professor Luiz Rufino (2018), organizou os
    modos de pesquisa, envolvendo completamente o pesquisador na
    investigação, além de ter permitido operações conceituais de grande
    complexidade. Como ponto de partida, discuto sobre o processo de ensino-
    aprendizagem vivenciado por mim e pelos membros do Terreiro Unzó ia
    Kisimbi ria Maza Nzambi (sediado no município de Simões Filho-Ba), através
    dos depoimentos das pessoas iniciadas. As vivências que decorrem da
    circularidade do terreiro me levaram a criação do Projeto de Pesquisa e
    Extensão Universitária, na Universidade Federal do Sul da Bahia, intitulado
    Coletivo AFRO(en)CENA. Neste projeto foi possível experimentar
    conceitualmente a Pedagogia da Circularidade Afrocênica como proposta de

    formação artística da cena, colidindo ações em níveis de: a) Formação Geral
    [no âmbito artístico, cultural, histórico e filosófico]; b) Científico [cinco edições
    da Azuela: poéticas negras em roda]; c) Artístico [experimento cênico:
    Travessias – ciclos transatlânticos]. Na encruzilhada da pesquisa organizada
    em ciclos, convoco para o diálogo e adensamento do debate os seguintes
    autores(as): Barbosa (2016), Cunha Júnior (2002), Lima (2002, 2010, 2011),
    Machado (2002, 2010, 2017), Martins (1995, 1997), Munanga (2006), Oliveira
    (2007, 2011), Petit (2015), Rosa (2013), Rufino (2018), Sodré (2017), dentre
    outros.


  • Mostrar Abstract
  • The research reflects on the ways in which traditional Candomblé Congo-
    Angola and Bantu philosophy, from their social / political / philosophical /
    aesthetic / sacred structure, can poetically inspire teaching-learning processes
    of the Performing Arts in the academic context, considering circularity as a
    conceptual basis. From this investigation emerge five fundamentals of teaching
    (integral, circular, body, ancestral and mystical) which subsidize the teaching
    processes of the Terreiro and organize the methodological guidelines
    investigated here. The understanding of crossroads-research, a concept
    embedded in the epistemological framework aligned with the approach of the
    crossroads as a conceptual operator, coined by teacher Leda Maria Martins
    (1995), in dialogue with teacher Luiz Rufino's Crossroads Pedagogy (2018),
    organized the research modes, completely involving the researcher in the
    investigation, besides allowing conceptual operations of great complexity. As a
    starting point, I will discuss the teaching-learning process experienced by me
    and the members of Terreiro Unzó ia Kisimbi ria Maza Nzambi (based in the
    municipality of Simões Filho-Ba), through the testimonials of the initiated
    people. The experiences resulting from the circularity of the Terreiro led me to

    the creation of the University Research and Extension Project at the Federal
    University of Southern Bahia, entitled Collective AFRO(en)CENA. In this project
    it was possible to conceptually experiment the Pedagogy of Afrocene Circularity
    as a proposal for the artistic formation of the scene, colliding actions at levels of:
    a) General Formation [in the artistic, cultural, historical and philosophical
    scope]; b) Scientific [five editions of Azuela: black poetics in circle]; c) Artistic
    [scenic experiment: Crossings - Transatlantic Cycles]. At the crossroads of the
    research, organized in cycles, I call for dialogue and debate intensification the
    following authors: Barbosa (2016), Cunha Junior (2002), Lima (2002, 2010,
    2011), Machado (2002, 2010, 2017), Martins (1995, 1997), Munanga (2006),
    Oliveira (2007, 2011), Petit (2015), Rosa (2013), Sodré (2017), among others.

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  • JOSÉ OLIVEIRA PARENTE
  • A vida nos traz presentes inesperados. Contribuições do objeto em processos formativos cênicos e na encenação teatral.

  • Orientador : SONIA LUCIA RANGEL
  • MEMBROS DA BANCA :
  • SONIA LUCIA RANGEL
  • RAIMUNDO MATOS DE LEAO
  • GEORGE MASCARENHAS DE OLIVEIRA
  • VALMOR NINI BELTRAME
  • MARIANNE TEZZA CONSENTINO
  • Data: 26/09/2019

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  • Esta pesquisa em artes cênicas tem por objetivo amplo investigar as possíveis contribuições do uso de objetos em processos de aprendizagem do ator, do encenador e do professor de teatro. Partindo do pressuposto básico de que o objeto pode se tornar um potente estímulo criativo, busca-se pesquisar, experimentar e verificar a viabilidade de uma série de exercícios e jogos com objetos, os quais foram aplicados em aulas e oficinas ministradas pelo pesquisador a estudantes de teatro, bem como na encenação de um espetáculo-solo com objetos, A vida nos traz presentes inesperados, quando e onde atua como pesquisador-encenador. Apresenta-se uma análise dos procedimentos adotados, com reflexão sobre os resultados alcançados, limites e possibilidades desta proposição. A pesquisa agrega ideias, propostas e fazeres do chamado teatro de objetos (uma vertente do teatro de animação contemporâneo), cruzando-as com alguns procedimentos oriundos da performance e das artes visuais, no intuito de contribuir com a formulação de uma possível metodologia de trabalho artístico centrada no objeto, podendo interessar a atores/atrizes, professores/as e encenadores/as na contemporaneidade.


  • Mostrar Abstract
  • This performing arts research aims to investigate the possible contributions of the use of objects in the learning processes of the actor, the director and the drama teacher. From the basic assumption that the object may become a potent creative stimulus, it is attempted to research, experimente, and verify the feasibility of a series of exercises and games with objects, which were applied in classes and workshops given by the research to drama students and also in the staging of a solo show with objects “A Vida Nos Traz Presentes Inesperados” when and where the author acts as a reseacher-director. An analysis of the adopted procedures is presented with reflection on the achived results, limits and possibilities of this proposition. The research aggregates ideas, proposals and actions of the so-called object theater (a strand of contemporary animation theater) crossing them with some procedures from performance and visual arts, in order to contribute to the formulation of a possible artistic work metodology focused on the objects which may interest actors/actresses, teachers and staging artists at contemporay times.

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  • NAYARA MACEDO BARBOSA DE BRITO
  • Da personagem fragmentada a um regime de atuação figural

  • Orientador : ANTONIA PEREIRA BEZERRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANTONIA PEREIRA BEZERRA
  • DIÓGENES ANDRÉ VIEIRA MACIEL
  • DJALMA THÜRLER
  • JOAO ALBERTO LIMA SANCHES
  • PAULO HENRIQUE CORREIA ALCANTARA
  • Data: 18/11/2019

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  • A personagem teatral, tal como construída pela tradição dramática aristotélico-hegeliana, já há muito deixou de ser a única configuração de ser ficcional encontrada sobre os palcos. Seu ideal de unidade, sempre buscado e igualmente frustrado ao longo da história do Teatro ocidental, como Levy-Candeias (2012) mostra, é efetivamente condenado pelas dramaturgas e dramaturgos modernos, que, por consequência, deram cabo da personagem tanto no plano ficcional quanto no plano estrutural-dramatúrgico. Embora ela ainda possa se manifestar contemporaneamente, as intervenções realizadas sobre sua configuração tradicional se desdobraram ao longo do século XX e, sob as Forças de isolamento, deformação e dissipação, chegaram a se apresentar, em peças de autoras como Gertrude Stein, Peter Handke, Valère Novarina, Marcio Abreu e Grace Passô que tomamos como objeto de análise, como Figuras, nos termos de Lyotard (1979) e Deleuze (1981). Diante da ausência das bases de apoio que, naquela tradição, asseguravam uma rede semântica com a qual atrizes (leia-se, atrizes e atores) e espectadoras (leia-se também espectadores) poderiam se orientar – a saber, a personagem enquanto uma totalidade acabada, nos termos de Hegel (2004), e a ação dramática organizada enquanto narrativa linear –, que outras bases de atuação cênica são demandadas por essas Figuras? Que desafios elas trouxeram/trazem para o trabalho das atrizes? É a essa investigação, bem como à análise da passagem da personagem aristotélico-hegeliana para a Figura, que se dedica esta tese. Na experimentação prática que também compreendeu nossa pesquisa, confrontamos o texto de Parte IV. A questão da identidade. Uma peça, de Stein (2005), com uma série de técnicas advindas de poéticas ou de pensamentos sobre o teatro que dão ao corpo, em sua materialidade física, uma ênfase que não se percebe nas formas de atuação correspondentes à tradição com a qual cotejamos nosso objeto de estudo. A autonomia da atriz em relação ao texto que essas perspectivas de atuação pressupõem, bem como a ideia de “estados” ou de “qualidades de energia” que atravessa tanto os discursos sobre os textos quanto sobre o trabalho atoral, orientam a reflexão que trazemos ao final.


  • Mostrar Abstract
  • The theatre character, as constructed by the Aristotelean-Hegelean dramatic tradition, for a while now, has no longer being the only kind of fictional being found on the stage. Its unity ideal, as searched as equally frustrated along Western Theatre`s history, as Levy-Candeias (2012) shows us, this unity ideal is effectively condemned by the modern playwritters, therefore ending the character in both fictional and structural-dramaturgical plans. Although it can still manifest itself contemporaneously, the interventions on its traditional configuration unfolded along the 20th century and, under the isolation, deformation and dissipation’s Forces, resulted, in plays of authors such as Gertrude Stein, Peter Handke, Valère Novarina, Marcio Abreu e Grace Passô – object of our analysis in this theses – in the emergence of the Figures, in Lyotard’s (1979) e Deleuze’s (1981) terms. Faced with this absence of support that, in that tradition, ensured a semantic web in which the actresses (therefore, both actresses and actors) and the spectators could guide themselves – namely, the character as an absolute totality (HEGEL, 2004) and the dramatic action organized as a linear narrative –, what other acting basis are demanded by these Figures? What challenges they have brought or bring to the actresses’ craft? It is to this investigation, as well as to the analysis of the transition between the Aristotelean-Hegelean characters to the Figures, that this thesis engage. In the practical experiment that our research also covers, we confronted the text of Part IV. The question of identity. A play, by Gertrude Stein (2005), with a series of techniques stemming from poetics or thoughts on theatre that give to the body, in its physical materiality, an emphasis not seen in the acting conventions related to the tradition we collated with our object of study. The actress’ autonomy in relation to the text theses acting perspectives presuppose, as well as the idea of “states of being” or “energy qualities” that cross the discourses about the texts as much as the ones about the actorial labor, guide the reflection that we bring at the end.

