A presente pesquisa propõe investigar mulheres que registram suas individualidades na
relação entre dançarina e câmera no autorretrato feminino. A pergunta condutora é: como
acontece a criação de imagens das mulheres que auto retratam suas individualidades na
relação entre dançarina e câmera? A pesquisa se faz necessária pela importância de
questionar a presença feminina em mais registros acadêmicos e destacar mulheres no cenário
artístico. O desejo nessa pesquisa surge do interesse de unir minhas duas áreas de formação,
o Cinema e a Dança, com estudo historiográfico, feminista, autobiográfico, guiado pela
prática artística (Fernandes, 2014) e (Scialom; Fernandes, 2022) com trabalhos em
fotoperformance e videodança. O capítulo que inicia o texto apresenta as primeiras imagens
dançantes com as pinturas rupestres. (Marques, 2013). Em seguida revelo que os movimentos
dançantes são construídos a partir de uma conexão entre o corpo e a memória (Vianna, 2021).
Exponho as pioneiras artistas, como Catharina Van Hemessen (1548), primeira mulher que se
autorretratou já enfrentando o meio machista das Artes juntamente com Sofonisba
Anguissola (1555) e Anna Waser (1691); Frida Kahlo que imprimia suas memórias nos
autorretratos; Tarsila do Amaral com o célebre, Abaporu (1928). Para discutir o apagamento
e a exploração aos corpos femininos nas Artes, destaco Analívia Cordeiro com o videoarte,
M3X3 (1973), primeira brasileira a unir a dança com o digital fazendo uso do computador;
Mulheres do Cinema, da Dança e da Fotografia como, Alice Guy-Blaché, Adélia Sampaio,
Maya Deren, Celina Portella, Danny Bittencourt e Francesca Woodman; bem como, as
artistas pesquisadoras, Daniela Guimarães, Dorotea Bastos, Ludmila Pimentel, Mirella Misi,
Adriana Bittencourt Machado e Ciane Fernandes. Serão discutidos conceitos como
CorpoImagem (Pimentel; Bittencourt, 2019) e (Bastos; Pimentel, 2021); Fotocoreografia
(Mundim, 2021); Autofotografia (Savioli, 2022) dentre outros. Por fim, revelo como finalizo
minhas imagens a partir da edição coreográfica com efeitos de sobreposição e rastros de
movimentos, e como se dá a relação entre dançarina e câmera para criar as imagens do
autorretrato feminino.

Esta dissertação investigou saberes político-pedagógicos produzidos na experiência
docente na Técnica Duncan, com enfoque nos processos de formação-ação de uma
professora de Dança. O estudo se debruçou sobre os conhecimentos construídos ao
longo de sua prática como dançarina-professora, formadora de professores, na
Duncan Dance Academy (DDA) na China (2017-2023). Parte-se da perspectiva de
que ensinar/aprender são instâncias de um mesmo processo, fundamentada na
pedagogia Freiriana (1996), que valoriza a noção de formação como um ato contínuo.
O objetivo geral é ampliar as discussões acerca dos processos formacionais em
Dança, com foco na formação docente na Técnica Duncan. Como objetivos
específicos, têm-se: a) discutir a formação docente em Dança pela perspectiva da
professoralidade na Técnica Duncan; b) sistematizar uma narrativa histórica sobre o
percurso do Legado Duncan reconhecendo suas agentes e contribuições; c)
apresentar princípios da Técnica Duncan e suas atualizações no tempo; d) descrever
a singularidade da experiência na DDA (China); e) sistematizar os saberes docentes
que se apresentaram nesta experiência. A relevância da pesquisa reside no fato de
que, embora a Técnica Duncan seja difundida em Salvador-BA desde 1992, há uma
escassez de investigações acadêmicas aprofundadas sobre o tema. Este estudo,
portanto, contribui para o enriquecimento do campo da Dança e da Educação,
promovendo um diálogo mais estreito entre Universidade e espaços de formação
técnica. Além disso, oferece uma análise crítica das práticas pedagógicas,
especialmente no que tange à formação de professores de Dança. A pesquisa adotou
uma abordagem qualitativa de finalidade exploratória. Assim, investiu no acolhimento
mútuo dos métodos de estudo de caso (Yin, 2001) e (auto)biografia (Souza, 2007).
Os dados foram produzidos através das narrativas (auto)biográficas da autora junto à
análise documental de planejamentos, projetos e currículos desenvolvidos na DDA.
Como referenciais teóricos, incluem-se as seguintes pessoas autoras: Freire (1996) e
Souza (2004), para a abordagem da formação docente, e Assis (2018), para
aprofundar na perspectiva da professoralidade em Dança; Isadora Duncan (1969),
Irma Duncan (1970) e Levien (1994), no campo dos estudos sobre a Técnica Duncan.
A dissertação se estrutura em cinco capítulos que, em conjunto, refletem a experiência
docente da autora, irrigando o recorte temático da formação docente, em especial, na
Técnica Duncan.

Esta pesquisa propõe uma reflexão sobre as correlações entre os fundamentos,
princípios e lógicas das máscaras do palhaço, bufão e larvária, bem como sua relação
com espetáculos de dança que incorporam elementos cômicos em suas composições
cênicas e criativas. O estudo identifica pontos de interseção, similitudes e analogias
estéticas, políticas e interdisciplinares em três espetáculos selecionados: Tombé, da
Dimenti Produções, com direção de Jorge Alencar (2002); Tráfego, da Cia. Nova
Dança 4, dirigida por Cristiane Paoli Quito (2010); e Larvárias, da Cia. Do Giro, com
direção de Daniela Carmona (2004). A análise é conduzida por meio da observação
dos conceitos, procedimentos estéticos e coreográficos dessas obras, utilizando como
referencial as três máscaras cômicas e o conceito de Comicoreografia. O cruzamento
das lógicas e princípios dessas máscaras com os espetáculos promove diálogos,
debates e reflexões sobre os contextos em que se inserem, evidenciando fissuras e
rachaduras político-sociais. Metodologicamente, além de uma revisão bibliográfica

sólida, a pesquisa inclui análises videográficas dos três espetáculos, entrevistas-
dialogadas com os artistas envolvidos na criação de cada obra, bem como a criação

e aplicação de um sistema de variáveis para análise crítica e reflexiva dos
espetáculos. O sistema de variáveis – Rachadura, Encruzilhada e Gozo – inspirado
no formato do sistema de análise apresentado por Foster (1986), a fim de estruturar e
aprofundar a leitura das interseções entre comicidade e dança. A investigação se
fundamenta nos estudos de Bolognesi (2003), Costa e Duarte (2017, 2018), Brondani
(2010, 2017, 2020), Sachs (2013, 2022), Burnier (2016), Lecoq (2010), Fo (1999),
Linares (2011) e Reis (2013), que fornecem bases para o entendimento das máscaras
analisadas. No que se refere à comicidade e ao riso em cena, as contribuições de
Bergson (1983), Propp (1992) e Minois (2003) são referências essenciais. Para a
sustentação teórica, metodológica e poética da pesquisa, utilizo o chão de Bispo
(2021), as encruzilhadas de Martins (1997, 2021) e Rufino (2019) e as fronteiras de
Bona (2020). Convido ainda para auxiliar nas compreensões acerca de identidade
Strauss (1999), Hall (2006, 2016) e Goffman (2008). A interseção entre as máscaras
e a dança possibilita rupturas nos padrões estabelecidos, ao mesmo tempo que
desafia perspectivas dicotômicas nos processos cênicos e artísticos. Por meio dessas
reflexões, a pesquisa fomenta novas formas de composição coreográfica e
performativa, ampliando o entendimento da comicidade como um mecanismo crítico,
estético, político e criativo dentro da dança contemporânea.

O trabalho reflete sobre raça, gênero, sexualidade, classe, nação e empoderamento
social na cultura do Breaking no Brasil a partir do bgirling, bgirlirismo e sua
corpOralidade em Dança. Diante do machismo e quase ausência LGBTQIAPN+ nessa
comunidade, analisa-se quais e como são tecidas as relações e estratégias de
pertencimento, (re)existência e combate à essas opressões em e com dança através
do breaking no Brasil. O objetivo foi analisar a atuação do Bsbgirls, primeiro grupo de
Breaking formado exclusivamente por mulheres do Brasil, e de suas integrantes, no
seu primeiro decanato de existência. Se fez uso de entrevista semiestruturada,
videografia de redes sociais e canais da internet, autoetnografia, diário de bordo,
observação participante e contextualização dos fatores e recortes que se
interseccionam na construção das relações, estratégias e redes de atuação na
comunidade do Breaking, com o bgirling e bgirlirismo, através de revisão bibliográfica.
O embasamento teórico da pesquisa inclui os autores Tricia Rose (2021), Imani K.
Johnson (2022), Joseph Schloss (2009), Kelly Silva (2014) e Kika Souza (2024) que
falam especificamente sobre a cultura do Breaking. Patrícia Hill Collins (2017; 2019;
2023), bell hooks (2020; 2022), Ângela Davis (2016; 2017; 2018), Saidiya Hartman
(2021; 2022), Lélia Gonzalez (1988; 2012; 2020); Sueli Carneiro (2019); Beatriz
Nascimento (2019); Maria Vigoya (2018) que abordam interseccionalidade, gênero,
sexualidade, classe, raça e nação. Clóvis Moura (2023; 2024), Muniz Sodré (2017),
Leda Maria Martins (2021), Luciane Silva (2018), Amélia Conrado, Maria de Lurdes B.
Paixão, Laudemir Santos (2022) e Antônio Bispo (2024) para referendar as
epistemologias e negritude afrobrasileira. Como resultado, a pesquisa construiu
proposições e intervenções artístico metodológicas de semeadura e encantamento do
bgirlirismo, inspirados na Tradição Radical Negra e seus princípios suleadores.
Espera-se dar continuidade ao desenvolvimento artístico metodológico desenvolvido
ao longo da pesquisa, aprofundar sobre seu impacto social, bem como dos demais
desdobramentos referentes a sexualidade.

A presente Dissertação de Mestrado Acadêmico em Dança tem como tema as INvencionices
dançantes, desenvolvidas com o Coletivo Inventários no Centro Universitário de Cultura e
Arte, da Universidade Estadual de Feira de Santana, durante os anos de 2019 a 2025. Para
tanto, a pesquisa se debruçou sobre as práticas investigativas propostas e objetiva apresentar
caminhos de construção de conhecimentos contracoloniais e processos artísticos compositivos
afrocentrados em dança, constituintes do espetáculo “Entre Caminhos e Encruzilhadas”. O
problema que impulsiona a pesquisa é entender como a dança colabora para o
enfraquecimento da colonialidade na corporeidade negra e favorece outros modos de existir,
sem a chancela da branquitude. A hipótese defendida é que as experiências vividas nos
espaços de INvencionices têm mostrado traços afro-diaspóricos de pertencimento, sem a
brancura como o único parâmetro de humanidade. E Nesse sentido, o dançar tendo como
amálgama a consciência negra, a ancestralidade como uma herança corporal e a experiência
afrocentrada de resistência promovem o direito das pessoas negras à Arte (Njeri, 2019). As
narrativas de cada participante configuram como ignições da criação artística e estratégia de

legitimação das feituras singulares. Justamente por favorecer as escavações do corpo-
território, nas quais resultam experimentos compartilhados em aquilombamento. Enfatiza-se

ainda, que as possíveis respostas surgem COM as pessoas estudantes e artistas INvencionistas
que buscam pensar de outro modo e seguem na instrumentalização da negridade na arte. Na
chegada desta travessia o Corpo INvencionista constrói fios e pontes no cruzo entre a
multiplicidade das linguagens artísticas, em confluências e discurso político/filosófico. Os
principais referenciais teóricos são Nascimento (1980), Martins (2021), Brandão & Trindade
(2010), Rufino (2019), Njeri (2021), Duarte, Côrtes & Pereira (2023), Santos (2021),
Malomalo (2022, 2024), Fu-Kiau (2024), Bispo (2023), Andrade (2023), Gordon (2023) e
Moten; Harney (2024). A abordagem metodológica combina revisão bibliográfica, pesquisa
de campo, análise documental e dos exemplos que constituem o corpus da pesquisa, assim
como processos criativos com experimentações cênicas. Somado a aplicação de entrevistas
semiestruturadas para coleta e produção de dados, junto às pessoas estudantes e artistas da
cena. Como resultado destas INvencionices em continuidade, foi possível corpar hábitos
cognitivos para valorizar a importância da cultura negra e construir produções artísticas
cunhadas nesta questão.