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  • JÚNIA CRISTINA PEREIRA
  • Dramaturgias de Si e do Outro: Construções Identitárias

  • Orientador : ANTONIA PEREIRA BEZERRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANTONIA PEREIRA BEZERRA
  • MARCO ANTONIO ALEXANDRE
  • MERAN MUNIZ DA COSTA VARGENS
  • NOELI TURLE DA SILVA
  • SIMONE BECKER
  • Data: 23/11/2019

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  • O presente trabalho volta seu olhar para a produção dramatúrgica da autora como produção de si mesma, considerando processos de construção dramatúrgica compartilhada como cenas de interpelação nas quais a atriz/dramaturga precisa relatar a si mesma no discurso teatral, construindo identidades como autora que se tornam visíveis nas obras criadas. Tomando como material de análise a produção da autora no campo da dramaturgia no período compreendido entre 2007 e 2015 em Belo Horizonte/MG e entre 2016 e 2019 em Dourados/MS, o trabalho busca compreender como, num primeiro momento, o gênero (mulher) e, num segundo momento, a racialização (mulher karaí, não indígena ou parda) marcam a identidade da autora que se faz visível nessas obras.Tais construções identitárias são sempre feitas na relação com os(as) outras(os) e na relação com normas que estabelecem o que é e o que não é reconhecível. O trabalho descreve, especialmente, a criação dramatúrgica da apresentação/performance Jaity Muro (Dourados, 2018) em conjunto com a artista Kaiowá Rossandra Cabreira, e a criação da performance Parda (Salvador - Belo Horizonte – Dourados, 2018). A análise de tais trabalhos, na esteira do pensamento de Judith Butler (2015a), sugere uma relação com as categorias de identidade e de alteridade na autoria dramatúrgica que reconheça o modo incompleto com que conseguimos perceber e relatar nosso próprio lugar de fala.


  • Mostrar Abstract
  • The present dissertation turns its gaze to the author’s dramaturgical production as production of herself, considering shared dramaturgical construction processes as interpellation scenes in which the actress/playwright needs to report on herself in the theatrical discourse, thus turning identity constructions visible. Taking as analysis material the author's dramaturgy production, between 2007 and 2015, in Belo Horizonte/MG, and between 2016 and 2019, in Dourados/MS, the work seeks to understand how gender (woman) and then race (karaí/non-indigenous or Brown) mark the author's identity in the construction of her pieces. Identity constructions are usually related to others and norms that establish what is (not) recognizable. The research focus special attention to the dramaturgy creation and presentation/performance Jaity Muro (Dourados, 2018) together with the Kaiowá artist Rossandra Cabreira, and the performance Parda (Salvador - Belo Horizonte - Dourados, 2018). The analysis of those pieces follows Judith Butler's thinking (2015a) on the relation identity and otherness in the dramaturgy authorship: the incomplete way we can perceive and report the place one speaks.

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  • ANITA CIONE TAVARES FERREIRA DA SILVA
  • POR UMA EXTENSÃO UNIVERSITÁRIA TRANSFORMADORA: CAMINHOS PARA UMA ABORDAGEM CRÍTICA E DIALÓGICA NA MEDIAÇÃO DA AÇÃO TEATRAL

  • Orientador : CELIDA SALUME MENDONCA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CELIDA SALUME MENDONCA
  • FABIO DAL GALLO
  • CILENE NASCIMENTO CANDA
  • MARINA HENRIQUES COUTINHO
  • PEDRO RODOLPHO JUNGERS ABIB
  • Data: 03/12/2019

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  • Esta tese consiste em uma pesquisa qualitativa que tem como objeto de investigação a mediação da ação teatral em atividades de extensão universitária. Os campos de conhecimento que este estudo compreende circulam entre as artes cênicas e a educação, relacionando-se ao objeto de estudo por um viés sociopolítico. Parte-se do questionamento a respeito de qual é a responsabilidade social da universidade pública, representada especialmente pela extensão, que integra o tripé universitário juntamente com o âmbito do ensino e da pesquisa. A extensão possui critérios e diretrizes indicados por documentos oficiais, lapidados ao longo de anos via os Fóruns de Pró-Reitores de Extensão, que definiram como esta deve atuar, e que princípios estruturadores deve seguir, como, por exemplo, o da interação dialógica. Com o fim de pesquisar uma prática de ensino teatral congruente com as diretrizes indicadas, questiona-se quais estratégias pedagógicas teatrais podem ser utilizadas para desenvolver uma prática extensionista transformadora. É travado um diálogo com autores de abordagens críticas como Paulo Freire, Augusto Boal e Bertolt Brecht e realizada uma análise sobre práticas de mediação da ação teatral capazes de serem convergentes com as normas extensionistas. A partir disto, problematiza-se se estes procedimentos estudados são úteis para serem sistematizados de forma a gerarem princípios de uma pedagogia teatral para a extensão universitária, o que ocasionou a investigação prática da pesquisa, via a criação de um curso de extensão oferecido a jovens adolescentes do município de Seabra-BA. Desta forma, a tese é estruturada essencialmente em três partes. Na primeira, investiga-se o papel social da universidade pública e sua forma de produção de conhecimento, onde são aferidas obras, artigos e trabalhos acadêmicos sobre o tema, além dos documentos normativos oficiais da extensão universitária. Na segunda parte, é aprofundado o estudo de abordagens e estratégias de mediação da ação teatral sob a ótica de um ensino transformador extensionista, como o Teatro em Comunidades. São analisadas teorias dialógicas de educação e teatro, focalizando na atitude e postura do professor. Na terceira parte, é examinada a investigação prática com o grupo-sujeito, gerando princípios para a mediação da ação teatral na extensão universitária. Os resultados da pesquisa evidenciam que as pedagogias críticas teatrais averiguadas e aplicadas em prática podem oferecer ferramentas de abordagem de ensino críticas e dialógicas, tornandose norteadoras para a edificação de uma pedagogia extensionista transformadora na mediação da ação teatral.


  • Mostrar Abstract
  •  This doctoral thesis consists of a qualitative research, which has the theatrical action mediation as its object of research in university extension activities. This study comprises the fields of knowledge that show a correlation between the performing arts and education, relating to the object of study through a socio-political lens. It begins questioning what is the social responsibility of the public university, represented especially by the extension activities, that integrate the three axes of the university, together with teaching and research. The extension activities have criteria and guidelines indicated by official documents, developed over the years through the University Extension Activities ProRectors Forums, which established how these activities should operate, and what structuring principles they should follow, such as the one of dialogic interaction. With the purpose of researching a theatrical action mediation practice consistent with the indicated guidelines, it is questioned which theatrical pedagogical strategies can be deployed to develop transformative university extension activities. A dialogue is held with authors who have critical approaches such as Paulo Freire, Augusto Boal and Bertolt Brecht and an analysis is made of theater teaching practices capable to converge to university extension regulations. From this point onwards, it is problematized if these studied procedures are useful in a way to be systematized in order to generate principles of a theatrical pedagogy for the university extension, which led to the practical part of the research, through the creation of an extension course offered to adolescents from the municipality of Seabra, a town in the state of Bahia, Brazil. Thus, this doctoral thesis is essentially structured in three parts. In the first one, the research is about the social role of the public university and its form of knowledge production, where works, articles and academic works about the theme are examined, besides the official normative documents of the university extension activities. In the second part, the study of methods and tactics of theatrical action mediation is deepened from the perspective of a transformative education through an university extension activitiy, as Community Theatre. Dialogic theories of education and theater are explored, focusing on the attitude and conduct of the teacher. In the third one, the practical part of the research with the subject group is analyzed, generating principles for the teaching of theater in the university extension. The research results show that the theatrical critical pedagogies investigated and applied in practice can offer tools to approach teaching in critical and dialogic ways, becoming the guiding principles to the construction of a transformative pedagogy for theatrical action mediation as an university extension activity.

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  • ANA CAROLINA FIALHO DE ABREU
  • Hôxwa e Llamichu: jogos cômico-críticos para o ensino de teatro e das histórias e culturas indígenas.

  • Orientador : FABIO DAL GALLO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • FABIO DAL GALLO
  • FRANCISCO EDVIGES ALBUQUERQUE
  • MARIO FERNANDO BOLOGNESI
  • Nicolás Javier Lynch Gamero
  • Rodrigo Montoya Rojas
  • Data: 05/12/2019

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  • Nesta pesquisa, compartilho a composição de jogos cômico-críticos para o ensino de teatro e das histórias e culturas indígenas a partir dos hôxwa, presentes no amjĩkĩn (ritual) Pàrti ou Jàt jõ pĩ (Festa da Batata) junto aos Krahô, que se localizam entre o rio Manoel Alves Grande e o rio Manoel Alves Pequeno, no estado do Tocantins, Brasil; e dos llamichu, presentes na Sequia Tusuy (Festa da Água) junto aos Quechua do distrito de Puquio, capital da província de Lucanas, do departamento de Ayacucho, Peru. O objetivo deste trabalho e dos jogos é problematizar a ausência, fazendo a presença de culturas e seres humanos que foram e continuam sendo mortos, negados, escravizados e subjugados, para que se (re)conheça, a partir das memórias coletivas, do riso e de seus cômicos/as rituais, os saberes compreendidos nos seus imaginários e nas suas lutas sociais. As perguntas que fundamentam a pesquisa são: Qual a importância e os valores intrínsecos ao riso entre os Krahô e os Quechua? O que os/as hôxwa e llamichu podem revelar sobre a atual luta social de seus povos? Como fazer a presença nas escolas, universidades, institutos federais e processos criativos, das histórias e culturas indígenas, pelo viés da comicidade ritual? Em relação à fundamentação teórico-conceitual, o quadro que compõe esta tese se baseia num horizonte plurirreferencial que envolve conceitos e teorias de diferentes disciplinas e áreas de conhecimento distintas, incluindo Arte, Pedagogia, Antropologia e Sociologia. Os depoimentos, entrevistas, artigos e livros dos mestres e mestras indígenas, como Ismael Ahpracti, Roberto Cahxêt, Raquel Rõrcaxa, Maria Rosa Amxôkwỳj , Maria Helena Pokwỳj, Matilde Caxêkwỳj, Renato Yahé, Hilarión Garriazo, Miguel Rivera, Nemesia Licla Ramos, Rosalino Ramos Licla, Alejo Quispe, dentre outros/as, permeiam toda a pesquisa como base teórica fundamental e caminham ao lado dos/as principais autores/as: Silvia Rivera Cusicanqui, Paulo Freire, Rodrigo Montoya, Andres Del Bosque, Ana Gabriela Morim de Lima, Mario Fernando Bolognesi e Francisco Edviges Albuquerque. Em relação à metodologia, classifica-se este trabalho como uma pesquisa narrativa, etnográfica, que se insere no campo das pesquisas qualitativas e se desenvolve com a experiência na pesquisa de campo. Conclui-se que o corpo, canal máximo de expressão dos hôxwa e llamichu, que denuncia, revela e resiste através do riso, é o ponto de partida para fomentar a criticidade, a inventividade e a alegria nas escolas e processos criativos a partir da prática cômica ritual, das histórias, lutas e culturas indígenas.

     


  • Mostrar Abstract
  • In this research, I share the composition of comical-critical games for teaching theater and indigenous histories and cultures. I emphasize on 2 comical indigenous figures. First, the hôxwa, present in the amjĩkĩn ritual, Pàrti or Jàt jõ pĩ (Batata festivity) in the Krahô culture. Krahôs are located between the Manoel Alves Grande river and the Manoel Alves Pequeno river, in the state of Tocantins- Brazil. Second, the llamichu, present in the Sequia Tusuy (Water Festivity) in Quechua culture. Quechua population located in the district of Puquio, capital of Lucanas province, in the state of Ayacucho- Peru. The main purpose of this work is to problematize the absence of indigenous cultures in academic and artistic knowledge. I aim to stand out the presence of cultures and human beings that were and continue to be killed, denied, enslaved and subjugated. So we can all know and recognize them. Beginning with their collective memories, the laughter and their comical-ritual figures, we can approach to the knowledge understood in their imaginary and in their social struggles. The questions that leads this research are: What is the importance and the values of laughter between the Krahô and Quechua people? What can the hôxwa and the llamichu reveal about the current social struggle of their people? How to make a presence in schools, universities, federal institutes and creative processes, of indigenous stories and cultures, through ritual comedy? In reference to the theoretical-conceptual foundation, this thesis is based on a multi-referential horizon that involves concepts and theories from different disciplines and areas of knowledge. This horizon includes art, pedagogy, anthropology and sociology. I dialogue with the testimonies, interviews, articles and books by indigenous masters and teachers, such as Ismael Ahpracti, Roberto Cahxêt, Raquel Rõrcaxa, Maria Rosa Amxôkwỳj, Maria Helena Pokwỳj, Matilde Caxêkwỳj, Renato Yahé, Hilarión Garriazo, Miguel Rivera, Nemesia Licla Ramos, Rosalino Ramos Licla, Alejo Quispe, among others. Their points of view are a fundamental theoretical basis and walk alongside with other main authors: Silvia Rivera Cusicanqui, Paulo Freire, Rodrigo Montoya, Andres Del Bosque, Ana Gabriela Morim de Lima, Mario Fernando Bolognesi and Francisco Edviges Albuquerque. Methodologically, this work should be understood as a narrative and ethnographic research, inserted in the perspective of qualitative research. It is developed through / with experience and field research. It concludes that the body is the maximum expression channel of the hôxwa and llamichu. The body denounces, reveals and resists through laughter. And this is the starting point to encourage critical thinking, inventiveness and joy in schools and creative processes, based on comical-ritual practices, stories, struggles and indigenous cultures.

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  • IGOR EMANUEL DE ALMEIDA SCHIAVO
  • A INCLUSÃO DO TEATRO DE RUA NO ENSINO SUPERIOR: UMA EXPERIÊNCIA METODOLÓGICA NO CURSO DE ARTES CÊNICAS DA UNIVERSIDADE FEDERAL DA GRANDE DOURADOS

  • Orientador : FABIO DAL GALLO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • DENISE MARIA BARRETO COUTINHO
  • ELIENE BENICIO AMANCIO COSTA
  • FABIO DAL GALLO
  • MARGARIDA GANDARA RAUEN
  • TONI EDSON COSTA SANTOS
  • Data: 10/12/2019

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  • Esta tese versa sobre a inclusão do componente curricular eletivo Teatro de Rua no curso de graduação em Artes Cênicas da Universidade Federal da Grande Dourados. O objetivo da pesquisa foi realizar e analisar uma proposta metodológica experimental que articulou três características: relação com o espaço de representação, interação com o público, estado de prontidão de atores e atrizes.  Essa articulação permitiu o exercício da coletividade nas práticas teatrais e na conexão de três eixos dramatúrgicos relacionados ao trabalho com Teatro de Rua no Brasil, utilizados na construção de cenas e na compreensão de variadas formas do fazer teatral na rua. Foram eles: dramaturgias vinculadas às experiências da cultura popular, do teatro comprometido com a crítica social e das práticas que se utilizam de apropriação do espaço aberto na criação. Participaram da pesquisa 18 estudantes matriculados no componente curricular eletivo Teatro de Rua, no primeiro semestre de 2018, na UFGD. A proposta metodológica experimental envolveu contextualização histórica, formal, atuação para Teatro de Rua e vivências das teatralidades de rua na formação acadêmica em Artes Cênicas.  Os encontros, que foram divididos em blocos de diferentes vertentes dramatúrgicas permitiram a vivência em diferentes campos do fazer teatral de rua, importante componente na formação acadêmica em Artes Cênicas. O processo foi realizado em 13 encontros, em sala de aula fechada e ambientes externos à Universidade, com a manutenção de debates e escritos reflexivos diários. Por meio dos relatos dos participantes, pude analisar o processo do semestre e constatar a eficiência do método de  trabalho.


  • Mostrar Abstract
  • This thesis addresses the inclusion of the elective curriculum component Street Theater in the undergraduate course of Performing Arts, at the Federal University of Grande Dourados. The research objective was to carry out and analyze and experimental methodological proposal, which articulated three characteristics: relationship with the representation space, interaction with the audience, readiness state of actors and actresses. Such articulation  allowed for the exercise of collectivity in theatrical practices and the connection of three dramaturgical axes related to the work with Street Theater in Brazil, used in the construction of scenes and in the understanding of various forms  of doing theater in the street, namely : dramaturgies linked to the experiences of popular culture, theatre committed to social criticism and practices  that use open space appropriation in creation. The research participants were 18 students who were enrolled in the elective curriculum component Street Theater, in the first semester of 2018 at UFGD. As object of studies, Street Theater. And experimental methodological proposal that involved historical, formal contextualization , performance for Street Theater and experiences of Street Theater in academic formation in Performing Arts. The meetings, which were divided into blocks of different dramaturgical aspects made possible the experience in different fields of Street Theater making, an important component in academic formation in Performing Arts. The process was carried out in 13 meetings, in a classroom and outside the University, with the maintenance of daily reflective debates and writings. The participants’ testimonials enabled me to analyze the semester’s process and to verify the efficacy of the work method.

2018
Dissertações
1
  • AMANDA DE SAMPAIO ALVES DUARTE
  • E SE NÓS DECIDIRMOS JUNTOS?: UMA PROPOSTA DE CRIAÇÃO TEATRAL COMPARTILHADA DENTRO DA EDUCAÇÃO FORMAL

  • Orientador : PAULO HENRIQUE CORREIA ALCANTARA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • HEBE ALVES DA SILVA
  • PAULO HENRIQUE CORREIA ALCANTARA
  • VICENTE CONCÍLIO
  • Data: 31/07/2018

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  • Fruto do mestrado acadêmico realizado no Programa de Pós-graduação em Artes Cênicas da Universidade Federal da Bahia, a dissertação apresenta uma pesquisa-ação que se empenha em aproximar duas instâncias diferentes da prática teatral: o Process drama - método de ensino de origem inglesa, especializada no trabalho com crianças e adolescentes - e os processos de criação compartilhada - modelos organizacionais utilizados, prioritariamente, nas companhias profissionais. Para começarmos a discussão, nos dedicamos a entender a evolução histórica de cada procedimento, a analisar as ferramentas de que fazem uso para tornar possível suas visões e a explicar para o leitor qual, dentre todas as abordagens possíveis em cada método, é aquela que melhor se adequa à prática que propomos. Por isso, dialogamos com alguns dos principais autores que refletiram sobre as estratégias antes de nós: Beatriz Cabral (2006), Gavin Bolton (2007), David Hornbrook (1991), Flávio Desgranges (2006), Heloise Vidor (2010), Antônio Araújo (2009), Evill Rebouças (2009), Vicente Concílio (2010), Stela Fischer (2003), Rafael Ary (2015), Hamilton Vaz Pereira (2009), Valéria Maria de Oliveira (2005). Ao colocá-los lado a lado, abrimos a oportunidade de olhar para as características que os aproximam e as características que os afastam, podendo vislumbrar uma associação entre ambos que nos permita projetar uma abordagem do ensino de teatro, dentro da educação básica e pública, que se aproxime da prática cênica realizada no meio profissional. Considerando que essa imersão não estaria completa se estivesse limitada apenas a uma aproximação teórica, realizamos uma oficina de oito meses, no contra turno das aulas regulares, com estudantes de 11 e 12 anos, na Escola Municipal São Braz, localizada na cidade de Salvador. Durante 22 encontros, realizamos um mergulho no fazer coletivo ao criarmos, com o máximo de horizontalidade possível nesse contexto, uma apresentação pública, com produção de dramaturgia e de encenação próprias, baseada no romance Mar Morto, do escritor baiano Jorge Amado. Nesse percurso, pudemos abrir questionamentos acerca das potencialidades e das dificuldades de se realizar um processo criativo em compartilhamento, por meio dos dispositivos que selecionamos, no interior de uma estrutura escolar ainda hierarquizada.


  • Mostrar Abstract
  • As a result of the academic master's degree in the Postgraduate Program in Performing Arts of the Federal University of Bahia, this dissertation presents an action research that strives to approach two different instances of theatrical practice: Process drama - specialized in working with children and adolescents - and the processes of shared creation - organizational models used, as a priority, in professional companies. To begin the discussion, we set out to understand the historical evolution of each procedure, to analyze the tools they use to make their views possible, and to explain to the reader which of all possible approaches in each method is the one that is best appropriate to the practice that we propose. For this reason, we have dialogues with some of the main authors that reflected on the strategies before us: Beatriz Cabral (2006), Gavin Bolton (2007), David Hornbrook (1991), Flávio Desgranges (2006), Heloise Vidor (2005), Stella Fischer (2003), Rafael Ary (2015), Hamilton Vaz Pereira (2009), Valéria Maria de Oliveira (2005) and Evill Rebouças (2009). By putting them side by side, we have the opportunity to look at the characteristics that approach them and the characteristics that keep them apart and can see an association between both that allows us to design an approach to theater teaching, within basic and public education, that approach the scenic practice performed in the professional environment. Considering that this immersion would not be complete if it were only limited to a theoretical approach, we carried out an eight-month workshop in the evening of regular classes with students aged 11 and 12 at the São Braz Municipal School, located in the city of Salvador. During the 22 meetings, we took a dip in collective making by creating, with the maximum of horizontality possible in this context, a public presentation, with the production of own dramaturgy and staging, based on the novel Mar Morto, by the Bahian writer Jorge Amado. In this course, we were able to open questions about the potentialities and difficulties of performing a creative process in sharing, through the devices that we have selected, within a hierarchical school structure.