O trabalho investiga os possíveis cruzos, aproximações e tensões entre duas expressões
artísticas que, ao mesmo tempo em que buscam a modernidade, têm a memória, a tradição e a
busca de sua identidade cultural como ponto de partida. Tanto a dança afro quanto o butô
guardam entre si muitas convergências. No desenvolvimento da pesquisa são justapostos os
conceitos de axé (na dança afro) e de ki (no butô), considerando-as como energias propulsoras
de movimento, a fim de perceber as possíveis aproximações e afastamentos; ao mesmo tempo
são comparadas as duas culturas e suas relações com o corpo. Para tal, o trabalho considera
quase vinte anos de experiências do autor em práticas individuais e coletivas, relacionando as
danças afro e butô. A proposta se apoia dos conceitos de encruzilhada (Rufino, 2019) e
terreirização (Simas, Rufino, 2018), além de outros autores e conceitos, brasileiros e/ou
japoneses. Pretendendo, então, verificar a possibilidade de criação coreográfica a partir de
uma terceira via resultante do cruzamento entre as duas danças, o afro-butô.

Esta tese foi desenvolvida no âmbito do Curso Doutorado, no Programa de Pós-graduação em
Dança da Escola de Dança da Universidade Federal da Bahia, cuja pesquisa partiu do princípio
de que a relação histórica da origem das Danças de Salão com a influência reprodutiva de um
pensamento tradicional hegemônico, eurocêntrico e cis-heteronormativo no ensino dessas
danças, resulta na construção de concepções que colaboram para a manutenção de padrões
sociais. Levando em consideração esse aspecto, a pesquisa tem como propósito fazer análise
que aborde alguns dados da histórica, da cultura e do social que valorize o protagonismo
negro na história das Danças de Salão. Assim, o objetivo da pesquisa é promover uma
perspectiva feminista decolonial, Amefricanizada e Afrocentralizada, para estabelecer outro

olhar acerca do processo histórico e do ensino das Danças de Salão. O referencial teórico-
metodológico é pautado nos estudos feministas decoloniais e em autores que tensionam e

traçam análises que contribuem para entendermos os processos de colonização e suas
consequências na construção cultural da América afro-latina. Para levantar dados, foi
necessário realizar duas viagens a países que apresentam as Danças de Salão como
representação da cultura nacional, o Tango na Argentina e a Salsa em Cuba. Um dos
procedimentos metodológicos utilizado foi a entrevista semiestruturada, com o intuito de
identificar possíveis aproximações ou distanciamentos entre as questões tratadas na pesquisa e
o contexto das pessoas entrevistadas. Ações de fomento e difusão da perspectiva feminista
decolonial, realizadas nos ambientes onde as Danças de Salão acontecem, foram indispensáveis

para a realização da investigação. Portanto, esta se caracteriza como pesquisa-ação. Acredita-
se que, baseada numa concepção feminista Amefricanizada e Afrocentralizada, seja possível

uma mudança de postura no ensino das Danças de Salão. Para tanto, fez-se necessário cruzar
as categorias gênero, raça e classe social, uma vez que é condição para ampliar o prisma e
direcionar para afirmar e reconstruir o pensamento crítico, além de estabelecer a história na
perspectiva da decolonialidade, seja nos salões de aula ou de baile, dessas danças. Como
resultado, a pesquisa não só aponta que existe uma predominância de dança pautada na
reprodução da cis-heteronormatividade e padrões eurocêntricos, o que conceituamos na
pesquisa como “Cisdanças de Salão”, como também baseada numa concepção feminista
decolonial, Amefricanizada e Afrocentralizada, as “Escrevidanças de Salão”, conceito pautado
na escrevivências de Conceição Evaristo, emerge ganhando força como possíveis práticas que
tensionam essas normatividades. Promovendo horizontes mais inclusivos e diversos para as
Danças de Salão.

Esta pesquisa questiona o exercício ético na dança como prática relacional com vínculo
poético-político que, ao dinamizar nossos afetos e potências (Costa, 2022; Deleuze, 2002;
Pais, 2021; Spinoza, 2020), diz sobre as motivações e consequências dos nossos atos
(Tiburi, 2014) e suas possíveis forças inventivas (Teixeira, 2023). Com o objetivo
primordial de compreender como decisões compositivas incidem nos domínios da
produção do comum, da cena do encontro, projetando espaços-tempos compartilhados na
experiência temporária junto a obras e situações coreográficas (Le Roy, 2023), esta
investigação aproxima-se da metodologia da Prática como Pesquisa (Fernandes, 2013,
2014) a qual imbrica investigação, criação e realização enquanto processos
interdependentes. Essa perspectiva aponta para questões mobilizadoras como: na dança,
quais posições éticas tomar em meio a im.posições morais? Como o conceito de ética
participa das práticas de nomeação performativa no interior da linguagem, de um campo
cultural, da esfera pública? De quais modos o ethos coreográfico de uma obra de dança
pode potencializar a imaginação, a conversação entre diferenças e aberturas para o
dissenso (Fiadeiro, Eugênio, 2019; Matos, 2014)? Em nome de que estamos compondo
coreograficamente? A pesquisa foi realizada entre o Brasil e a Alemanha, em formato de
doutorado sanduíche, dialogando com artistas, pessoas espectadoras e obras, tomando a
obra/projeto "Biblioteca de Dança" (2017) como elemento generativo e dispositivo

metodológico para uma atitude epistêmica. Tal obra/projeto reúne diversos artistas-
volumes que performam como livros vivos a fim de contar e dançar coreografias às quais

assistiram como um jeito de arquivá-las no corpo e na cena, perfazendo uma coleção
aberta e em processo contínuo na qual são articuladas noções como historiografia
performativa (Castillo, 2020; Fabião, 2012; Machado, 2014; Ramos, 2021; Small, 2019);
oralitura (Martins, 2003; 2021); ficção (Chauchat, 2017; Le Guin, 2021; Rancière, 2005);
performance telling (Herbordt / Mohren, 2017) e dramaturgia pulsional (Rocha, 2016;
Schiavon, 2019). No percurso de pesquisa, foi possível evidenciar como certas experiências

coreográficas - algumas delas parte da “Biblioteca de Dança” - ativam uma condição de ser-
estar-agir no mundo como um modo de produzir presença em arranjos do afeto e do desejo

no pensamento que é íntimo do agir prático. Seja nas po.éticas das próprias obras e/ou em
acordos recíprocos e circuitos de convivência entre artistas e públicos, a dança pode mover
valores corporificados em uma dramaturgia de forças ativas.

Realizada no Programa de Pós-Graduação em Dança da Universidade Federal da
Bahia, vinculada à linha de pesquisa Dança, corpo e cognição, esta tese apresenta a
hipótese de que abordagens comunicacionais afetuosas nas relações de
aprendizagemensino (Freire, 1996) operam em prol da construção de condições para
a emancipação das pessoas estudantes. Aponta a relevância de estabelecer relações
entre Dança, afetuosidade e emancipação no ambiente de formação da Licenciatura
em Dança da UFBA, intentando que esses pressupostos ecoem nos espaços
artísticos e educacionais onde atuam esses profissionais, com enfoque no âmbito da
educação básica. Propôs produzir contribuições ao campo da docência em Dança,
tencionando moldes enraizados nas estruturas e organizações da formação de
professores, em especial as que se relacionam a modos de linguagens,
estabelecendo uma reflexão crítica aos contextos educacionais fundamentados em
premissas excludentes e colonizadoras. A pesquisa objetivou investigar a relação
entre afetuosidade, linguagens e emancipação e, por conseguinte, defender como
tese que linguagens afetuosas são ações didáticas agregadoras em prol dos
processos de emancipação na formação de professores e professoras de Dança.
Pretendeu, ainda, estabelecer um diálogo multirreferencial para entender como as
linguagens afetuosas se configuram como abordagens didático-pedagógicas. Aborda
linguagens como sistemas que estruturam e possibilitam os processos de
comunicação e interação, sendo estas compreendidas ademais da ação verbal, falada
e escrita. A razão que motivou esta tese consiste em encontrar estratégias de
transformação, permanência e valorização da Dança como área de conhecimento nos
ambientes educacionais, colaborando com a capacitação de professores de Dança
em formação, bem como com os processos de formação continuada. A metodologia
da pesquisa aqui apresentada se configura de abordagem qualitativa e exploratória
em sua natureza (Gil, 2019). Consiste na revisão bibliográfica, revisão conceitual, e
produção de dados, desenvolvendo uma análise dos discursos e das narrativas
(Minayo, 2007) apresentados nos trabalhos de conclusão de estágios e relatórios
finais de residência pedagógica, produzidos no curso de licenciatura em Dança da
UFBA entre os anos de 2021 e 2024. Os dados foram organizados e categorizados,
identificando emergências e apontando estratégias metodológicas de ensino a partir
das experiências desse curso de formação. O trabalho defende os ideais de uma
Educação libertadora em seu potencial emancipador e transformador das pessoas e
da sociedade a partir de Paulo Freire (1967, 2003) e bell hooks (2013, 2020). No
campo da cognição, o neurocientista António Damásio (1996, 2018, 2022) aborda as
correlações entre afetos, emoções, sentimentos e o desenvolvimento da consciência
e cognição humana. A abordagem do tema referente ao dualismo se faz pela pesquisa
de Lenira Peral Rengel (2007). Como resultados, a pesquisa busca avançar nas
contribuições ao campo da formação docente em Dança, propondo que pessoas
docentes atuem na construção de possibilidades para o desenvolvimento de
processos emancipatórios às pessoas estudantes, estimulando uma atuação
profissional autônoma e de potencial transformador.

Esta partitura-tese de doutorado tem, como objetivo, investigar o papel dos processos
atencionais nas práticas improvisacionais em dança, bem como, articular, uma discussão sobre
o processo de aprendizagem do corpo-improvisador. Faz ainda parte do objetivo deste estudo,
investigar o papel central que a cognição, a atenção e as habilidades sensório-motoras-afetivas
desempenham na disponibilização e organização dos corpos para a experiência da Composição
Improvisada em Dança. A Composição Improvisada em Dança, é aqui entendida como uma
modalidade dentro do campo das danças contemporâneas, que vem se expandindo
consideravelmente nas últimas três décadas e que merece um olhar mais aprofundado acerca de
seus processos de aprendizagem. Entende-se o improvisar como, a prática de colocar o foco da

atenção no movimento e ambiente específicos e acionar as habilidades sensório-motoras-
afetivas adquiridas para produção de sentido sobre si, no mundo, por meio da composição

compartilhada e criação de ecossistemas atencionais. Utilizando a cartografia (Deleuze;
Guattari, 1995; Rolnik, 2011, Passos, Kastrup, Escóssia, 2009) como metodologia de
investigação, esta pesquisa-partitura articula as pistas encontradas para apresentar uma reflexão
sobre em que medida alguns entendimentos, presentes em sua fundamentação teórica e na
experiência artística de corpos-improvisadores, podem contribuir na elaboração de princípios
metodológicos que possam sedimentar práticas de disponibilização do corpo para prática da
improvisação. Bem como, identificar as contribuições metodológicas surgidas a partir dos
atravessamentos teórico-práticos cartografados para apresentá-los como possibilidades de
dispositivos pedagógicos e criativos que possam fundamentar o processo de formação do
improvisador em dança. Tendo como aporte teórico para nossas reflexões a abordagem enativa
da cognição corpórea (Varela, Thompson & Rosch, 1991; Gallagher, 2017; Hutto & Myin,
2013; os estudos da atenção (Kastrup, 1999, 2004; Vasconcelos, 2009; Sade & Kastrup, 2011;
Romero, 2018; Wu, 2014; Ganeri, 2017; Waltz, 2017; as metodologias de primeira pessoa por
(Depraz, Varela e Vermersch, 2003. Para tratar dos processos artísticos e pedagógicos que têm
as práticas improvisacionais como foco, a pesquisa se utiliza de (Buckwalter, 2010); Midgelow,
2019; De Spain, 2014; Mundim, 2017; e Wait, 2023. Esta pesquisa, apresenta ainda, a
articulação dos conhecimentos produzidos em práticas artísticas e teóricas com objetivo de
apontar para a importância de saberes resultantes destas práticas para pesquisas acadêmicas no
campo da dança. Deste modo, esta pesquisa propõe a elaboração de princípios metodológicos
para o processo de formação do artista improvisador a partir de três gestos atencionais: atenção
aos aspectos sensório-motores-afetivos do corpo; atenção à relação do corpo com o ambiente e
a atenção ao ato de compor.