2
  • JOYCE SANGOLETE CHAIMSOHN
  • ENCENANDO GÊNERO EM ESPAÇO DE CONFIANÇA: EXPERIÊNCIAS PEDAGÓGICAS E TEATRAIS COM ADOLESCENTES

  • Orientador : ANTONIA PEREIRA BEZERRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANTONIA PEREIRA BEZERRA
  • GEORGE MASCARENHAS DE OLIVEIRA
  • MARIANA BERLANGA GAYÓN
  • Data: 01/08/2018

  • Mostrar Resumo
  • Apresentam-se narrações e inquietações a partir de uma prática realizada com adolescentes, alunas/os do Ensino Médio no Colégio Thales de Azevedo, no período de outubro de 2016 a dezembro de 2017, cujo objetivo principal foi desenvolver um processo pedagógico teatral utilizando experiências de ensino-aprendizagem especialmente as relacionadas ao teatro, de maneira a investigar como podem contribuir numa abordagem de questões sobre gênero, sexualidade e raça. Como uma das estratégias metodológicas, utilizou-se a aplicação de elementos do Teatro do Oprimido, método criado por Augusto Boal que tem base no entendimento de que todos os sujeitos nele envolvidos podem levar para a cena várias questões sociais. Buscou-se investigar as potencialidades de um efetivo diálogo entre pedagogia do teatro, educação disruptiva e estudos sobre gênero, sexualidade e raça no processo de aprendizagem e desenvolvimento social de adolescentes alunos/as do ensino médio. Considera-se que para a realização de um processo pedagógico teatral, voltado para o trabalho com opressões, é preciso, antes de qualquer coisa, criar um espaço de liberdade e confiança, e isso exige abertura ao diálogo. 


  • Mostrar Abstract
  • Se presentan narraciones e inquietudes a partir de una práctica realizada con adolescentes, alumnas/os de la secundaria en el Colegio Thales de Azevedo, en el período de octubre del 2016 a diciembre de 2017, cuyo objetivo principal fue desarrollar un proceso pedagógico teatral utilizando experiencias de la enseñanza e aprendizaje especialmente las relacionadas al teatro, de modo a investigar cómo pueden contribuir en un enfoque de cuestiones sobre género, sexualidad y raza. Como una de las estrategias metodológicas, se utilizó la aplicación de elementos del Teatro do Oprimido, método creado por Augusto Boal que tiene base en el entendimiento de que todos los sujetos en él involucrados pueden llevar a escena varias cuestiones sociales. Se buscó investigar las potencialidades de un efectivo diálogo entre pedagogía del teatro, educación disruptiva y estudios sobre género, sexualidad y raza en el proceso de aprendizaje y desarrollo social de adolescentes alumnos/as de la secundaria. Se considera que para la realización de un proceso pedagógico teatral, orientado al trabajo con opresiones, es necesario, antes de cualquier cosa, crear un espacio de libertad y confianza, y eso exige abertura al diálogo. 

3
  • LIZ NOVAIS PINHEIRO
  •  Cordel do Sonho Sem Fim: Processo de Criação em Teatro com Abordagem Colaborativa no Ensino Formal

  • Orientador : CELIDA SALUME MENDONCA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CECILIA BASTOS DA COSTA ACCIOLY
  • CELIDA SALUME MENDONCA
  • PAULO HENRIQUE CORREIA ALCANTARA
  • Data: 20/08/2018

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  • Esta dissertação de mestrado aborda temas como o sonho, o ensino de teatro na escola e o processo colaborativo de criação cênica. A partir da discussão dos pressupostos inspirados no modo de criação colaborativa no contexto da escola, são constituídas as abordagens colaborativas como recursos metodológicos na construção de um percurso criativo-pedagógico realizado na Escola Experimental, instituição privada de ensino básico, em Salvador-BA. A experiência vivenciada por alunos do 5º ano do Ensino Fundamental foi realizada no currículo formal da escola, teve duração média de seis meses e desembocou no resultado cênico denominado Cordel do sonho sem fim, adaptação livre do texto teatral Cordel do amor sem fim, de Cláudia Barral. A reflexão teórico-prática presente nessa pesquisa visa orientar e inspirar professores de teatro em possibilidades de práticas criativas de caráter colaborativo no seu fazer pedagógico. No primeiro capítulo, de caráter introdutório, se apresenta o trajeto criativo da autora, que leva às origens da sua relação com os temas sonho, escola e colaboração e se aborda a noção de sonho a partir da metodologia Dragon Dreaming de elaboração de projetos colaborativos. No segundo capitulo se traça um panorama teórico sobre o ensino de arte no Brasil e se contextualiza a Escola Experimental, discutindo as adaptações da proposta de ensino e do planejamento, bem como as dificuldades e soluções encontradas. No terceiro capítulo se desenvolve o relato reflexivo da experiência em sala de aula, dividindo as escolhas e dúvidas do percurso criativo e as implicações pedagógicas. No quarto capítulo se apresenta uma discussão permeada por depoimentos, registros dos alunos durante o processo e questionários realizados com a professora de teatro e com a coordenadora pedagógica da escola a fim de avaliar escritos dos atores sobre o processo e delinear os pormenores da criação e da sala de aula. Conclui-se este trabalho com reflexões sobre a viabilidade dessas abordagens colaborativas no contexto do teatro no ensino formal e sobre o papel do professor na proposição de práticas mais horizontais no ensino de teatro na escola – na perspectiva de valorização das subjetividades do aluno.


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  • This master’s thesis addresses topics as the dream, the acting teaching at school and the collaborative process of scenic creation. The discussion of the assumptions inspired by the scenic collaborative creation way in the school context incorporates the collaborative approaches as methodological tools in the construction of a creative/pedagogic path, which took place at the Experimental School, a private institution of primary education in Salvador-BA. The practice experienced by students of a Primary Grade 5 class took place in the formal curriculum at the school, lasted six months on average and lead to the scenic result called Cordel do Sonho sem Fim, a free adaptation of the theatrical text Cordel do Amor sem Fim, by Cláudia Barral. The theory/practical reflection present in this research aims to inspire and guide acting teachers through possibilities to develop creative practices of collaborative nature in their pedagogical work. In the first chapter, introductory in nature, the research presents the creative path of the author, leading to the origin of her relationship with the topics dream, school and cooperation. It also addresses the sense of dream from the methodology Dragon Dreaming, for the preparation of collaborative projects. In the second chapter, it traces a theoretical overview of the art teaching in Brazil and puts the Escola Experimental in context, discussing the adaptations of the teaching and planning proposal, as well as the challenges and solutions found. In the third chapter, the research sets out the reflexive report of the experience inside the classroom, dividing the choices and doubts of the creative path and the pedagogical implications. In the fourth chapter, it presents a discussion permeated by statements, records of the students during the process and surveys conducted along with the acting teacher and the pedagogical coordinator of the school, in order to rate writings of the actors under the process and outline the particulars of the creation and the classroom. This present study concludes with reflections about the feasibility of these collaborative approaches in the context of theater in formal education and about the teacher’s role on the proposition of more horizontal practices when it comes to the acting teaching in school – under the perspective of appreciation of the learner’s subjectivities.

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  • CAIO LINCOLN SANTOS ARAÚJO
  • UM JOGO DE CONCEITOS NO TEATRO FÍSICO DE FÁBIO VIDAL

  • Orientador : ERICO JOSE SOUZA DE OLIVEIRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ERICO JOSE SOUZA DE OLIVEIRA
  • LEONARDO VINCENZO BOCCIA
  • LÚCIA REGINA VIEIRA ROMANO
  • Data: 20/09/2018

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  • Analisa os processos de fractalização e multiplicação cênicos do corpo do atorperformer Fábio Vidal em cena nos seus dois espetáculos solos — “Joelma” (2013) e “Sebastião” (2010) — e os insere num jogo de conceitos que transitam entre: o teatro físico de Lúcia Romano, no que tange os modos do fazer cênico pós-modernos; os estudos biopolíticos de Michel Foucault, Judith Butler e Durval Muniz Albuquerque Jr., acerca das interdições sobre o corpo social e suas questões identitárias heterotópicas; a filosofia de conceitos de Gilles Deleuze, Félix Guattari e Daniel Lins, quanto ao devir e aos afetos; e as contraculturas antropófagas da tropicália e do manguebeat no país, quanto à relação desse modo de fazer teatral com uma contracultura que se transforma; para encontrar sentidos possíveis do que pode o corpo neste teatro e para além dele. Trata-se de uma pesquisa de caráter genealógico, heterotópico e antropófago no terreno da linguagem cênica e dos estudos culturais sobre o teatro físico do atuante. Faz uso de vídeos das obras, além das experiências em tê-las assistido presencialmente, de sua dissertação de mestrado e entrevista, de artigos de revistas indexadas e de sites, de livros, de músicas e de filmes para entender as possibilidades que o teatro físico, e os estudos culturais nos quais se insere, legaram ao corpo uma linguagem que radicaliza e supera os sistemas linguísticos e rompe com os modos de vida metafísicos e capitalistas.


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  • This work aims to analyze the processes of fragmentation and scenic multiplication of the body of actor-performer Fábio Vidal in his two solo shows "Joelma" (2013) and "Sebastião" (2010) and insert them in a game of concepts that move among the physical theater of Lúcia Romano regarding the modes of the postmodern scenic doing; the biopolitical studies of Michel Foucault, Judith Butler and Durval Muniz Albuquerque Jr about the interdictions on the social body and its heterotopic identity issues; the philosophy of concepts of Gilles Deleuze, Félix Guattari and Daniel Lins, about the becoming and the affections; and the anthropophagous countercultures of tropicália and manguebeat in the country, as to the relations of this theatrical doing to the counter culture that transforms itself in an attempt try to find possible meanings of what the body can do in this type of theater and beyond. This research is a genealogic, heterotopic and anthropophagic one in the field of scenic language and Cultural Studies about the physical theater of the Acting - Actor. The use of vídeos and magaznes as well as academic articles, web sites, books, musics, movies in order to understand the possibilities that the physical theater, and the cultural studies in which it is inserted, bequeathed to the body a language that radicalizes and surpasses the linguistic systems and breaks with the metaphysical and capitalist ways of life.

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  • ÁGATHA SIMAS SOUZA
  • Alàfia: A (in)visibilidade das danças de motrizes africanas nos processos metodológicos dos professores de dança em escolas da Rede Municipal de Salvador/BA.

  • Orientador : LUIZ CLAUDIO CAJAIBA SOARES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • AMELIA VITORIA DE SOUZA CONRADO
  • LUIZ CLAUDIO CAJAIBA SOARES
  • MARILZA OLIVEIRA DA SILVA
  • RENATA DE LIMA SILVA
  • Data: 17/12/2018

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  • A colonização e a diáspora africana no Brasil configuraram a diversidade populacional que, hoje, compõe o cenário local. A pluralidade cultural expressa nas práticas cotidianas do povo brasileiro e soteropolitano revela o misto de legados que aqui se firmaram herdando influências sobre dança, música, canto, batuque e religião. Muitas dessas expressões sofreram discriminação e repressão, principalmente por serem aquisições de motrizes negras, sendo perseguidas e censuradas por muito tempo, difundindo-se por meio de protesto e mobilizações de resistência do que nos é oriundo. As formas de preconceito ao negro e a suas referências em espaço escolar incitam as fragilidades do sistema educacional nacional e soteropolitano, aguçando o desejo de entendimento das premissas da imparcialidade das diretrizes nacionais, na promulgação de uma formação identitária própria e assertiva na desmistificação dos moldes sociais desiguais de percepção da realidade na qual estamos inseridos. As danças de motrizes africanas, com todo seu pertencimento, atuação e vivacidade em cenário soteropolitano, revelam ações tímidas para seu reconhecimento e prática no espaço educacional. Faço, então, uma breve análise dos processos metodológicos de professores de dança da Rede Municipal de Salvador, Bahia, para identificar como as danças de motrizes africanas são trabalhadas nas práxis pedagógicas, as alternativas de sua visibilidade ou invisibilidade em meios às adversidades de seu contexto de imersão.Utilizando a perspectiva metodológica da abordagem qualitativa, fundamentada pelas questões relacionadas à formação humana e ao saber popular, dialogo com autores como: Luz (2011), Gonçalves e Gonçalves (2006), Munanga (1999, 2005), Nogueira (2006), Hall (2003), Ribeiro (2017) e Santos (2015). Os instrumentos metodológicos de observação e entrevista foram requisitos para categorizar premissas que ratificaram a (in)visibilidade das danças de motrizes africanas nos processos metodológicos dos professores de dança da rede, asilando nas entrelinhas do sistema o racismo institucionalizado em sinais de desarticulação local.


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  • The colonization and the African diaspora in Brazil configured the population diversity that, today, composes the local scenario. The cultural plurality expressed in the daily practices of the Brazilian and Soteropolitan people reveals the mix of legacies that have been established here inheriting influences on dance, music, singing, batuque and religion. Many of these expressions suffered discrimination and repression, mainly because they are acquisitions of black drivers, being persecuted and censored for a long time, spreading through protest and mobilizations of resistance from which we come. The forms of black prejudice and their references in school space incite the weaknesses of the national and soteropolitan educational system, sharpen the desire to understand the premises of the impartiality of the national guidelines, in the promulgation of a proper and assertive identity formation in the demystification of the unequal social patterns of perception of reality to which we are inserted. The dances of African motives, with all their belonging, performance and liveliness in a Soteropolitan scenario reveal timid actions for their recognition and practice in the educational space. I then make a brief analysis of the methodological processes of dance teachers of the Salvador / Bahia Municipal Network to identify how the African motive dances are worked in pedagogical praxis, the alternatives of their visibility or invisibility in means to the adversities of their context of immersion. Using the methodological perspective of the qualitative approach, based on the issues related to human formation, popular knowledge dialogue with authors such as: Luz (2011), Gonçalves and Gonçalves (2006), Munanga (1999, 2005), Nogueira (2006), Hall (2003), Ribeiro (2017) and Santos (2015). The methodological tools of observing and interviewing were requirements to categorize assumptions that ratified the (in)visibility of the dances of African motives in the methodological processes of the dance teachers of the network, isolating in the lines of the system the institutionalized racism in signs of local disarticulation.


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  • LARISSA LACERDA DA SILVA ARAÚJO
  • ...nenhuma carta: um processo de criação do luto à cena
  • Orientador : GEORGE MASCARENHAS DE OLIVEIRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • GEORGE MASCARENHAS DE OLIVEIRA
  • HEBE ALVES DA SILVA
  • HECTOR ANDRES BRIONES VASQUEZ
  • Data: 17/12/2018

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  • Como se encena a morte? E um suicídio? O que fica quando se dissipam as fronteiras entre a ficção e a vida: um recorte de um pedaço de passado revivido na experiência do instante em que se conta? Partindo dessas perguntas desenvolveu-se “...nenhuma carta: um processo de criação do luto à cena”. Fruto de uma pesquisa de natureza teórico-prática, a dissertação propõe-se a ler o processo de criação da encenação nenhuma carta: celebração ao poeta Alexandre Coutinho, de Larissa Lacerda.


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  • How is death staged? And a suicide? What remains when they dissipate as frontiers between fiction and life: a cut from a piece of the past revived in the experience of the instant that is told? Leaving the meetings promoted "... no letter: a process of creating mourning to the scene". As a result of a research of theoretical-practical nature, a dissertation proposes the process of creating the staging not a letter: unlike Alexandre Alexandre Coutinho, Larissa Lacerda.

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  • PEDRO HENRIQUE LIRA VILELA
  •  TREMA! FESTIVAL – caminhos para construção de uma utopia.

  • Orientador : DEOLINDA CATARINA FRANCA DE VILHENA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • DEOLINDA CATARINA FRANCA DE VILHENA
  • ELTON BRUNO SOARES DE SIQUEIRA
  • HEBE ALVES DA SILVA
  • Data: 20/12/2018

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  • Trata este estudo de uma análise sobre o modo de gestão e produção do TREMA! Festival de Teatro, sediado no Recife, capital pernambucana. A pesquisa se propõe a investigar como este Festival vem sendo desenvolvido ao longo dos anos, enfrentando diferentes questões que interferem diretamente na continuidade de suas ações. Para isto, traço inicialmente um percurso que visa contextualizar a importância dos festivais de teatro em diferentes sociedades, assim como remonto as bases históricas que acabaram por definir marcos da noção curatorial do evento. No segundo momento, apresento o modelo de tipologia e gestão de festivais propostos pelo autor espanhol Lluís Bonet – territorialidade, institucionalidade, pressuposto econômico e linha artística – aplicando-os não só ao objeto central do estudo, o TREMA! Festival, como em diferentes contextos, possibilitando, assim, a ampliação do olhar para o problemachave. Por fim, recorro ao acervo do TREMA! Festival, revirando também o baú de minhas memórias, com o intuito de remontar esta trajetória de sobrevivência ao longo de seis edições. Este estudo de caso nos demonstra a capacidade que os festivais cênicos brasileiros têm em encontrar mecanismos que subvertem toda a lógica contrária à sua existência, sendo importantes agentes de resistência no campo cultural do país.


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  • Se trata este estudio de un análisis sobre el modo de gestión y producción del TREMA! Festival de Teatro, con sede en Recife, capital pernambucana. La investigación se propone investigar cómo este Festival viene siendo desarrollado a lo largo de los años, enfrentando diferentes cuestiones que interfieren directamente en la continuidad de sus acciones. Para ello, traza inicialmente un recorrido que pretende contextualizar la importancia de los festivales de teatro en diferentes sociedades, así como remonta las bases históricas que acabaron por definir marcos de la noción curatorial del evento. En el segundo momento, presento el modelo de tipología y gestión de festivales propuestos por el autor español Lluís Bonet - territorialidad, institucionalidad, presupuesto económico y línea artística - aplicándolos no sólo al objeto central del estudio, el TREMA! Festival, como en diferentes contextos, posibilitando así la ampliación de la mirada al problema clave. Por último, recurre al acervo del TREMA! Festival, escaneo también el baúl de mis memorias, con el propósito de remontar esta trayectoria de supervivencia a lo largo de seis ediciones. Este estudio de caso nos demuestra la capacidad que los festivales escénicos brasileños tienen en encontrar mecanismos que subvierten toda lógica contraria a su existencia, siendo importantes agentes de resistencia en el campo cultural del país.

Teses
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  • CAMILA MARIA GRAZIELLE FREITAS
  • VIDA E FICÇÃO EM STRINDBERG: UMA LEITURA  AUTOBIOGRÁFICA 

  • Orientador : CASSIA DOLORES COSTA LOPES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ALEX BEIGUI DE PAIVA CAVALCANTE
  • ANTONIA PEREIRA BEZERRA
  • CASSIA DOLORES COSTA LOPES
  • MARIA APARECIDA JUNQUEIRA
  • MARIA ANTÔNIA RAMOS COUTINHO
  • Data: 26/04/2018

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  • A presente pesquisa volta-se para a leitura do autor sueco August Strindberg (18491912) de modo com que sejam investigadas as relações existentes entre a sua vida e a sua obra. O enfoque autobiográfico (ARFUCH, 2010; SOUZA, 2011), escolhido como diretriz analítica, segue os estudos desenvolvidos pela crítica literária contemporânea, alicerçada sob a concepção de escrita híbrida e baseada nas interações entre os elementos ficcionais e reais (RICOUER, 2007) na criação artística. Nesse sentido, o escritor desponta como objeto de análise a partir da leitura das diferentes linguagens produzidas por ele e abordadas ao longo deste trabalho. Em meio a esse cenário, cada capítulo conta com estudos de obras (prosa, diário, fotografia, carta e dramaturgia) de Strindberg, apresentando ao leitor o projeto de reinvenção do eu pensado pelo autor, tendo em vista a perspectiva de construção de si mesmo através da arte.


  • Mostrar Abstract
  • The following research is centered on the writings of the swede author August Strindberg (1849-1912), focusing on the investigation of the relation between his life and his works. The autobiographical approach (ARFUCH, 2010; SOUZA, 2011) chosen as the analitycal directive follows the works produced by the contemporary literary criticism, founded on the conception of hybrid writing and based on the interactions between the fictional and the realistic elements (RICOUER, 2007) in the artistic production. On these terms the author is pointed out as the analysis object in the reading of the various languages he created, which are the locus of the present work. Playing in this stage, each chapter brings the analysis of Strindbergs’ works (prose, diary, photography, letters and dramaturgy), making the reader acquainted to the project of reinvention of the self designed by the author, keeping in sight the perspective of selfinvention through the art.