Esta pesquisa se dedica à análise dos elementos metafóricos presentes em danças negras enraizadas nas culturas das capitais mineira e baiana, identificados como afrometáforas. Ao entender a dança como uma manifestação cognitiva do corpo, este trabalho tem como objetivo demonstrar, por meio dos movimentos e gestualidades, as diversas formas de aglutinação, resistência e existência dos saberes e cosmovisões africanas ao longo da diáspora afro-brasileira, tendo as culturas, baiana e mineira, como contextos nos quais as danças se manifestam. Afrometáforas, entendidas como expressões cognitivas das tradições culturais afro-brasileiras, se manifestam e interagem nas práticas coreográficas e gestualidades das danças tradicionais em Minas Gerais e na Bahia. Essas manifestações metafóricas são influenciadas pelos contextos culturais locais, especialmente no âmbito da pesquisa em Dança? Contribuem para a preservação e ressignificação de elementos metafóricos e cosmovisões (Oyěwùmí, 2002) afro na sociedade brasileira? Conhecimentos transmitidos de muitos modos, escritos, gestuais, orais por mestres e mestras da dança em Minas Gerais e na Bahia evidenciam modos de ser/estar afro, na contemporaneidade, na memória e na cultura. Essa pesquisa demarca esses saberes como metáforas construídas no cotidiano (LAKOFF; JOHNSON, 2002). Nesta investigação analítica, de abordagem qualitativa e descritiva (GIL, 2002), são associados aspectos metodológicos de uma pesquisa participante (BRANDÃO, 1986) a procedimentos de atitude etnográfica (PIMENTEL, 2014), entrevistas em podcasts e análise de documentários são procedimentos da construção dos dados da pesquisa que se orientam na afroperspectiva (Noguera, 2021). O conceito de espiralidade (MARTINS, 2020) fissura a noção da temporalidade linear, vivifica conhecimentos forjados na diáspora afrobrasileira como estratégias de vida e fia a teia do conjunto de referências. A perspectiva enativa (MATURANA; VARELA, 2021) e o conceito de marcadores somáticos (DAMÁSIO, 2018), a noção de corponectividade e o procedimento metafórico do corpo (RENGEL, 2021, 2015, 2007) pensam as gestualidades em danças entre Minas Gerais e Bahia, o corpo tem uma perspectiva integrada, ou seja, aspectos biológicos, fisiológicos e intelectuais são parte dos constructos que partem da cultura. A pujança dos estudos de Fanon (2008) e Souza (2021) nucleiam a dimensão cognitiva-existencial negra na sociedade. Ao considerar a dança e o gesto como materializações de conhecimentos e modos de conhecer, assim como os sabores, o toque de um tambor ou até mesmo a forma de falar, identificamos combinações de metáforas multissensoriais que se revelam marcadores somáticos (Damásio, 2020). Metáforas negras emergem diferentemente em Belo Horizonte e Salvador. Essas afrometáforas apontam conhecimentos e modos de ser, de mover e dançar que se configuram nas pessoas. A dança como ação contextualizada apresenta metáforas e imagens multissensoriais relacionadas à cultura na qual se desenvolve. Reconhecer a importância do protagonismo negro na composição de elementos cognitivos presentificados nas culturas de Minas Gerais e Bahia que espiralam no tempo, oferece repertório para criar estratégias e modos de vida e de dança. As afrometáforas apresentam imagens de múltiplos sentidos que fortalecem a existência e potencializam o existir negro na Dança reiterando a necessidade das vivências culturais para os processos artísticos e de ensino e aprendizagem.

Este estudo é dignificante, retrata com respeito, amor e verdade as mulheres negras na dança
tap, incluindo eu mesma. Muitas, para não dizer em sua maioria mulheres sem rosto, sem nome,
sem história, mas que, em busca, achei seus rastros, seus legados, suas presenças vivas junto à
minha. A dança tap fundamentada em berço africano e diaspórico e sedimentada pelo
matriarcado e filosofias relacionadas que serão discutidas neste estudo, como o Mulherismo
Afrikana (Weems, 2020), a construção de gênero (Oyěwùmí, 2021), o patriarcado branco
heterossexual e como essas instituições perpassam a vivência das mulheres negras e suas
mulheridades. Este trabalho reflete a indignação de meus anos de prática da dança tap, cuja
trajetória foi forjada em apagamentos, mas que, como característica primordial da mulher negra,
eu soube trilhar o caminho que me levou a prosperar. Ao descobrir em minha pesquisa outras
mulheres negras nesse fazer fui ganhando força para utilizar formas de escritas pautadas em
fabulação (Hartman, 2022), deboche, ironia (Paixão e Santos, 2017), a malandragem (Santos,
2020) e um outro pensamento do que virá, o afrofuturismo (Freitas, 2015 e Womack, 2013). O
caminho escolhido na encruzilhada entre África e Europa encontrou comprovadamente a dança
tap sendo formada na negritude, muito antes de qualquer encontro com outros povos ditos
contemporâneos.
Histórias serão contadas pois nós as contaremos, nós seremos as vozes de um tempo que existiu,
existe e existirá. As mulheres negras banhadas em seus saberes, constituíram, mantiveram e
fincaram os seus pés no melhor ritmo das suas vidas que hoje chamamos tap.

Essa pesquisa tem por objetivo investigar a atuação do matriarcado negro nos
processos artísticos em dança do espetáculo - O Feminino Sagrado: Um olhar
descendente da Mitologia Africana do Grupo Afro-Sul de Música e Dança (RS) e o
evento da Noite da Beleza Negra do Bloco Afro Ilê Aiyê (BA), refletindo sobre como
esses saberes/fazeres estão presentes nas metodologias de criação, nas técnicas
corporais e na construção estética das Danças Negras desenvolvidas pelos grupos.
Fundamentada no conhecimento das mulheres africanas e no amor que nutriram e
semearam na diáspora afro-brasileira. A partir de suas dolorosas travessias
atlânticas, a pesquisa aponta como esses territórios se desenvolvem e se organizam
ancorados nos modos de vida que elas estruturam e que, comunitariamente, criaram
estratégias de continuidade e de fortalecimento da cultura negra. Os territórios
apresentados fazem parte do meu processo de reconhecimento e afirmação como
mulher negra e artista e como as minhas vivências e experiências nos referidos
grupos potencializaram esse processo. A escrevivência, bem como as ações de
conhecer, ouvir, ver e aprender fazem parte das escolhas metodológicas,
compreendendo que a conexão entre tais escolhas fundamentam o campo das
pesquisas afrorreferenciadas, realocando os saberes negros no seu lugar de
centralidade das experiências e vivências de uma corpa negra, onde são tecidas as
discussões propostas. Espera-se com este estudo destacar a importância dos
modos de existir, trabalho e saBenças das mulheres negras no fomento da cena
artística onde os grupos encontram-se inseridos, potencializando as discussões
sobre como seus corpos politizam o debate sobre as artes negras, sendo agentes na
criação de instituições culturais que promovem políticas reparatórias a população
negra no Brasil.

Este trabalho perscruta modos de percepção de tempos e corpos violentados pela colonização – sinonímia a possessão –, deste território a ser chamado Brasil. Perspectivado pela Carta de Achamento de Pero Vaz de Caminha desdobrando-a como procedimental a demonização dos corpos brasileiros, e se permanente aos corpos dançantes da atualidade. Exterioriza o problema: O conceito de Inversão Demonizante seria distinguível na Carta de Pero Vaz de Caminha para investigarmos imagens colonizadoras do tempo e dos corpos arraigados aos dançantes brasileiros da contemporaneidade? De intuito observar, analisar criticamente e imaginar por aproximações as violências colonizadoras, primeiramente, a colonização do tempo espiralar (MARTINS, 2021) pelo tempo cronológico axioma para “passado que não passa”, que culminaria ao brasileiro a proposição de colonizado e colonizador. Em segundo, a colonização do corpo pela imagem (MACHADO, 2012), corpo † cruz e sua inversão (CLARK, 2006) demonizante. Doravante revisão bibliográfica, utilizando método pós-positivista (FERNANDES, 2013) de pesquisa, esquadrinharemos possibilidades relacionais a possessão, seja pelo pactuar (BENTO, 2022) com sua sistemática violenta, seja pelo dialogar com os demônios engendrados, para um desenlaçar reflexivo aos corpos que dançam, ao conjecturá-los como tempo (CARDOSO, 2013), ao fazer-dizer (SETENTA, 2008) de si, em reconhecimento de sua historicidade brasileira.

Essa corp.oralidade-dissert.Ação parte de questionamentos frente à posturas e
escolhas éticas e metodológicas, reprodutoras de violências raciais, empenhadas por
mediadores(as) da Dança, professores(as) das Escolas de Dança da UFBA e da
FUNCEB. Com isso, busca-se filosofias, pedagogias, didáticas e conteúdos de
ensino e criação de Dança, que distanciam a morte simbólica de corpos racializados,
como é naturalizado por profissionais nas escolas citadas. Guiada pelo
referencial-tecnológico, concebido pela professora Dra.Sandra Petit, a Pretagogia,
esta pesquisa tem como estratégia investigativa da aplicabilidade da Pretagogia no
campo da Dança, no 1° momento: uma experiência de atuação pedagógica na
Educação de Jovens e Adultos na Escola Municipal Campinas de Pirajá, em
Salvador-Bahia, e no 2° momento: uma experimentação de uma coreocena de Dança
envultada em história em quadrinhos, que tem como mote ignitivo o Marcador de
Africanidade - Estética (Afrofuturista). A fim de refletir sobre as possibilidades
pedagógicas e de coreocenas na Dança com perspectivas futuristas que não
necessitam da autorização da branquitude nem de pautas do colonizador para
existirem na prática. Pelo fato da ausência de estudos que caracterizam o tipo de
ação que se estabelece aqui, um fazer investigativo ao modo de ser negro no mundo,
ou seja, coletivo, espiritual, ancestral, holístico, cosmopercebido, faz-se necessário a
proposição de novas metodologias/técnicas de pesquisas acadêmicas, sendo aqui
identificada pela abordagem “Negr.Ação”. Banha-se nos ensinamentos dos
ancestrais: Amadou Hampâté Bâ (1981), Amélia Conrado (2006), Petrônio
Domingues (2006), Adilbênia Freire (2014), Sandra Petit (2015), Marilza Oliveira da
Silva (2016), Fábio Kabral (2021), Nilma Lino (2012, 2018), Jadiel Santos (2018),
Katiúscia Ribeiro (2019), Bruno de Jesus (2020), Lau Santos (2022), Muniz Sodré
(2023), entre outres. Os resultados da pesquisa almejam a disponibilização de um
dispositivo-científico comunicável para professores-artistas-pesquisadores das artes,
engajades em cumprir a lei 11.645/08, assim como a materialização de um resultado
artístico disruptivo do que seja considerado “obra de dança”.

A presente pesquisa tem como objetivo analisar a cultura do ballet clássico, identificando nela
aspectos colonialistas, mais especificamente cisheteronormativos, que se desdobram até os dias
atuais e fazem com que a referida cultura, siga ano após ano, reproduzindo violências estruturais
a pessoas que estão inseridas neste universo. A metodologia utilizada é auto-etnografia, segundo
as perspetivas de Sylvie Fortin (2009), e Sandra Meyer (2014), levando em consideração que a
pesquisa tem como base a trajetória pessoal da autora, como bailarina clássica, além da
observação do cenário cultural do ballet, especialmente no estado do Pará, e de entrevistas feitas
com bailarinas e ex-bailarinas paraenses. Na discussão sobre colonialidade, este trabalho
dialoga com as ideias de Anibal Quijano (2005), Luciana Ballestrin (2017) e Geni Nuñez
(2019). No que se refere à cisheteronormatividade, ampara-se em contribuições transfeministas,
especialmente das teóricas Letícia Nascimento (2021) e Ana Paula Hining e Maria Juracy
Toneli (2023). Para pensar o sistema disciplinar do ballet, utiliza-se o conceito de corpos dóceis
de Michael Foucault (2012), assim como as perspectivas de Tatiana Mielszarski Santos (2009),
Daniela Silva (2017) e Grace Fernandes da Rocha (2017), sobre aspectos disciplinares do ballet
voltados às infâncias e sobre idealização da imagem delicada e obediente da bailarina clássica.
Trazendo à tona, discussões sobre dor, sacrifício e abalos físicos e psicológicos inerentes aos
espaços do ballet, dialoga-se com Michelle Gonçalvez, Fabiana Cristina Turelli e Alexandre
Fernandez Vaz (2012), Gabrielle Evangelista (2013), Franciely Prado (2019) e Renata Alves
Frederico (2019). Complementando as discussões de gênero, o aporte teórico será em Guacira
Lopes Louro (2004), Giuliano Andreoli (2010), Berenice Bento (2011), Ileana Wenetz e
Christiane Garcia Macedo (2022) e Paul Preciado (2022). Desenvolve-se uma ficção

especulativa de uma realidade onde se fizesse a utilização da técnica do ballet, mas afastando-
se da sua cultura colonialistas e aproximando-se das urgências político sociais vigentes, a fim

de refletir se esta, tem chances de ser uma realidade possível, ou se deixaria de ser ballet.

Nesta dissertação, investigo o encontro entre Dança e Artes Marciais, fundamentado na pesquisa performativa
(HASEMAN, 2015), onde a prática artística é uma forma autônoma de pesquisa, gerando resultados empíricos
individuais. Adoto uma metodologia multi-método guiada pela prática, personalizada ao meu contexto específico,
com uma escrita em primeira pessoa, de contornos metafóricos e poéticos. Investigo como referências marciais
podem se transformar em dança, em sintonia com a Dança Contemporânea, que se constrói a partir das experiências dos corpos. Percorro incursões bibliográficas e autobiográficas, reconhecimento territorial, experimentação laboratorial e artística. As jornadas conceituais buscam refinar minha percepção dos aspectos dançáveis nas Artes Marciais e vice-versa. A história das diásporas asiáticas e suas influências culturais são fundamentais para compor imaginários marciais, colaborando para o desenvolvimento artístico nessa proposta de dança (BITTENCOURT, 2012; ANDRAUS, 2014). O segundo momento da pesquisa envolve o reconhecimento do território de articulação, ouvindo artistas e pesquisadores das relações entre Dança e Artes Marciais. O evento Duelos e Duetos: Marcialidades na Dança é crucial para compreender o cenário contemporâneo. No terceiro momento, experimento no Laboratório Do Ki ao Caos - Marcialidades na Dança, utilizando uma abordagem fluida chamada dao metodológico, associando meu repertório de Artes Marciais à eucinética labaniana (LABAN, 1978; MADUREIRA, 2020).

As atividades incluem Fudochi (dimensões meditativas), Movimentações Repertoriais (investigações marciais em Dança), Dialogias (dinâmicas relacionais de dança) e encaminhamentos finais. A pesquisa culmina na experimentação artística Cerimônia Do Ki ao Caos - Ken Zen Ichi Nyo, baseada no meu exame de faixa preta, integrando segmentos que relacionam dança e elementos marciais. Os objetivos principais são apresentar caminhos para a criação em Dança, baseados na estrutura curricular da arte marcial que pratico, e propor uma estrutura convergente de Dança e Artes Marciais.

Esta pesquisa investigou as propostas da Dança que compõem o campo de
conhecimento da Arte ofertado no ensino médio integrado de Institutos Federais de
Educação, Ciência e Tecnologia, assim como a reforma do novo ensino médio
implementada pela Lei no 13.415/2017, que modificou a Lei de Diretrizes e Bases da
Educação Nacional no 9.394/1996. É utilizada a metodologia qualitativa do estudo de
casos múltiplos (Yin, 2001), por meio de questionário de pesquisa, via internet, para
recolhimento dos dados envolvendo questões implicadas no cotidiano escolar visando
a destacar a presença da Dança nos currículos de Institutos Federais e a política
reformista, sem desprezar a possibilidade de sua revogação, a partir das percepções
de artistas-docentes dessas Instituições. Como aporte teórico são abordadas as ideias
presentes nas propostas das diretrizes legais e documentos normativos em vigência
no sistema educacional brasileiro, permeadas por discussões crítico-reflexivas sobre
a política reformista, mediante perspectivas, entre outros, de Kuenze (2017), Ramos
(2017), e Silva (2018). Abordagem sobre questões da colonialidade na formação do
sistema social e da decolonialidade, segundo Gomes (2019), Grosfoguel (2019),
Quijano (2010), e as articulações com o objeto de pesquisa, uma vez que a educação
institucional, assim como o ensino da Dança, está inserida na realidade sociocultural,
econômica e política brasileira constituída pela colonização. A respeito das distintas
abordagens da Arte e da Dança nas políticas públicas na educação básica,
destacamos, entre outros, Barbosa (2006, 2012), Matos (2014, 2023) e Vieira (2019).
Sobre o histórico da Rede Federal, ressaltamos Pacheco (2011), Vidor et al. (2011),
dentre outros. Os resultados revelaram a existência de docentes habilitados para o
ensino da Dança no agrupamento de Institutos Federais pesquisados, mas ainda é
necessário implementar políticas efetivas par inserção da Dança como componente
curricular, apesar de não ter sido identificada a implantação da política reformista
nessas Instituições. Diante dos resultados sobre um acontecimento contemporâneo
que envolve diversas áreas do conhecimento, as percepções e reflexões sobre
territórios moventes da Dança no ensino médio Integrado dos Institutos Federais e o
contexto das políticas educacionais apontam implicações da contrarreforma do ensino
médio no campo da Arte/Dança.

O processo da elaboração curricular do Colégio Universitário (COLUN) da Universidade
Federal do Maranhão (UFMA) é marcado pela implementação da Dança no componente Arte
da instituição, o que demanda a reorganização da disciplina para garantir a oferta das quatro
áreas artísticas – Artes Visuais, Dança, Música e Teatro. Nessa perspectiva, reflete-se sobre
como a Dança pode colaborar para com a formulação da Proposta Curricular (PC) de Arte para
o Ensino Fundamental da escola, estimulando o estudo do corpo com base nas especificidades
dessa área de conhecimento em diálogo interdisciplinar junto às outras Artes. Há a intenção de
que a PC do componente colabore com a formação humana e cidadã dos/as estudantes,
concordando com as premissas do Projeto Político Pedagógico reestruturado
concomitantemente. A pesquisa-ação (THIOLLENT, 2011) é adotada como o caminho de
investigação por salientar a transformação e a participação coletiva pretendida pela elaboração
e implementação da matriz curricular. Nesse sentido, esta pesquisa parte do contexto de
elaboração da PC de Arte, mas amplia sua análise, apresentando uma abordagem historiográfica
sobre o surgimento dos Colégios de Aplicação (CAp) no Brasil e do COLUN na UFMA, assim
como avaliando o panorama da Dança nos outros sete CAp que ofertam a área regularmente no
currículo. Formula-se uma retrospectiva acerca do desenvolvimento da Arte no COLUN até a
inclusão da Dança e seus momentos iniciais de vivência na escola. As impressões discentes
sobre a experiência em Dança colaboram para a investigação de elementos importantes para a
formulação da PC de Arte, como as noções de Dança, corpo e currículo. Desse modo, esta tese
defende que a contribuição da área a esse contexto deve se dar a partir da Dança como área de
conhecimento (RANGEL; AQUINO, 2018; AQUINO, 2007); do corpo sob perspectiva
integrada (RANGEL, 2014; RENGEL, 2007; KATZ; GREINER, 2005); e do currículo como
dispositivo materializado por seus atos e gerenciador dos diálogos interdisciplinares
(MACEDO, 2017). A nível de resultados, apresenta-se a elaboração e implementação curricular
adotada na instituição a partir de 2023, salientando a contribuição específica da Dança a essa
composição e à área de conhecimento. Avalia-se que esta tese colabora para a reflexão acerca
da integração curricular da Dança na Educação Básica ao ponderar os desafios e as conquistas
inscritas na estrutura artística do COLUN e de outras Escolas de Aplicação, na perspectiva de
aprofundar o estudo da Dança em outros contextos educacionais, especialmente os das escolas
da Rede Federal de Ensino.

Esta tese tem como principal objetivo investigar modos de composição coletivas
a partir da improvisação em dança, e provocadas pelos sonhos. Para isso, relata
e reflete sobre sete experiências - de oficinas, residências e aulas conduzidas
por mim ao longo dos últimos cinco anos - analisando suas metodologias e
desdobramentos. As práticas se apoiam na experiência dos sonhos noturnos
como possibilidade de re-imaginar mundos e criações em dança. A Prática como
Pesquisa - PaR (Fernandes; Scialom, 2022) é a metodologia que embasa a tese.
O intuito da pesquisa foi indicar maneiras plurais de propor composições, a partir
de conteúdos provenientes de saberes sobre os sonhos, conversando
principalmente com Davi Kopenawa e Bruce Albert (2015), Hanna Limulja
(2022), Sidarta Ribeiro (2019, 2022), Arnold Mindell (1993), Carlos Castañeda
(1993) e Robert Moss (1996). Buscou-se também promover um diálogo com
artistas improvisadoras do Brasil – Bárbara Santos, Gabriela Santana e Marcela
Felipe - de modo a identificar diferentes pensamentos e práticas realizadas no
país, visibilizando principalmente especificidades de danças afro-indígenas. A
pesquisa expande a noção de dramaturgia na dança, elaborando o termo
cosmo(com)posição para abordar danças não coloniais, e modos
pluriperspectivistas de realizar uma criação coletiva, propondo relações com o
campo da improvisação e de filosofias afro-indígenas a partir de Denetém Touam
Bona (2020); Antonio Bispo (2021); Oyèrónkẹ́ Oyěwùmí (2002); e Flor Guerreira
Pataxó (2022).

Este trabalho busca refletir sobre o Maculelê, frequentemente interpretado como
prática popular de resistência das culturas advindas da África. O estudo debruça-se
em compreender cinco estruturas organizativas que constituem o Maculelê: o caráter
de dança, luta, jogo, ritual e brincadeira. Para tanto, o trabalho procura compreender
os trajetos históricos das denominações das culturas brasileiras através de termos
como Folclore, Cultura Popular e Patrimônio, assim como refletir sobre as implicações
da colonialidade na construção das subjetividades. A pesquisa conta com um estudo
de campo realizado em Salvador e Santo Amaro da Purificação, na Bahia. Foram
realizadas diversas entrevistas com mestres, mestras, pesquisadores, pesquisadoras,
fazedores e fazedoras do Maculelê, que culminaram na realização de um vídeo
documentário longa-metragem intitulado “Maculelê: entre paus, grimas e cacetes”. Por
fim, o trabalho pretende pensar de que forma a imagem e o visual dilata o campo das
epistemologias, das metodologias e das formas de produzir conhecimento. Com isto,
buscamos avançar em questões que alimentam debates sobre o Maculelê,
colaborando com estudos que se ocupam da reflexão das danças brasileiras.

Esta dissertação surge com a tarefa de romper com as narrativas hegemônicas
sobre a Dança de Salão na Paraíba, eixo Campina Grande, que por muito tempo
tenderam a insistir na manutenção de uma história única das pessoas fazedoras.
Teve como objetivo analisar criticamente a presença da mulher enquanto
docente, no contexto de ensino da Dança de Salão, com o interesse em
questionar o lugar do homem, tido como sujeito sabedor. Para isso, por meio de
leituras e análises sistemáticas, foi construído um referencial teórico concernente
às relações estabelecidas entre Dança de Salão, corpo e docência, em diálogo
com os estudos de gênero e sexualidades, feminismos interseccionais e
decoloniais. Destacam-se pessoas pesquisadoras como Katz e Greiner (2005,
2021); Silveira (2018; 2021); Polezzi (2020); Ribeiro (2019); Nascimento (2021);
Lugones (2019); Oyèronké (2021); Akotirene (2019); Kilomba (2020); Spivack
(2010) e bell hooks (1989; 2013). A abordagem metodológica combinou,
pesquisa de campo via aplicação de entrevistas semiestruturadas e análise dos
exemplos que constituem o corpus da pesquisa. Espera-se que este estudo
contribua para um levantamento de questões para um debate mais amplo, ao
mesmo tempo que histórias não contadas possam insurgir para a decolonização
do ensino. Por fim, propõe-se fomentar possibilidades de uma docência
transgressora, que permita diversas experiências de mulheridades que desafie
os poderes patriarcais e a recusa da subalternidade imposta aos corpos das
mulheres, assim como uma transformação da consciência histórica e a
reavaliação do protagonismo das pessoas docentes, sobretudo em uma dança
que a generificação dos corpos é também um lugar de poder.