2
  • LUCIANA REIS COMIN
  • OS VANGUARDAS: O PERCURSO CRIATIVO DE UMA NARRATIVA EXPANDIDA PARA CRIANÇAS 

  • Orientador : MARIA APARECIDA JUNQUEIRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • MARIA APARECIDA JUNQUEIRA
  • MARIA CARMEN JACOB DE SOUZA
  • MONICA DE MENEZES SANTOS
  • PAULA ALICE BAPTISTA BORGES
  • PAULO HENRIQUE CORREIA ALCANTARA
  • Data: 27/04/2018

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  • O trabalho que aqui apresento é o resultado de criação e pesquisa desenvolvido há alguns anos numa trajetória que busca compreender os processos de criação dramatúrgica aliada à crítica e teoria, bem como suas relações com os agentes externos à obra, seja o público a quem ela se destina, seja o contexto de mercado ao qual ela deve ser submetida. O público para o qual tenho oferecido minhas narrativas é o da infância e juventude. O trabalho aqui desenvolvido compreende crianças entre sete e onze anos, um recorte de idade que gera demandas de pesquisa especificas e relevantes. A inspiração para a criação também está relacionada ao universo da infância e a maneira como as crianças constroem seus mundos, associam imagens, e se alimentam de imaginação. A base para a pesquisa de um processo de criação foi pautada em estudos de percursos criativos de autores como Cecilia Salles, Rubens Rewald, e John Dewey, nos quais salienta-se a importância da experiência estética tanto do criador quanto do espectador, traçando uma trajetória de criação que alia biografia, memória e conexões externas à obra. Sobre as influências externas, traçamos um panorama sobre as narrativas das séries televisivas, que, devido a várias circunstâncias aqui estudadas, dentre elas as mudanças tecnológicas provenientes da era digital, têm alcançado cada vez mais complexidade e expansão. Dentro desta conjuntura, analisamos as narrativas produzidas para crianças e o lugar das infâncias nas diversas telas disponíveis para sua interação. Concomitante a estas reflexões, é elaborada a narrativa expandida Os Vanguardas, que, por ora, está desenvolvida em formato de série de animação para crianças de 7 a 11 anos. A tese está dividida em duas partes: na primeira abordamos aspectos das narrativas complexas, expandidas e transmídias no audiovisual contemporâneo; alternativas de estruturação para uma narrativa com potencialidades transmidiáticas e a criação de um universo ficcional em expansão. Na segunda parte, será discutido o percurso criativo da narrativa Os Vanguardas, aliando teoria e prática na construção da obra. No último capítulo, apresento o material criativo desenvolvido ao longo da pesquisa. Por fim, o presente trabalho busca relacionar a pesquisa teórica, o estudo da audiência e o contexto do mercado audiovisual, já que, paralelamente à pesquisa, o projeto segue em desenvolvimento com expectativas de lançamento no circuito nacional.


  • Mostrar Abstract
  • The work I present here is the result of creation and research developed a few years ago in a trajectory that seeks to understand the processes of dramaturgical creation allied to criticism and theory, as well as its relations with agents external to the work, be the audience to whom it the market context to which it must be submitted. The audience for which I offer my narratives is that of childhood and youth, and the work developed here comprises children between the ages of seven and eleven, an age cut that generates specific and relevant research demands. Inspiration for creation is also related to the universe of childhood and the way children construct their worlds, associate images, and feed on imagination. The basis for the research of a creative process is based on creative path studies by authors such as Cecilia Salles, Rubens Rewald, and John Dewey, in which the importance of the aesthetic experience of both creator and receiver is highlighted, tracing a path creation that combines biography, memory and external connections to the work. Regarding external influences, we present an overview of the narratives of the television series, which, due to various circumstances studied here, among them technological changes from the digital age, have reached increasingly more complexity and expansion. Within this context, we analyze the narratives produced for children and the place of childhood in the various screens available for their interaction. Concomitant with these reflections, the elaborate narrative The Vanguards is elaborated, which, for the time being, is developed as a s animation series for children from 7 to 11 years. The thesis is divided in two parts: in the first one we deal with aspects of the complex narratives, expanded and transmits in the contemporary audiovisual; structural alternatives to a narrative with transmissive potentialities and the creation of an expanding fictional universe. In the second part, we will discuss the creative course of the narrative The Vanguards, combining theory and practice in the construction of the work. In the last chapter, I present the creative material developed throughout the research. Finally, the present work seeks to relate the theoretical research, the study of the audience and the market view, since, in parallel with the development of the research, the project follows the course of development in audiovisual production company with expectations of launch in the market.

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  • GILDON OLIVEIRA SILVA
  • CASO DIVINA: SÉRIE DE FICÇÃO TELEVISIVA E SEU TRAJETO CRIATIVO

  • Orientador : MARIA APARECIDA JUNQUEIRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • MARIA APARECIDA JUNQUEIRA
  • MARCOS BARBOSA DE ALBUQUERQUE
  • MARIA CARMEN JACOB DE SOUZA
  • PAULA ALICE BAPTISTA BORGES
  • RAIMUNDO MATOS DE LEAO
  • Data: 22/06/2018

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  • Este trabalho apresenta reflexões teórico-críticas a partir do trajeto de criação do projeto da
    série de ficção Caso Divina, que se insere no gênero policial investigativo, com sete episódios
    por temporada, média de duração de 60 minutos por episódio, abordando a temática de crimes
    de ódio. Foram considerados alguns eixos norteadores para a análise e discussão dessa obra
    artística, em seu processo de elaboração. Dentre eles, destacam-se: a necessidade de
    compreensão das circunstâncias concretas de produção e veiculação que podem condicionar
    os contornos da obra para inserção no campo audiovisual; as questões relativas à autoria nesse
    campo específico, ou seja, o modo de participação e as práticas profissionais do roteirista na
    criação e no desenvolvimento da ficção seriada audiovisual; a reiteração de certos padrões de
    composição das séries de ficção, que colocam o desafio de manter certas referências para o
    espectador, e ao mesmo tempo apostar em inovações dramatúrgicas no engendramento de
    estratégias para atrair e manter o interesse da audiência; o uso de elementos de organização
    da narrativa que possam prolongar a exibição da série, criando maior dependência entre os
    episódios; a exploração da personagem como recurso dramático e instância ficcional
    intimamente ligada à tessitura da intriga e à composição dos diálogos. A sinopse de Caso
    Divina apresentada na Parte II desta tese consta de: storyline; arcos dramáticos; descrição da
    trama principal e das tramas secundárias; sinopses dos episódios, perfil das personagens; lista
    de cenários e locações e o roteiro do primeiro episódio da temporada.


  • Mostrar Abstract
  • This work presents theoretical and critical considerations stemming from the creative process
    of the project for the fiction series Caso Divina. Inserted in the detective fiction genre, Caso
    Divina consists of seven sixty minute episodes per season and approaches themes related to
    hate crimes. A few guiding axis were considered for the analysis and discussion of this artistic
    work in its creation process. Some of the most relevant are: the necessity to understand the
    practical production and broadcasting circumstances, that may restrict the outlines of the work
    to be inserted in the audiovisual sector; issues related to authorship in this particular field, that
    is, the form of participation and the professional practises of the screenwriter in the creation
    and development of the audiovisual fiction; the reiteration of certain fiction series
    composition patterns, that put forth the challenge to preserve a range of references for the
    spectators (interpretative repertoire) and simultaneously gamble on in dramaturgical
    innovations in the engineering of strategies to attract and keep audience ratings up; the use of
    narrative organization elements that may extend the broadcasting of the series, generating a
    greater dependence between episodes; the exploring of the character as a dramatic resource
    and fictional body intimately linked to the tessitura of the plot and to the dialogue
    composition. The synopsis of Caso Divina, presented on the Part II of the present thesis,
    comprises: storyline; dramatic arcs; main and secondary plot descriptions; episode synopses,
    character profiles; set and venue/location list and the screenplay for the first episode of the
    first season.

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  • ELIZABETH ISAACS DOUD
  • A FÁBRICA DE LÁGRIMAS DE SEREIA: LABORATÓRIO DE ECOPERFORMANCE

  • Orientador : SUZANA MARIA COELHO MARTINS
  • MEMBROS DA BANCA :
  • AUGUSTO MINERVINO NETTO
  • CIANE FERNANDES
  • FABIO BATISTA LIMA
  • GILSAMARA MOURA
  • MARTIN DOMECQ
  • SUZANA MARIA COELHO MARTINS
  • Data: 04/07/2018

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  • Esta tese apresenta ideias e reflexões sobre o papel do artista performer no movimento sócio-político-cultural sobre as crises de mudanças climáticas e a poluição dos oceanos e mares. Com enfoque nas práticas das artes cênicas e, principalmente, através da performance, a pesquisa elaborou projeto de encenação como laboratório na criação de ecoperformance intitulada A Fábrica de Lágrimas de Sereia, que teve como seu principal interesse examinar como se criam narrativas em artes cênicas sobre a crise climática e suas causas. Ao longo de quatro capítulos, a tese embasa teoricamente o papel instrumental das artes para aumentar a consciência dos seres humanos sobre as mudanças climáticas e, por meio de conceitos de ecoteatro e a performance site-specific, contempla-se o poder dos artistas de contribuir e liderar movimento criativo para ação sobre os impactos atuais das atividades humanas no meio ambiente e de agir, em conjunto com parceiros e comunidades, para interrelacionar os problemas inerentes à pobreza e à injustiça entre os seres humanos com o projeto clima, na procura de “justiça climática”. O projeto cênico da pesquisa procura conexões entre a indústria dos plásticos, o colapso dos ecossistemas oceânicos e as mitologias das deusas do mar, principalmente o arquétipo da sereia e as manifestações do orixá / deusa Iemanjá. A ênfase não é tanto na análise etnográfica da manifestação do orixá Iemanjá, mas na sugestão da necessidade atual de reativar a atenção para esse tipo de meditação mítica, para enfrentar as dificuldades reais e logísticas e encontrar soluções nas práticas e para a nossa sobrevivência. Este olhar contempla os escritos de Donna Haraway, para inter-relacionar as estruturas míticas e algumas especulações futuristas da autora e imaginar uma sereia vigilante, que atua com qualidades e senso do sagrado da Antiguidade, mas que anda armada para lidar com um mundo completamente esvaziado de respeito para com os mares que nos sustentam. Além dos estudos científicos e sociais das mudanças climáticas, utilizamse conceitos retóricos do Anthropoceno, Capitoloceno, as Epistomologias do Sul, greenturgy, a mitologia comparativa e o ecofeminismo para construir uma interseccionalidade que reoriente a empatia dramatúrgica para as narrativas teatrais da época das crises climáticas.


  • Mostrar Abstract
  • The overarching goal of this research is to present ideas about the role of the performing artist in the age of climate change. With a focus on performing arts practice and, above all, the practice of performance, the research elaborates on the creation of the ecoperformance The Mermaid Tear Factory as a laboratory, with the main interest of examining how narratives are created about the climate crisis and its causes. Over the course of four chapters, the thesis underlies theoretically the instrumental role of the arts in raising the awareness among humans about climate change and, using concepts of eco-theatre and site-specific performance, it contemplates the power of artists to contribute and lead a creative movement for action on the current impacts of human activity on the planet's environment, and also to act together with community partners to interrelate the inherent problems of poverty and injustice between humans and climate issues in pursuit of "climate justice". The practice-based research project establishes connections between the plastics industry, the collapse of ocean ecosystems and the mythologies of sea goddesses, especially the mermaid archetype and the manifestations of the Orixá/goddess Iemanjá. The emphasis is not so much on the ethnographic analysis of the Iemanjá as spiritual manifestation, but on the suggestion of the present need to refocus attention on this type of mythical meditation, to confront real and logistical difficulties and to find solutions - not only practical but also socio-empathic - for our future survival. Among other authors, this perspective contemplates the writings of Donna Haraway in order to interrelate the mythical structures and some futuristic speculations of the author, and to imagine a vigilante mermaid, who acts with qualities and a sense of the sacred of Antiquity, but who walks armed to deal with a world completely emptied of respect for the seas that sustain us. In addition to the scientific and social studies of climate change used in this research, rhetorical concepts of the Anthropocene, Capitoloceno, Epistomologies of the South, greenturgy, comparative mythology and ecofeminism are called upon to construct an intersectionality that redirects a dramaturgical empathy to the possibilities of theatrical narratives of the age of climate change.

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  • ALISSON ARAÚJO DE ALMEIDA
  • Os Jogos de mascara no Candomblé : Dramaturgia da festa no Espaço

  • Orientador : ERICO JOSE SOUZA DE OLIVEIRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CHRISTINE DOUXAMI
  • DANIELA MARIA AMOROSO
  • ERICO JOSE SOUZA DE OLIVEIRA
  • FRANÇOIS LAPLANTINE
  • JEAN-FRANÇOIS DUSIGNE
  • MÁRCIA SOARES DE ALMEIDA
  • Data: 19/10/2018

  • Mostrar Resumo
  • Entre Ocidente e não Ocidente, entre o teatro e o ritual pode-se receber a força criativa mestiça onde diferentes territórios vão se cruzar. Nesse cruzamento de caminhos esta tese apresenta, dentro dos estudo de mascara teatral, uma mestiçagem de saberes, de composição. Essa mestiçagem dará novas ferramentas de composição para o espetáculo vivo.

    E à partir da Antropofagia cultural que encontramos a escritura cênica. O Espaço do ritual inspira o espaço cênico, mostrando uma dramaturgia do movimento para as figuras com mascaras. O jogo possibilita enriquecer a festa produzindo no espaço uma dramaturgia caótica e criativa. Assim, Os Jogos de mascara no Candomblé : Dramaturgia da festa no Espaço, são estratégias de composição cênica para o teatro contemporâneo a partir da reflexão dos símbolos presentes no rito brasileiro.


  • Mostrar Abstract
  • Between West and non-West, between theatre and ritual it is possible to receive the hybrid creative power where different territories will cross. In this crossroads of pathways this thesis presents – within theatre mask studies –miscegenation of knowledge, and composition. This miscegenation will provide new composition tools for the living performance. It is from the cultural Anthropophagy that we find the scenic writing. The space of ritual inspires the scenic space, showing a dramaturgy of movement to the figures with masks. 
    The play allows enriching the feast, also producing in space a chaotic and creative dramaturgy. Therefore, “The Mask Games within Candomblé: dramaturgy of feast in space” are strategies of scenic composition for contemporary theatre starting from the reflection of symbols present in the Brazilian rite.

6
  • HAYALDO COPQUE FRAGA DE OLIVEIRA
  • PADRE CÍCERO E LAMPIÃO: ESTUDO DAS LEGENDAS E CRIAÇÃO DRAMATÚRGICA 

  • Orientador : CATARINA SANTANNA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CATARINA SANTANNA
  • LUIS AUGUSTO DA VEIGA PESSOA REIS
  • MARCOS BARBOSA DE ALBUQUERQUE
  • PAULO HENRIQUE CORREIA ALCANTARA
  • RAIMUNDO MATOS DE LEAO
  • Data: 10/12/2018

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  • A presente tese aborda a relação entre a forma narrativa da legenda e a dramaturgia teatral, no caso específico das figuras de Padre Cícero e Lampião, tendo como objetivo central reunir, analisar e selecionar subsídios de diferentes fontes para a construção de uma obra dramatúrgica a respeito de um possível encontro ocorrido entre eles no ano de 1926, no Ceará. Metodologicamente, trata-se de uma abordagem multidisciplinar, com entrecruzamento de dados provindos da história, de estudos sociológicos, da teoria literária, de biografias e da dramaturgia, para configurar a rica ambivalência das figuras de um padre e de um cangaceiro do sertão nordestino brasileiro nos anos iniciais do século XX, fato provocador da imaginação popular na cadeia da transmissão oral, além de controvérsias entre acadêmicos, mas sobretudo as fantasias dos cordelistas e dos artistas em geral. Num primeiro momento, busco compreender quais os elementos constitutivos da forma narrativa da legenda e como esses elementos podem ser associados a Padre Cícero e Lampião a ponto de que possam ser consideradas personagens legendárias. Num segundo momento, a partir do exame das peças A chegada de Lampião no Inferno, de Jairo Lima, O chão dos penitentes, de Francisco Pereira da Silva e Auto de Angicos, de Marcos Barbosa, analiso de que modos a legenda se relacionaria com a forma dramática nas abordagens teatrais de tais personagens. Por fim, apresento a peça Padre Cícero e Lampião, junto à discussão de seu processo criativo. 


  • Mostrar Abstract
  • The present thesis presents the relationship between the narrative form of the legend and theatrical dramaturgy, specifically the case of the Padre Cícero and Lampião figures. The central objective is collecting, analyzing and selecting subsidies from different sources for the construction of a play surrounding a possible meeting between these individuals in 1926, in Ceará. Methodologically, this is a multidisciplinary approach – a crisscrossing of data from history, sociological studies, literary theory, biographies and dramaturgy. It aims to configure the rich ambivalence of the figures of a priest and a “cangaceiro” (an outlaw of sorts) from the Brazilian northeastern backlands in the early years of the twentieth century. Such ambivalence feeds the popular imagination in the oral tradition and among the academic controversies; moreover, it supports the fantasies of cordelists and artists in general. At first, I research the constitutive elements of the legend narrative form and how these elements could be associated with Padre Cícero and Lampião, both considered legendary characters. In the second chapter, from the appreciation of the plays A chegada de Lampião no inferno, by Jairo Lima, O chão dos penitentes, by Francisco Pereira da Silva, and Auto de Angicos, by Marcos Barbosa, I analyze the pathway that the legend is related to the theater considering the main characters of the study. Finally, I present the play Padre Cícero e Lampião and its creative process. 

7
  • THIAGO SANTOS DE ASSIS
  • A Professoralidade em dança no contexto universitário: tessitura de uma rede de experiências. 

  • Orientador : DENISE MARIA BARRETO COUTINHO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • DENISE MARIA BARRETO COUTINHO
  • ELOISA LEITE DOMENICI
  • ANTRIFO RIBEIRO SANCHES NETO
  • JUSSARA ALMEIDA MIDLEJ SILVA
  • JOSÉ ANTÔNIO DE OLIVEIRA LIMA
  • Data: 17/12/2018

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  • A formação de professores universitários em Dança no Brasil constitui um objeto de pesquisa ainda pouco explorado, sobretudo quando se contrasta com o numeroso volume de publicações que discutem a presença desse campo artístico na Educação Básica. A tese investe na amplificação da noção de professoralidade, tomando como contexto o ambiente profissional do autor, o Ensino Superior em Dança. Cada professor/professora forma-se na produção da diferença de si. Nestes termos, esquadrinha-se o objeto da pesquisa por meio de três ensaios que, embora mantenham independência no modo como abordam o objeto, intersecionam-se pelo objetivo de (auto)investigar o movimento de professoralização, aqui entendido como professoralidade, propiciando a constituição de uma rede de experiências docentes. A hipótese da tese reside na ideia de que a docência universitária em Dança se dá no emaranhado de experiências, por meio de marcas de subjetivações, sempre incorporadas, que vão constituindo um devir professor, e que precedem à imersão no espaço acadêmico. O encontro com a alteridade, aquilo que aqui será tratado como solidariedade cognitiva, é potência viva na configuração transitória da paisagem de si. Os ensaios estão transpassados pela abordagem fenomenológica, a hermenêutica gadameriana. O primeiro deles tece considerações acerca do modo como venho compreendendo a formação de professores e, para tal, tomo como ponto de ignição o contexto de minha atuação docente, na relação histórica entre Dança e Universidade. No segundo ensaio, o objetivo é analisar meus movimentos de professoralização, a construção de minha professoralidade, esse ato de formação encarnado que se dá em primeira pessoa, a partir do que se convencionou chamar, no método (auto)biográfico, narrativa de si. O último ensaio aponta a solidariedade cognitiva como via da professoralidade, atitude formacional que visa inaugurar uma rede de experiências compartilháveis. Recorre-se à escrita de si, em formato de cartas. Trata-se de um ensaio em coautoria. A tese (in)conclui que a professoralidade em Dança no Ensino Superior é marcada e alimentada por experiências corporificadas, pois o corpo, em sua integralidade, é acionado na ação cognitiva de ensinar-aprender. Tais experiências estão envoltas pelo amplo campo existencial, dando relevo às marcas subjetivas produzidas na história de vida do professor/professora e fazendo da docência universitária um projeto inatual e inconcluso de si.


  • Mostrar Abstract
  • In Brazil, the training of university teachers in Dance is still an object of research less explored, especially when contrasted with the large volume of publications that discuss the presence of this artistic field in Basic Education. This dissertation invests in the amplification of the notion of teacherhood, taking as context the professional environment of the author, Higher Education in Dance. Each teacher is formed in the production of the difference of self. In these terms, the object of research is scanned through three essays that, while maintaining independence in the way they approach the object, intersect with the objective of (auto)investigating the movement of teacheralization, here understood as teacherhood, propitiating the constitution of a network of teaching experiences. The hypothesis lies in the idea that university teaching in Dance takes place in the entanglement of experiences, through marks of subjectivation, always incorporated, that are becoming a teacher, and that precede the immersion in the academic space. The encounter with alterity, that is herewith treated as cognitive solidarity, is a living power in the transient configuration of the landscape itself. The essays are crossed by a phenomenological approach, the Gadamerian hermeneutics. The first one deals with the way in which I understand the formation of teachers and, to this end, I take as a point of ignition the context of my teaching performance, in the historical relation between Dance and University. In the second essay, the objective is to analyze my movements of teacheralization, the construction of my teacherhood, this act of incarnated formation that takes place in the first person, from what is conventionally called as the (self) biographical method, narrative of self. The last essay points to cognitive solidarity as a way of teacherhood, a formational attitude that aims to inaugurate a network of shareable experiences. It is used to write of itself, in format of letters. This is a co-authored essay. The dissertation (in)concludes that teacherhood in Dance in Higher Education is marked and nourished by embodied experiences, because the body, in its entirety, is activated in the cognitive action of teaching-learning. Such experiences are surrounded by the broad existential field, highlighting the subjective marks produced in the life history of the teacher and making university teaching an unattended and unfinished project. 