A pesquisa-criação proposta nesta dissertação objetiva investigar, narrar e
discutir experiências de programas performativos idealizados pela autora e
pessoas parceiras entre 2019 e 2022, afetados por relações interseccionais entre
gênero, raça e classe. A escolha por denominar este estudo de pesquisa-criação
se dá com o intuito de não hierarquizar os processos teóricos e práticos, ao
mesmo tempo que é convocada e defendida a noção de que esses processos
acontecem juntos e intrinsecamente. O problema de pesquisa consiste na
seguinte indagação: como ocupar e friccionar espaços de poder a partir da criação
e da reflexão sobre programas performativos que surgem de um pensamento
feminista aliado a políticas antirracistas, antissexistas e anti-homofóbicas? O
direcionamento do debate sobre gênero é proposto a partir das autoras que se
aliam a uma perspectiva interseccional: Lorde (2019), Figueiredo (2020), Bilge e
Collins (2021). Por sua vez, o conceito de programa performativo investigado se
dá a partir do entendimento da pesquisadora Eleonora Fabião (2013), que propõe
programa performativo como a criação de uma situação, problema,
experimentação política. Metodologias distintas são combinadas para navegar
nesta pesquisa-criação: a coreocartografia, por Dolores Galindo e Daniele Miliolli
(2017); e a cartografia por Virgínia Kastrup e Eduardo Passos (2013) e por Suely
Rolnik (2014). As testagens e análises dos programas performativos, aqui
apresentados, são uma cartografia de experiências que foram atravessadas tanto
pela autora individualmente, como na guerrilha com outras mulheres.

Esta pesquisa de mestrado trata-se de um estudo coimplicado de configurações
artísticas cênicas audiovisuais no processo do laboratório de criação em Dança
“Banhanças” (Porto Iracema das Artes/CE), com o objetivo de compreender os corpos
gordos que dançam como “danças gordas contemporâneas” e, assim, tensionar as
ditas danças contemporâneas no contexto brasileiro. Partimos da obra Meninas do
Brasil – mais conhecida como “As três gordinhas” ou simplesmente, “As gordinhas” –
, da artista plástica baiana Eliana Kertész, convergindo para a análise de obras
artísticas de duas artistas mulheres gordas, uma de cada: Peso Bruto (2017), de
Jussara Belchior Santos (SC); e Engasgada – um ensaio para regurgitar o mundo
(2020), de Gal Martins (SP). O arcabouço teórico refere-se às seguintes temáticas
relacionadas à dança e o corpo que dança como atos políticos e performativos:
criação, pesquisa e crítica em dança contemporânea (ARRAIS, 2013; ROCHA, 2011;
AGAMBEN, 2009; MUNDIM, 2009; SETENTA, 2008); a gordofobia e os padrões
corporais na sociedade (JIMENEZ, 2020; VIGARELLO, 2012); e os corpos em crise
como resistência e vínculo de ativismos (HABIB, 2020, 2021; GREINER, 2010). Nosso
intuito é apresentar o corpo gordo na dança contemporânea e sua relevância na
criação e produção artísticas contemporâneas quando mobilizam outros modos de
ser, pensar e fazer dança no que se refere tanto ao que se configura como
processualidade, como pautando as corporalidades gordas em suas performatividades
dançantes, almejando contribuir para futuros estudos sobre dramaturgia performativa da
dança.

Esta pesquisa propõe a análise de processos artísticos/educativos desenvolvidos pelo
autor em sua atuação como artista, educador e gestor cultural, utilizando as narrações
das histórias de vidas como estratégia metodológica para o desenvolvimento das
constelações como atualizações em dança. Entendemos que as atualizações se
constituem em coletividade, de várias formas. São muitas imagens: visuais,
sensoriais, táteis, textuais, verbais que se articulam tecendo constelações. As
narrações se estruturam coletivamente e geram sentidos a partir dos afetos
(Spinoza/Safatle), com pessoas implicadas com ética e democracia para o
desenvolvimento de significados (Bittencourt Machado/Macedo/Josso) para gerar
atualizações de si, de outras pessoas e atualizações de danças que ecoem para
outros corpos e outros processos de ensino aprendizagem. Compreendemos que não
é possível dissociar atualização de implicação, de afetos, de divergências, de
problematizações e de histórias de vida. Lógico que não se trata de relatar todas as
experiências dos corpos e suas vivências, mas apostar no entendimento de que o
corpo que dança não está apartado dos diversos tipos de relações que estabelece.
Dança com elas, as que são possíveis, e não há controle absoluto sobre isso. Para o
desenvolvimento deste argumento, observamos ações específicas que aconteceram
durante a pesquisa implicadas nas histórias de vidas de artistas, professoras(es),
estudantes e familiares: a primeira ação foi o desenvolvimento da Revista LAMBE
(2021 e 2022), que integrou a Plataforma de ações "INTERVALOS" do Grupo de
Pesquisa Labzat, dobra 01, vinculada ao Projeto de Pesquisa Imagens como
Acontecimentos: mapeamentos do corpo, mapeamentos do mundo e que se
apresenta, aqui, como um outro tipo de configuração de dissertação. A segunda ação
foi a criação da performance "Antes de dizer Adeus", com o Balé do Teatro Castro
Alves (BTCA - 2022). A terceira ação é uma análise sobre a gestão pública em dança
no Centro de Formação em Artes/Escola de Dança da FUNCEB (2018 a 2023).
Considerando a natureza do objeto de estudo optou-se pela abordagem qualitativa,
por meio da etnopesquisa-formação e das histórias de vidas implicadas no
levantamento de questões necessárias para a construção da pesquisa. Constelamos
para colaborar com esta discussão, autores como Roberto Sidnei Macedo, em seus
estudos sobre a etnopesquisa-formação e a pesquisa com a experiência; Adriana
Bittencourt (2012), em suas pesquisas sobre imagens, acontecimentos e a natureza
da permanência; Marie Christine Josso (2009) e Rita de Cássia de Jesus (2010), com
a formação por meio das histórias de vida e outros aportes teóricos como Jorge
Larrosa (2005), Jussara Setenta (2008), Beth Rangel (2014), entre outras teóricas e
outros teóricos.

A presente dissertação tem como objeto de estudo as danças realizadas nos anos de 2021, 2022 e 2023 em duas mobilizações indígenas: Acampamento Terra Livre (ATL) e Marcha das Mulheres Indígenas (MMI). O objetivo principal é analisar as danças das corpas indígenas, como potência de vida em co-existência diante da colonialidade. Assim como, compreender a movência enquanto herança ancestral e coletiva, para a continuidade de suas corpas-territórios, diante de relações estabelecidas entre dança indígena, corpo, cognição e enfrentamento às políticas de estado. Para tal, utiliza-se uma abordagem metodológica que combina revisão bibliográfica e pesquisa de campo (via aplicação de entrevistas semi-estruturadas com as corpas indígenas participantes das mobilizações que constituem o corpus da pesquisa). No tocante à revisão bibliográfica, destaca-se os seguintes autores: Helena Katz (2005); Christine Greiner (2005); Eliane Potiguara (2018); Geni Nuñez (2019); Sandra Benites (2018); William Mcneill (1995); Ailton Krenak (2022, 2020); e Davi Kopenawa (2015). Além dos citados, o compilado de artigos Literatura Indígena, organizado por Trudruá Dorrico (2020), também é imprescindível para a pesquisa. A hipótese que aqui se levanta, considera a dança como um ato político e cognitivo de luta, na medida em que aciona elos musculares e ancestrais capazes de promover um ordenamento cinestésico e, portanto, o fortalecimento das corpas em modos de agruparem-se e resistirem coletivamente. Para resistir, enfatiza-se aqui a capacidade de estar em resiliência, de viver em espiral e em movimento contínuo junto ao coletivo.

A investigação se configura como um processo cartográfico de grupos, companhias e
coletivos brasileiros e se propõe a identificar pistas sobre a noção de trabalho enunciada
por agrupamentos artísticos, bem como analisar os impactos das políticas culturais,
atreladas àquelas geradas pela pandemia da Covid-19, junto aos sujeitos implicados na
pesquisa. Toma-se como metodologia a cartografia (PASSOS, KASTRUP, 2009),
definida como uma investigação qualitativa de caráter participativo que envolve aspectos
éticos, estéticos e políticos advindos dos sujeitos envolvidos, a partir de suas experiências
e, também, da experiência do pesquisador. Essa metodologia dá oportunidade para que
novas perspectivas surjam no decorrer da investigação, as quais serão validadas pelas
percepções construídas no processo e pela triangulação dos dados. No aporte teórico,
apresenta-se recortes historiográficos do trabalho social no Brasil e os marcos legais que
embasaram a consolidação das classes trabalhadoras no país, bem como os aspectos
singulares deste processo de formação, as invisibilidades e as concepções que configuram
lógicas sobre o trabalho, estabelecendo relações com o campo da dança. Para tanto, são
tratados aspectos ligados à história global do trabalho, suas transformações e relação com
o campo da dança, seus mercados e sua precarização, tendo como eixo transversal a
pandemia da Covid-19 no Brasil. Ao final, a partir da análise da colheita de dados
realizada através de encontros virtuais, denominados de proposições performativas,
baseado na metodologia de grupos focais (BARBOUR, 2009), traça-se um diagnóstico
com as noções de trabalho presentes nos grupos, companhias e coletivos de dança do
Brasil participantes desta investigação, identificando as distintas concepções e
reivindicações do setor da dança enquanto categoria de trabalhadores.

O meu encontro com a cobra coral e outras cobras inofensivas, mulheres negrasem
situação de dança, constrói-se dentro do Programa de Pós-Graduação em dança da
Universidade Federal da Bahia (UFBA) e se insere na linha de pesquisa 2,
Processos e Configurações em Dança. A principal problemática que se apresenta é
a condição de invisibilidade e hipervisibilidade das mulheres negras artistas da
dança contemporânea no Brasil, em razão do racismo estrutural em que estamos
inseridas. Partindo dessa problemática, apresento a seguintepergunta: sendo a cor
da pele um dos traços fenotípicos que é índice de negritude em nossos corpos, ela
importa na dança contemporânea brasileira? Partindo de uma perspectiva
metodológica afrocêntrica (Assante,1998), construí a escrita considerando minha
localização psicológica, no Piauí, sertão do Brasil, agora em Salvador, e assentada
em lembranças e algumas imaginações surgidas a partir dos processos da diáspora
negra vivenciados pormim e meus ancestrais trazidos do continente africano para o
Brasil. Minha irmã,que nasceu morta, o crânio de Luzia e coisas que eu inventei
participam da presente pesquisa como corpos que dançam entre o real e o
imaginário, criando situações absurdas. Por conseguinte, pensadores, intelectuais
e artistas negros fortalecem as proposições aqui levantadas, como Ani (2015),
Mbembe (2018),Kilomba (2019) e hooks (2019), dentre outros. No campo da dança,
busco tencioná-la, conectando-a com as opressões de raça, gênero e classe que
somente mulheres negras experimentam. Ao mesmo tempo, procuro apontar
caminhos abraçando a categoria amefricanidade (Gonzales,1988), que nos
proporciona adentrar em uma unidade maior, específica da América do Sul, pormeio
das imagens de Eliana de Santana (SP), Jaqueline Elesbão (BA), RobertaRox (GO).
Wilemara Barros (CE), Jamila Marques (PE) Tieta Macau (MA) e dos projetos que
compõem o que nomino de “Trilogia da esperança” nas cidades deTeresina (PI) e
Salvador (BA). Projetos desobedientes, (Galindo, 2020), baseados no amor como
ação e compromisso de emancipação coletiva (West, 2021). Por meios das
construções intelectuais de Bittencourt (2012), Conrado (2015) e Silva (2017),
proponho que mulheres negras em situação de dança desestruturem pela e com
suas ações de dança os nefastos efeitos do racismo e do sexismo no campo da
dança contemporânea brasileira.