2017
Dissertações
1
  • ERIKA BODSTEIN
  • Uma prática hamletiana: o Théâtre du Soleil como modelo de processos de (cri)(form)ação

  • Orientador : GLAUCIO MACHADO SANTOS
  • MEMBROS DA BANCA :
  • FABIO DAL GALLO
  • GIL VICENTE BARBOSA DE MARQUES TAVARES
  • GLAUCIO MACHADO SANTOS
  • Data: 30/06/2017

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  • Este trabalho olha para a trupe francesa Théâtre du Soleil, dirigida por Ariane Mnouchkine, como um possível modelo inspirador de processos de constituição e manutenção de grupos de teatro. Essa perspectiva tem por base sua prática hamletiana, aqui nomeada e identificada em processos pedagógicos de formação continuada, observados no interior e exterior da companhia, em processos de criação de espetáculos, em especial no de Os efêmeros, e em ações sociais e culturais desenvolvidas pelos seus artistas, como cidadãos. A pesquisa observa também a prática de alguns artistas, ativos ou egressos do Soleil, que seguem o modelo da trupe-mãe, no exercício de ações pedagógicas, e analisa esses processos, que partilham um modo de fazer teatro, promovendo o surgimento de novos processos criativos, neles inspirados, seja na escrita cênica, seja nas formas de gestão de grupo de teatro. Esta dissertação destaca, ao final, a formação e manutenção do 42 Coletivo Teatral, grupo paulistano, dirigido pela autora, que elege o Théâtre du Soleil como modelo inspirador de um modo de ser e de fazer teatro que fomenta o encontro com uma ética de grupo, conectada a um modo de agir coerente e coeso com sua proposição. A descrição dos processos de aproximação desse objetivo focaliza duas montagens teatrais realizadas pelo Coletivo, Maria Borralheira (2016) e Hamlet-ex-máquina (2017).


  • Mostrar Abstract
  • This work addresses French theatre group Théâtre du Soleil, directed by Ariane Mnouchkine, as a possible inspiration model for the establishment and maintenance of theatre groups. The foundation of this perspective is a hamletian practice, thus coined and identified in teaching processes for continuing education inside and outside the Troupe. These include the creation of their plays, especially Les Éphémères, and social and cultural projects created by its artists regarded as citizens. The research also investigates educational activities from the Troupe’s active or past members, who follow their mother-troupe’s model. We analyze these activities, which share a way of theatre-making that leads to new creative processes, inspired by them, both in stage writing and theatre group management. Lastly, the dissertation highlights the foundation and management of São Paulo-based theatre group 42 Coletivo Teatral, directed by the author. The Group appointed Théâtre du Soleil as an inspiration model for life and theatre making. This model encourages a group ethics connected to a conduct which is coherent and cohesive to its proposition. The description of the processes to approach this goal focuses on two productions staged by the Group, Maria Borralheira (2016) and Hamlet-ex-máquina (2017).

Teses
1
  • SUSANNE HILDEGARD LISA OHMANN
  • (ESC)RITOS, DEVIRES, E INVOLUÇÃO CRIATIVA PRÁTICAS DE (AUTO)IMAGEM SOMÁTICO-PERFORMATIVA 

  • Orientador : CIANE FERNANDES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CIANE FERNANDES
  • ELVINA MARIA CAETANO PEREIRA
  • GILSAMARA MOURA
  • LEONARDO JOSE SEBIANE SERRANO
  • RICARDO BARRETO BIRIBA
  • Data: 20/10/2017

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  • Esta tese é o resultado de um método de pesquisa no qual a escrita e a dança são complementares. É também uma prática particular em que o corpo é experimentado tanto de dentro para fora quanto seu reverso, de fora para dentro, em processo simultâneo de reflexão. Este processo ergue e encaminha questões relacionadas ao significado estético, místico e político da imagem de si e suas origens. Concentrando-se simultaneamente na transgressão de limites e na fusão de elementos heterogêneos, a artista e pesquisadora visa desmantelar os limites mentais que parecem separar seueu dos outros, bem como a divisão entre fantasia e realidade parece, desta maneira, ser superada. Neste contexto, divisões e práticas de exclusão que geralmente derivam do contato com os outrostais como aquelas relacionadas ao gênero, classe e raça–, por exemplo, são postas em questão. Em uma série de intervenções objetivantes de si, a artista-pesquisadora explora papéis atribuídos ao feminino que ultrapassam a imagem estereotipada de mulher. No entanto, para chegar a uma imagem de si mais dinâmica e autêntica, a artista encapsulou-se em sua própria casa, colocando-se em um estado de profundo solipsismo. Tirar selfies com a câmera interna de seu laptop tornou-se a ferramenta artística predominante deste exame interno de si mesma. O processo se desenvolveu muito próximo à associação livre da psicanálise, de maneira espontânea e improvisada. O selfie foi considerado, neste contexto, como uma forma narrativa um constructo auto-bio-imagético que serpenteia entre a ficção e a autobiografia sem que essas se excluam mutuamente. Durante esse processo, certas marcas de familiaridade com a imagem corporal da autora foram deslocadas, uma condução que a levou à fronteira entre o conhecido e o desconhecido. Ela percebeu que involuntariamente algum tipo de ritual de morte fora iniciado, no qual as centenas de selfies tirados ao longo dos anos tornaram-se uma sucessão externalizada de seres fantasmagóricos. São selfies que transitam entre o familiar e o infamiliar, o belo e o grotesco, formando instâncias plenas de contradições. Sobretudo, o processo artístico vivido foi instigantemente refletido com base na proposição de Deleuze & Guattari: “O devir é involutivo, a involução é criadora”. Como sugere o neologismo de nosso título –“(esc)ritos”–, trata-se sobretudo do caminho de transformação empreendido pela artista-pesquisadora em sua pesquisa. Em termos teóricos poderia dizer que a escrita acadêmica, combinada com qualquer habilidade artística altamente desenvolvida, como a dança e a performance artística, poderia efetivamente funcionar como um rito de passagem – como um “vir-a-ser.” Nesse sentido, vemos o “devir autora” daquela quedança e o “devir escrita” da autora – tudo isso entrelaçado a mais devires em uma série de auto-iniciações performativas. Neste contexto, a tese é apresentada como um “eucomo um corpo, uma história e uma subjetividade que quer ser tirada da prateleira,queanseia por ser lida.


  • Mostrar Abstract
  • This thesis is the result of a research method where writing and dancing are regarded as complimentary. It is also a particular practice where the subjective body is experienced both from the inside out while simultaneously witnessed reflexively from the outside in. This process results in the raising of questions related to the aesthetic, mystical, and political significance of self-image and its origins. Focusing simultaneously on the transgression of boundaries and the fusion of heterogeneous elements, the artist/researcher aims at dismantling the mental boundaries that seem to separate the Self from others and the division between fantasy and reality is overrun. In this context, divisions and practices of exclusion that usually derive from contact with others; such as those related to gender, class and race for example, are scrutinized. In a series of self-objectifying acts the artist/researcher explores roles assigned to the feminine that reach beyond the stereotypical image of women. However, in order to arrive at a more dynamic and more authentic self-image the artist retreats to the “seclusion chamber” of her own home in order to evoke a more solipsistic state to work from. Taking Selfies with the internal camera on the laptop becomes the predominant artistic tool of this internal self-examination. The process unfolds much like free association in psychoanalysis, spontaneous and improvised. The Selfie is viewed in this context as a form of narrative – a life-art construct that meanders between fiction and autobiography without being mutually exclusive. During this process, certain signposts of familiarity in relation to the artist/researcher’s body image shift and she arrives at the frontier between the known and the unknown. She discovers that she may have involuntarily initiated a kind of death ritual, in which the hundreds of Selfies taken over the years become an externalized succession of phantasmagorical beings – characters who are both, familiar and unfamiliar, beautiful and grotesque and full of contradiction. Overall, the process is poignantly reflected in Deleuze & Guattari’s proclamation: “Becoming is involutionary, involution is creative.” As the neologism –“(w)rite”– suggests, it is much about the path of transformation. A theoretical proposal would be, that academic writing combined with any highly developed artistic skill, such as dance and performance art, could effectively function as a rite of passage – a “coming into being.” There is the “becoming author” of the dancer, even the “becoming book” of the author – all this and more becoming in a series of performative self-initiations. In this context the thesis is presented as Self – as a body, a story, and a subjectivity – that wants to be taken from the shelf, that yearns to be read.

     

2014
Teses
1
  • MARIA APARECIDA DE SOUZA
  • Pedagogia da Festa: poéticas de uma teatrologia errante

  • Orientador : DANIEL MARQUES DA SILVA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • DANIEL MARQUES DA SILVA
  • DANIELA MARIA AMOROSO
  • ELISA MENDES OLIVEIRA SANTOS
  • ERICO JOSE SOUZA DE OLIVEIRA
  • MIGUEL DE SANTA BRIGIDA JUNIOR
  • Data: 19/05/2014

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  • Esta tese apresenta a peça teatral Cirandas e Rodas como caminho sugestivo de procedimentos didáticos e dialéticos que se depreendem de seu conteúdo-método desenvolvidos a partir da investigação de campos do saber popular. A associação entre elementos da cultura corporal, rítmica e musical das tradições brasileiras do coco, ciranda, samba de roda e capoeira angola junto à orientação de estudo das formas do movimento em Rudolf Laban descreverá uma poética do brincar teatro, traduzida pelas motivações práticas e simbólicas destas festas. Como jogo de aprendizagem a estrutura desta peça se argumenta ao longo do texto como um ensaio crítico de uma montagem didática realizada na Universidade Estadual do Sudoeste da Bahia, campus de Jequié. Estratégias de um empirismo errante de caráter autorreferente sintetizam a experiência docente em apontamentos reflexivos para uma pedagogia da festa, considerando a autoeducação para uma alfabetização poética. O formato de escritura adotada, os elementos visuais a ela associados e os diagramas ilustrativos tem por objetivo apresentar etapas de uma metodologia (estudo de método). As poéticas aqui apresentadas revelam a mediação entre as bases teórico-científicas, o acervo empírico e a prática docente com conhecimentos pedagógicos híbridos, frutos da interface festa-teatro.


  • Mostrar Abstract
  • This thesis presents the play as Cirandas e Rodas as a suggestive way of didactical and dialectical procedures that inferred from its own contend-method developed from a survey in popular knowledge fields. The association between elements of body, rhythmic and musical culture of the Brazilian traditions as Coco, Ciranda, Samba and Capoeira Angola with the orientation of studying Rudolph Laban‟s forms of the movement shall describe a „theaterplay‟ poetic translated by the practical and symbolic motivations of these parties. Such as a learning game, the structure of this play is argued in the text as a critical essay about a didactical and scenic production performed in the Universidade Estadual do Sudoeste da Bahia, Campus Jequié. Strategies of a wandering empiricism of a self-referential nature synthesize the teaching experience in reflective notes for a Pedagogic of the Party taking into consideration the self-teaching for a aesthetic literacy. The writing form adopted, the visual elements associated with it and the illustrative diagrams aims at showing stages of a methodology (study of method). The Poetics shown here reveal the mediation between the theoretical and scientific bases the empirical acquis and the teaching practice with hybrid pedagogical knowledge, product of the interface party-theater.

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