Esse trabalho propõe a reflexão da Dança do Ventre com a perspectiva dos
princípios do rizoma, conceito filosófico desenvolvido por Gilles Deleuze e Félix
Guattari no livro “Mil Platôs” (2017). Nesse sentido, objetiva-se apresentar a
conexão, heterogeneidade, multiplicidade, ruptura assignificante, cartografia e
decalcomania como dispositivos que esclareçam a sua composição,
desenvolvimento, relevância e continuidade. Tal abordagem se faz necessária
para combater suas implicações arborescentes e o modo de representação que
reduz a própria diversidade que lhe é inerente. Profundamente afetada pela
conjuntura capitalista e colonial da Modernidade, a Dança do Ventre passou a
abarcar uma multiplicidade de danças e identidades de forma generalizante,
agrimensada por paradigmas hegemônicos eurocêntricos. Ao analisar a
contiguidade desses atravessamentos, essa argumentação justifica e encoraja
a fomentação de novos desdobramentos e devires que ressignifiquem seus
essencialismos. A metodologia aplicada consistirá no levantamento, revisão e
leitura crítica do quadro de referências bibliográficas. Como principais marcos
teóricos, além do rizoma de Deleuze e Guattari (2017), também se apresentará
o conceito de orientalismo como desenvolvido por Edward W. Said (2007).
Ademais, serão referenciadas fontes primárias do século XVIII como as obras de
Carsten Niebuhr (1776), Claude-Étienne Savary (1787) e Edward William Lane
(1836), além de obras de autoras árabes, iranianas, armênias e turcas, a respeito
de Najwa Adra (1998), Arzu Öztürkmen (2003) e Rosina-Fawzia Al-Rawi (2012).
Esperamos com essa pesquisa demonstrar a insustentabilidade das ficções
cronopolíticas, dos discursos e narrativas orientalistas, bem como da fixidez
epistêmica em vincular origens centralizadoras e míticas à Dança do Ventre.
Assim como o rizoma é resiliente a reificações e silenciamentos, propomos seu
uso como ferramenta política, epistemológica, social e ética que resulte numa
Dança do Ventre que se expanda pelo desvio. Consideramos que é no devir,
portanto, que ela encontra sua permanência e insurgência.

Esta pesquisa parte de uma construção teórica subsidiada numa reflexão crítica e analítica entre o artivismo Colling(2019), Troi (2018) na Dança e sua função política. Tem como propósito gerar uma articulação entre Dança e política para discutir corpovozes  como subversivos, que sobrevivem e transgridem padrões normativos já estabilizados. Corpos que habitam diferentes instâncias de sobrevivência gerando nas interfaces entre política, cultura e sociedade, manifestos em Dança. Essas são algumas propostas e caminhos que delimitam o espaço espistemológico dessa pesquisa, que propõe o entendimento de Corpovoz como propositor e articulador dos seus discursos de (r)existência como ação performativa. O Corpovoz, em sua ação de proferir a indissociabilidade  entre vida e arte,  Dança e artivismo expõe estratégias de sustentabilidade, as vezes mínimas, ao mesmo tempo em que da visibilidade ao seu modo de sobrevivência. Arte e vida no Corpovoz são inseparáveis, pois em sua ação performativa exibe as mazelas e os efeitos da categorização das dissidências e seus processos de subalternização. Elucida que os processos políticos, sociais culturais são responsável pela condição de corpo abjeto, no qual a Dança se incube de enunciar os artivismos construídos a partir de um fazer-dizer Setenta(2008) dos corposvozes. A pesquisa, dispõe de arcabouço teórico amparado nos autores que problematizam as ações e os efeitos dos paradigmas sociais para a modificação atitudinal em relação aos corpos dissidentes de sexo, sexualidade, gênero, classe e raça contra a norma constituída na cultura-sociedade ao longo da história. Afim de enfatizar a (r)existência histórica dos corpos artísticos que através do movimento hiv/aids, problematizou e resistiu a epidemia discursiva Bessa (1997) da aids para além do vírus hiv, aponta-se trabalhos dissidentes que discutem a intersecção da arte/dança/performance. Para tanto, buscar-se-á compreender os agenciamentos políticos que tencionam a vida e os processos de assujeitamento desses corpos, seus discursos de resistências a partir de entrevistas semiestruturadas.  Nessa pesquisa, há, também, minha trajetória artística/acadêmica, vivendo com   hiv, implicado nas questões levantadas na perspectiva do Corpovoz, ao trazer no último capítulo minhas experiências como narrativas escrevivenciadas (Evaristo,2007) dialogando com pressupostos teóricos como parte do artivismo no campo das artes dissidentes de sexualidade, classe e cor na dança. 

A pesquisa traz um olhar investigativo sobre as relações entre dança,
sexualidade e sexo a partir das danças de par por imagem e imaginação. As
inquietações que deram início a pesquisa emergiram das vivências da autora
como professora e praticante de danças de salão. Para a realização deste
trabalho, foi adotada a pesquisa exploratória, a partir das referências em filmes
e obras coreográficas nas quais foi possível identificar as aproximações entre
dança, sexualidade e sexo, visando ampliar os conhecimentos acerca do tema.
Durante o levantamento dos materiais foi necessário destacar as danças de par
– imagem e as danças de par – imaginação, que consideram, respectivamente,
a formação de um par em cena e demais possibilidades de pares a partir da
imaginação do espectador com base na compreensão de que a dança comunica,
expressa e estimula o imaginário (HANNA, 1999). A análise dos materiais
possibilitou a identificação de padrões machistas e heteronormativos
(MISKOLCI, 2012), que excluem a diversidade nas relações e modos de
existência. Através de Foucault (1988) e Preciado (2014), discute-se a
sexualidade como dispositivo de controle sobre os indivíduos. Em contraponto,
Nunes Filho (2012) e Lorde (2009) vislumbra-se o corpo e o erotismo como
potência de enfrentamento as lógicas predominantes.

Esta pesquisa tem como objetivo potencializar o entendimento da dança do pagode
baiano enquanto mote gerador de discussões e abordagens artístico-educativas,
preocupado com o corpo negro no cenário escolar. A problemática central apresenta a
seguinte questão: Como o pagode baiano apresenta possibilidades para o ensino da
dança nas escolas públicas de Salvador, compreendendo as narrativas do corpo negro
periférico? Trazemos como referencial teórico-metodológicos os(as) seguintes
autores(as): Mattos, para tratar da perfomance do pagode baiano no contexto escolar;
Freire, pensando em uma educação focada nos oprimidos; Dewey, para compreender a
relação entre experiência e educação; Marques, a fim de refletir sobre um ensino de
dança crítico e transformador, e também Ribeiro, para pensar o lugar de fala,
especialmente, do corpo negro. Nos apoiamos ainda na metodologia etnográfica, pelo
viés da dança, apresentada por Dantas. Os resultados apontam para a visibilização da
história do pagode baiano, pelo olhar de artistas da dança; um reconhecimento valorativo
dessa dança enquanto conhecimento artístico-educativo que dialoga com diversas
temáticas; e a contribuição epistemológica para as áreas da educação e da dança. Com
isso, concluímos que esse estudo se faz necessário por ser uma importante ação pioneira
no que tange a investigação específica da dança do pagode baiano na Universidade,
junto a oferecer ferramentas para professores de dança e de outras áreas que desejem
trabalhar com essa vertente, e ainda por se relacionar com o contexto e a realidade de
crianças e adolescentes de escola pública.

Esta dissertação intenta se aprofundar no ensino/aprendizagem das danças de
salão, apontando, principalmente nas suas concepções hegemônicas. Nelas, o
professor e sua parceira são modelos exclusivos a serem seguidos, não sendo
ela (a mulher) vista como detentora de conhecimento. As mulheres vêm
desempenhando importante papel na sociedade como um todo. Cada vez mais
protagonistas tanto na esfera pessoal como na profissional. Assim, as relações
de poder que existem entre homem e mulher nas danças de salão precisam ser
revistas e reconfiguradas, pois essas são parte também da sociedade. A partir
de uma revisão literária, será apresentado um breve histórico (ZAMONER,
2017) do desenvolvimento dessas danças, nas quais as concepções
hegemônicas são apontadas como ontologias transcendentes (MATURANA,
2001). A proposta é expor essas transcendências e argumentar como elas
podem se constituir em ontologias constitutivas, dentro desta prática de dança,
tornando-as ações democráticas e não autoritárias. As metodologias se
articulam com as minhas experiências como aluna e como professora, todavia,
busco me juntar ao posicionamento emancipatório de muitas mulheres
(BIROLLI, 2018). Entendidas diversas vezes como sendo uma dança social, as
danças de salão inclinam-se a apresentar e a retratar, em suas ações,
aspectos machistas (LENER, 2013), sexistas, heteronormativos e patriarcais,
sustentados por um conservadorismo pouco discutido. As danças de salão não
devem ser entendidas apenas como distração e complacentes com um hábito
cognitivo que fomenta o nefasto patriarcado. Elas são cocondução entre as
pessoas (FEITOZA, 2011). Entendidas assim, e corpos como corponectivos
(RENGEL, 2021), haverá diálogos potentes para reorganizar, reorientar a
ontologia transcendente e/ou imutável que elas parecem ter em transformação
para uma ontologia constitutiva.

Esta pesquisa qualitativa faz reflexões de análises e estuda sobre procedimentos
metodológicos, com uma metodologia nomeada "Plano de aula Aberto" em aulas do
Método Pilates (Clássico e Contemporâneo), com enfoque direcionado a partir do
quadril, para a formação da pessoa. Busca como objetivo investigar a partir da
experiência da pessoa com os Métodos e o acessório bola, modos do corpo operar
cognitivamente que gerem a construção de conhecimento autônomo em movimento
de dança e/ou para a vida. A hipótese que orienta esta pesquisa é a de que esta
atenção dirigida pelo professor, desencadeie um processo de autonomia do corpo,
ou seja, da pessoa. Aponta para a importância na formação, em virtude da prática do
Método colaborar para a construção de ações mais conscientes dos processos
cognitivos, surtindo possíveis procedimentos metodológicos a partir da experiência
vivida. Como principais referenciais: Paulo Freire (1996) para tratar de autonomia,
Lenira Rengel (2015, 2007) para a abordagem do procedimento metafórico do corpo,
Bonnie Cohen (2015) na Abordagem Somática, António Damásio (2010) para tratar
de imagens corporais, Bondía Larrosa (2002) para falar de experiência, Lúcia
Pimentel (2015) para as questões de Método e Metodologia. As atividades foram
desenvolvidas de modos presenciais e online (em razão da COVID-19), muitas
vezes com objetos/acessórios e outras sem, apenas com os indicativos de imagens
metafóricas. Fazendo este trabalho foi percebido a dificuldade de falar sobre esta
região do corpo, no entanto o gesto sem palavras foi experienciado. Evidencia-se o
Pilates contemporâneo em seu princípio respiratório, como prática em uma
abordagem somática desencadeadora de possível contribuição para um aprendizado
a partir do movimento como conhecimento. Neste entrelaçamento de saberes
realizados com corpos diversos durante as aulas na extensão, os corpos
questionaram padrões, manobras de controle, repressões e o não-domínio, como
resultante foi construída uma cartilha, "Cartilha de Pilates na Extensão Universitária",
que abarcou novos elementos epistemológicos para a pesquisa acadêmica em
Dança.

A partir da identificação do problema das formas de desigualdade presentes na
sociedade, em especial no que diz respeito ao acesso à arte e a cultura, o objetivo
principal desta pesquisa foi compreender as contribuições da mediação cultural para
o ensino de dança em contexto escolar, estabelecendo como recorte a educação
profissional no estado de Pernambuco. A hipótese investigada foi de que o ensino
de dança via mediação cultural contribui para a elaboração de leituras críticas de si e
do mundo, as quais possibilitam ampliar oportunidades de acesso à arte e a cultura.
A abordagem da investigação foi exploratória, descritiva e analítica. O desenho
metodológico teve como referência principal o estudo de caso único da experiência
de mediação cultural no ensino de dança realizada no Curso Técnico de Dança do
Programa MedioTec na cidade de Jaboatão dos Guararapes, Região Metropolitana
de Recife, nos anos de 2017 a 2018. Para tanto, a pesquisa baseou-se em múltiplas
fontes de evidência: análise de documentos, entrevistas semiestruturadas, relatos
autobiográficos e registros de observação participante. A revisão de literatura contou
com as contribuições de Aquino e Assis (2017); Andrade (2018); Barbosa (1989,
2014); Coutinho (2011); Dayrell (1996); Freire (1996, 2020); hooks (2017); Louppe
(2012); Marques (2010); Martins (2012); Oliveira (2011) e Perrotti (2016). A
investigação demonstrou que o MedioTec - Dança possibilitou a estudantes do
ensino médio a inserção em circuitos culturais dos quais não participavam até então.
Além disso, a conscientização sobre o direito a artes e a cultura contribuiu para o
desenvolvimento de projetos culturais pelos/as estudantes dentro de suas próprias
comunidades. A hipótese foi comprovada, explicitando que a consolidação de
hábitos culturais demanda ações continuadas, o que aponta, sobretudo, para a
importância do investimento em políticas públicas de educação e cultura, caminho
efetivo para proporcionar mudanças estruturais e na sociedade.

Este estudo apresenta parte da história da dançarina norte-americana Isadora
Duncan, precursora da dança moderna. Trata-se de um recorte sobre a sua origem e
os trânsitos que possibilitaram a construção de uma dança conectada com os
elementos da natureza, a mitologia grega e o renascimento. A criação deste novo
pensamento de dança desvincula-se da estética formal do balé clássico e preconiza
a ideia do plexo solar de onde partem todos os movimentos da sua dança. Desde a
sua passagem em turnê pelo Brasil em 1916, onde se apresentou nas cidades do Rio
de Janeiro, São Paulo e em Salvador no Teatro São João, o seu fluxo criativo
reverbera em processos artísticos e ações pedagógicas implementadas pela Escola
Contemporânea de Dança. Tais experiências estabelecem diálogos possíveis com
pensadores que dialogam com os pressupostos apresentados nesta pesquisa, tais
como Jorge Larrosa, Paulo Freire, Helena Katz, Christine Greiner, Ailton Krenak e
Susan Foster contribuem para o entendimento da dança. A natureza expressiva, das
linhas Duncan e sua conexão com mente, espírito e movimento, manifestam a criação
do termo CORPODUNCAN. Estas trocas contínuas de saberes se opõem aos
dualismos cartesianos, as estruturas binárias que fragmentam o corpo e tentam
separá-lo. Dessa forma, CORPODUNCAN intui a simbiose corpo, cultura e ambiente
em diálogo com a teoria Corpomídia para compreender essa concepção. É um
testemunho sobre como o corpo da referida dançarina provocou uma mudança de
paradigmas, atravessou o século e ainda representa um emblema de conquistas e
aspirações emancipatórias, constituindo um dos ideais representativos da liberdade
feminina, tão necessários na contemporaneidade.

A presente Dissertação de Mestrado Acadêmico em Dança interpreta a relação do Corpo e do Candomblé na construção de saBenças, as quais suplantadas pelo axé/nguunzo (força vital) dos Espaços-Terreiros, contribuem de forma contundente para constituir o que se apresenta como Corpo-Ebó. Apontamos que este Corpo move e Dança a existência negro-brasileira na diáspora. O/um Corpo-Ebó é um movimento ancestral, o qual age cognitiva e epistemologicamente para encantar o mundo em perspectiva negrorreferenciada, visa e sustenta revoluções negras. É o/um corpo político justamente por constituir-se da natureza Terreira. É também capaz de estabelecer outras escrituras da existência negro-brasileira no aiê (terra), inspirado dos legados negro-africanos, sustentados, desde que a colonização fora a principal estratégia política de dominação social no Brasil. Portanto, o Corpo-Ebó é decolonial. Para tanto, encorpamos a Pesquisa Encruzilhada (FERREIRA, 2019, 2021), aqui entendida como Metodologia da Gira, de modo a substanciar uma episteme negra assentada à imagem do Jogo de Búzios – tecnologia e prática recorrente nos Terreiros de Candomblés na Bahia. Assim, espalha-se tais saBenças no grande alguidar da esperança, no qual o discurso/função do ebó (oferenda, comida, sacrifício) escorre para elaborar o modus operandi do/de um Corpo-Ebó. A estrutura epistêmica está dividida em seções, sendo três “Entradas”, três “Notas Suplementares”; seguidas de três Capítulos, nos quais o Jogo se manifesta pelo cruzo de seis Caídas. Ademais, há três “Caídas Suplementares”, três “Caídas Exigidas” e seis “Itans Contemporâneos em Diáspora”. Desse modo, estabelece-se relações entre o referencial principal, com o secundário e o terciário – a encruzilhada-epistêmica se faz e refaz efetiva. Assim, move-se esta episteme negra Terreira junto a Prandi (2001, 2006, 2017, 2018), Beniste (2016, 2021), Santos (2020, 2021), Santana (2019) e Ferreira (2019, 2021), Simas e Rufino (2018, 2019), Rufino (2016, 2019), Santos (2016), Simas (2020), Quijano (2005), Machado (2010), Machado (2019), Novaes (2021), Sodré (2019), Santos (2012), Reis (2014), Maurício (2009), Lima (2015), Oliveira (2005, 2021), Nascimento (2016). De modo secundário: Rocha (1999), (Lagos I, 2021), Martins (2014), Oxóssi (2020), Krenak (2020), Cunha (2007), Póvoas (2004, 2015), Sousa Junior (2018, 2019) e outros/as; e de modo terciário: Conrado (2021), Amado (1970), Amancio (2019), Silva (2021) e outros/as. Por fim, o Corpo-Ebó elabora danças como cruzos/discursos políticos de continuidade ancestral e permanência; legitimação e afirmação de si e sua egbé (comunidade), sendo a ancestralidade a benquerença indivisível que une Orum/Aiê Ntoto/Duílo – Terra e Céu, sendo Nós, pessoas negro-brasileiras e Corpos-Ebós, junto aos/as Orixás, Inquices, Voduns, Caboclos/as, Aldeias, Caciques, Tupã e a Natureza em festiva alacridade de Danças, potências das revoluções negras tão pautadas pelas políticas da contemporaneidade. 

O antropocentrismo e o especismo são relações sociais que hierarquizam os corpos,
pautando-se na definição colonial do que seria humano em detrimento do que não seria,
prescrevendo como se vive e como se morre de acordo com as aproximações do corpo
ao projeto iluminista de humano, atuando, portanto, como um status social. A narrativa
antropocêntrica transforma corpos em recursos e promove extinções em massa. Trata-se
de catástrofes ambientais e de desparecimentos políticos (FAUSTO, 2020) que são
fomentados pelo projeto civilizacional e pelo teocentrismo cristão. Esta pesquisa tem
como objetivo relacionar dança e especismo. Para isto, recorro a uma anti-metodologia
ao modo de fazer ciência que se pauta no excepcionalismo humano (DERRIDA, 2002) e
nas análises fundamentadas em tudo-ou-nada (INGOLD, 1994) através de: perguntas-
fabulações (DESPRET, 2021) que buscam promover fissuras nas certezas
antropocêntricas; composições com fragmentos imagéticos para tensionar a supremacia
da palavra escrita (COLETO, 2022); tensionamento da linguagem binária (HABIB,
2022); análises de especismo explícito em obras artísticas e interações com as
ontologias e epistemologias que são subversivas ao antropocentrismo como o
perspectivismo ameríndio (DANOWSKI, VIVEIROS DE CASTRO, 2017), o animismo
(INGOLD, 2021; KRENAK, 2020) e os Estudos Multiespécies (HARAWAY,2019;
VAN DOOREN, KIRSKEY, MÜNSTER, 2016; GILBERT, SAPP, TAUBER, 2016)
para somar outras perspectivas a definições importantes para o campo da dança como
“humano”, “não humano”, “indivíduo”, “ambiente” e “sociedade”. Corpo de que-m
habita as ruínas desenlaçando em contribuições para processos criativos em dança; em
pistas para perceber manifestações especistas nas artes do corpo; em caminhos para
subverter o especismo em práticas artísticas; na criação de um quase-solo de dança e no
entendimento político de que a dança é uma relação multiespécie.

Apresento, através dessa pesquisa, o viés afrorreferenciado e suas dinamizações para a
criação cênica. O projeto desenvolvido no Programa de Pós-graduação em Dança
PPGDAN-UFBA toma como aportes principais os fundamentos da ancestralidade, o
adinkra Sankofa, a cosmopercepção, abrangendo o ser por inteiro e o candomblé, para
uma composição artística-acadêmica, centralizada no corpo negro, candomblecista,
periférico, interiorano, às margens da sociedade. É urgente e mister que a criação cênica
esteja pautada nos próprios fazeres, inspirações e embasamento teórico-prático no/e a
partir do ser negro. As metodologias amalgamadas são: a “escrevivência”, a
“autoetnografia”, aplicada na área da dança, ambas articuladas aos materiais do próprio
pesquisador em diálogo com a base teórica e a prática junto com a escrita, o Juntó. O
objetivo desse nó é desatar caminhos ancestrais afrodiaspóricos nos fazeres da arte cênica.
A escrita vem também do “escreviver”, alicerçada às epistemes que enraízam as filosofias
africanas, contando também com encontros acerca do tema da ancestralidade que
alimentam os Diálogos Nagôs. A prática articulada diretamente ao teórico é inspirada e
revelada nos movimentos dos Òrìṣà, com o intuito de homenageá-los. Por fim, utilizamos
os movimentos da prática, contando também com a relação passado-presente-futuro de
Sankofa e como eles culminam no corpo. As considerações (in)finitas apontam para um
percurso em processo, cuja trajetória pretende-se e se afirma enraizada nos
conhecimentos pretos. Para tanto, elegemos como título “Juntó dançando Sankofa:
escrevivência na dança ancestral”, elegendo, como partes de sua composição, os
componentes da árvore ancestral, a saber: o baobá, sua semente, suas raízes, seu tronco,
seus galhos e seus frutos carregados de sementes.

O presente estudo se propõe a abordar o protagonismo de mulheres que ocupam o
papel de mestras das Danças Populares Afrodiaspóricas, enfatizando seu lugar de
fala, entendido aqui como a tomada de consciência do papel dos sujeitos nas lutas,
se protagonista ou coadjuvante no âmbito do debate social. Trata-se de uma
pesquisa destinada a discutir as relações de gênero no contexto da cultura popular a
partir do questionamento do número reduzido de mestras nos folguedos e demais
manifestações culturais populares no âmbito da Dança e das provocações
feministas propostas pelas mestras interlocutoras, Janja, precursora do feminismo
angoleiro e Mestra Joana precursora do Movimento feministas do Baque Virado. O
referencial teórico-metodológico da pesquisa tem como bases os estudos
etnográficos e a netnografia, visando abarcar o caráter exploratório da pesquisa. Os
estudos propostos se assentam nas epistemologias da Cultura Popular,
compreendida como um espaço de produção de saberes e fazeres das classes
populares no Brasil, composta majoritariamente por uma população negra. As
relações de gênero apresentadas nesta pesquisa são conduzidas a partir da
perspectiva do feminismo negro, reconhecendo as interconexões entre raça, classe,
gênero, assim, o presente estudo abarca os estudos interseccionais. Espera-se com
essa pesquisa fomentar o debate a favor da participação de mulheres na
candidatura ao posto de mestra, e enfatizar sua contribuição no ativismo cultural,
visando diminuir os efeitos da falta ou não gerenciamento das políticas públicas no
setor cultural e demais áreas sociais. Ressaltar o papel das mestras nesse embate é
de extrema relevância, em virtude do legado que será transmitido às gerações
futuras.

Esta dissertação de mestrado discute as relações estabelecidas entre danças
populares, participação social e políticas públicas para o setor cultural no município
de Jaguarari, localizado no Território de Identidade Piemonte Norte do Itapicuru,
Bahia. Apresentando a Dança de São Gonçalo do Amarante e a Quadrilha Junina
como recorte de interesse, a investigação partiu do seguinte problema de pesquisa:
como articulações políticas e sociais podem contribuir para viabilizar a promoção da
cultura e artística local do município em análise? O objetivo principal foi compreender
as concepções presentes na comunidade acerca do conceito de cultura, assim como
das políticas culturais presentes e/ou ausentes no município e as suas relações com
os fazedores de cultura. Foram delineados como objetivos específicos: documentar
as manifestações supracitadas; reconhecer os percursos, fazeres e saberes dos
atores locais; identificar as iniciativas para manutenção da memória e salvaguarda das
manifestações; visibilizar as reivindicações da comunidade; e colaborar, mesmo que
indiretamente, para o desenvolvimento cultural local apontando perspectivas para a
formação, qualificação e atuação continuada de agentes da cultura. O estudo se
organizou em abordagem exploratória, analítica e participativa, destacando as
realidades vividas na localidade e as experiências junto aos interlocutores a partir do
método da pesquisa-ação. Foi definido um plano de ação com procedimentos de
observação, diálogos e entrevistas semiestruturadas realizadas de forma presencial e
on-line, revisão de literatura especializada em cultura e políticas culturais no Brasil,
assim como verificação de documentos (leis, conselhos, fundo, ações) pertinentes à
Secretaria Municipal de Cultura, Esporte, Lazer e Juventude e à Secretaria de Cultura
do Estado da Bahia. Destaca-se que as análises e discussões tiveram suas
concentrações a partir do recorte temporal de 2007 a 2022, permitindo observar os
caminhos tomados pelas políticas culturais no município e as relações com outras
esferas de governo. Verificou-se a inexistência de menções à dança no que diz
respeito às políticas municipais, a falta de um plano de cultura municipal, falta de um
fundo municipal de cultura e a carência de diálogos entre as esferas Municipal e
Estadual, constatações que repercutem na carência de participação dos agentes nas
formulações legais e no reconhecimento dos fazeres e promoção da cultura local. Os
resultados obtidos corroboraram a elaboração conjunta de um documento que
evidencia a Dança como movimento importante a compor a pauta política do
município, cuja expectativa é contribuir para o campo de conhecimento e para o
desenvolvimento de políticas públicas locais.

Do corpo negro no balé clássico ou das histórias que não se contam é o título desta
dissertação de Mestrado, que tem a intenção de analisar, problematizar e discutir as questões
que envolvem a inserção do corpo negro em companhias de balé, investigando a inclusão de
bailarinos e bailarinas negras em companhias de dança que trabalham com repertório clássico
ou cuja fundação tem o balé como premissa. Para isso, nossa amostragem selecionou uma
companhia brasileira (São Paulo Cia de Dança) e uma companhia norte-americana (Dance
Theatre of Harlem). Considerando o número restrito de bibliografia dedicada a tal assunto -
corpo negro no balé clássico -, principalmente no Brasil, mas também pelo mundo, a
realização desta pesquisa se justifica por colaborar criticamente acerca desta lacuna e
possibilitar novas reflexões e caminhos de pesquisa a partir do tema, pois consideramos que
sejam questões relevantes para a Dança, de uma forma geral, e que estão em pauta na
geopolítica do Brasil e no mundo. Por um lado, racismo, colonialismo e soberania do estado
e, por outro, protagonismo negro, insurgências e novas narrativas, são temáticas presentes
neste texto. Também fazem parte desta discussão comigo, autores como: Mbembe (2018),
Nogueira (1998), Kilomba (2019) Munanga (1986), Gonzales (1982), Foucault (1997), entre
outros, contando também com autores e autoras das ciências cognitivas e da comunicação,
como Katz e Greiner (2001).

A proposta de realizar uma crítica-analítica acerca da ação do patriarcado nas
danças de salão é, obviamente, um enfoque específico neste grande campo
chamado de “danças de salão”. Assim, esta pesquisa objetiva narrar, descrever
e dissertar sobre ações e/ou atitudes machistas, direcionadas
preponderantemente contra mulheres, nos ambientes das danças de salão, que
emergem do pensamento patriarcal (LERNER, 2019). O termo “mulheres”
reconhece a gama infinita de diferenças de fenótipos e de privilégios entre as
mulheres. Todavia, no foco deste trabalho, considera-se que todas as mulheres,
muito embora em graus e dores diferentes, sofrem subalternidade em relação ao
patriarcado. Para tanto, esta abordagem traz assuntos como os privilégios
herdados pelo machismo patriarcal, intentando desvelar aspectos
discriminatórios, violentos e impositivos. Sabidamente o patriarcado é uma ação
estrutural social e a dança não está apartada da sociedade, ao contrário, dela
faz parte, reciprocamente age e é agenciada por esta mesma sociedade. Modos
socioculturais estruturantes como binaridade de gênero (BENTO, 2015),
masculinidade tóxica (AMBRA, 2019) e postulações de religiões judaico-cristãs
(THEODORO, 2020) são fundamentos sócio-históricos que não se esgotaram e,
portanto, agem sistematicamente na educação, nas artes, nas culturas e nas
danças, ainda que de modos diversos. Esta ação estrutural se manifesta em
metáforas dicotômicas (FEITOZA, 2011) usadas em aulas e nos bailes, tais
como cavalheiro x dama, forte x fraca, racional x emocional, condutor x
conduzida, que legitimam e mantêm relações de poder da figura masculina.
Revisões bibliográficas, entrevistas com alunos e vivências em sala de aula são
processos de investigações referenciados em metodologias que abordam o
ensino como regulação/emancipação (SANTOS, 2010). Tais metodologias, por
sua vez, se amparam em pedagogias (D’ÁVILA e FERREIRA, 2018) que
intentam, a partir desta crítica-analítica focada no que é ainda cruel, desigual e
dominante, apontar outras maneiras de ensinar e de dançar. A complacência
bem assentada em relação à ação patriarcal deve ser veementemente
rechaçada para que se possa afirmar uma dança de salão pós-abissal (SANTOS,
2018), que contribua para uma inserção engajada na transformação desse
quadro social, pedagógico e artístico. Espera-se que uma dança pós-abissal
possa romper a linha abissal e que a mesma abra novas perspectivas para uma
dança antipatriarcal.

Constatamos que, no Ceará, política e história tensionam corpos em suas existências e
resistências diante de uma permanente invisibilidade nacional. A dança faz parte dessa
realidade no que chamamos de “encangamentos possíveis” como pergunta de pesquisa que
busca vislumbrar as potências dos ativismos da dança do Ceará em suas dimensões políticas e
históricas. Nesse sentido, os ativismos em dança (CORREIA, 2013) são pensados no estar
coimplicado dos corpos em coletivo no fazer-dizer performativo (SETENTA, 2008) e como
ajuntamentos coreopolíticos (LEPECKI, 2011), a partir de apontamentos infrapolíticos
(SCOTT, 2013), tensionados por evidências historiográficas. De caráter crítico-propositivo,
buscamos identificar como certos discursos sobre dança produzidos no contexto do Ceará
mostram aspectos que estruturam as organizações coletivas, nos quais política e história
mostram-se indissociáveis mesmo que distintos em dois momentos: 1) Publicações de
histórias da dança cearense com narrativas biográficas/individuais e de grupo/coletivas; e 2)
atuações de organizações coletivas do Ceará por meio de associações e fóruns. Para tanto,
contribuem para nossa argumentação e articulação teórica: o mito de identidade nacional
(TAMBUTTI; GIGENA, 2018); o conceito de profanação (AGAMBEN, 2007); a história
única (ADICHIE, 2019); a história social (HOBSBAWM, 2013; THOMPSON, 1981) e a
interseccionalidade (AKOTIRENE, 2019; DAVIS, 2017).

Esta pesquisa emerge da experiência no curso de Licenciatura em Dança da UFPA cuja matriz
curricular é organizada em disciplinas, de acordo com o Projeto Pedagógico (UFPA, 2011).
Analisando as implicações da disciplinarização (MORIN, 2011) para a formação do(a)
licenciando(a), apontamos a interdisciplinaridade (FAZENDA, 2012) e a complexidade
(MORIN, 2011) como conceitos que colaboram para o estabelecimento de diálogos entre
saberes, impulsionando-nos aos novos paradigmas do conhecimento. Sabendo que a Educação
Básica – um dos principais âmbitos de atuação do professor(a) – solicita posturas docentes
afinadas à dialogicidade (FREIRE, 1987), reconhecemos a importância do desenvolvimento,
ainda na licenciatura, de habilidades docentes pautadas em aspectos interdisciplinares. Nesse
sentido, surge a hipótese de que o sapateado americano, analisado sob a perspectiva da
interdisciplinaridade, apresenta-nos a possibilidade de desenvolvimento de tais habilidades por
seu vínculo específico entre Dança e Música. Assim, articulando os elementos da Dança
(LABAN, 1978; LOBO e NAVAS, 2007; RENGEL, 2015a) e da Música (ARTAXO e
MONTEIRO, 2013; SCHAFER, 2011) presentes na técnica, elaboramos uma proposta
didático-metodológica autoral e original intitulada experiência formativa, sendo voltada à
Licenciatura em Dança e pautada no jogo (SILVA, 2013) como estratégia metodológica que
organiza tal experiência. Fundamentada em um estudo de caso (YIN, 2001), essa vivência
traduz-se pela composição de vinte e seis jogos faseados e um jogo de tabuleiro. As
reverberações da proposta ao contexto formativo são estudadas a partir das noções de
experiência (LARROSA, 2020) e formação (MACEDO, 2014a), aproximando-se de uma
provocação curricular (MACEDO, 2017) e de alguns documentos que versam sobre a formação
docente, como a BNC-Formação (BRASIL, 2019). A pesquisa, então, adota a revisão
bibliográfica, a elaboração da experiência formativa a partir do jogo e a aproximação com
alguns documentos legais da Educação como procedimentos metodológicos, resultando na
explicitação da contribuição do sapateado à formação de professores de Dança através do
material proposto. O intuito é colaborar com as licenciaturas de todo país e ir além,
extravasando esse espaço ao propor reflexões mais amplas sobre a Dança na Educação.

O objetivo desta pesquisa é documentar as artes integradas de origem yorubá presentes na
afrodiáspora no culto dos Orixás e Orishas do Brasil e Cuba, exaltando suas complexidades e
seus fundamentos para poder realizar um estudo da dança que se integre com todas as artes. A
partir desse entendimento unificado das artes, se propõe fundamentos para o estudo da dança.
Propondo uma escrita interativa, através do uso do QR Code e da escolha de três formas de
leitura, a presente pesquisa apresenta um olhar para as expressões artísticas da cultura yorubá
afrodiaspórica presentes nas artes do culto aos Orixás e Orishas do Brasil e de Cuba. Para
aprofundar os conhecimentos dessa pesquisa, trago os conhecimentos de Nancy de Souza e
Silva, Dona Cici, mulher negra, de 81 anos de idade, filha de Oxalá, Egbomi do Terreiro Ilê
Axé Opô Aganjú6
, Apetebí7

de Ifá. Contadora de histórias no Espaço Cultural Pierre Verger, ela
é uma representação viva das artes integradas da cultura afrodiaspórica no Brasil, Apetebí Ifá e
conhecedora da Santeria8 Cubana. Os resultados que apontam esse estudo são a evidenciação

de que as artes integradas yorubás são um grande aporte para a formação dos artistas. Conclui-
se que ao apresentar alguns fundamentos destes conhecimentos, se possa aplicar os seus

conteúdos na formação em arte de pedagogos, bacharéis e nas suas criações artísticas.

A pesquisa parte dos saberes e fazeres das rezadeiras do terreiro Bate Folha, em Salvador, e busca revelar de que forma elas desenvolveram o ofício em contato com suas vivências de religiosidade e fé. Mergulho enquanto filha de santo, artista e pesquisadora no ambiente das rezadeiras possuidoras de conhecimentos, que garantem a saúde física e espiritual que acomete o doente, trazendo a sua cura. Nesse sentido, valorizo esses costumes de manifestações tradicionais afro-brasileiras na contemporaneidade, considerando diversos aspectos: corporais, plásticos, poéticos, simbólicos, artísticos e histórico-sociais. O objetivo
principal da pesquisa é ressignificar as memórias, corporalidades e elementos simbólicos de
matrizes estéticas afro brasileiras, das v ivências de terreiro e narrativas da reza, que me
atravessaram em processos criativos na poética de dança afroancestral: Alfazema. Uma dança que traz movimentos encarnados nas memórias, atravessamentos e estabelece relações com a religiosidade, encontros com o sagrado, comunicando corporalmente identidades e ancestralidades. Estar envolvida em vivências cotidianas do terreiro revela, nesse trabalho, os atravessamentos da cultura do Candomblé de nação Congo-Angola, abarcando as diversidades estéticas e culturais, com enfoque na memória e ancestralidade, evidenciando um modo de viver e de pensar negro. Desse modo, a pesquisa de campo, as entrevistas, a história oral e a prática como pesquisa são caminhos metodológicos que a pesquisa assumiu ao longo de dois anos.

A presente pesquisa tem como propósitos: 1) criar, caracterizar e explorar a noção de Corpes Transformacionais, bem como os inúmeros conceitos transontocosmoepistemológicos dela advindos e os mundos por ela engendrados, propondo-a como reflexão artística, política e social fundamental para reflexões sobre variância corporal e de gênero nas Artes da Cena, assim como tecer experimentações filosóficas acerca das 2) poéticas de corporificação, alteração e potencialização da transformação corporal neste campo, traçando 3) as implicações políticas dos dispositivos de poder institucionais e não-institucionais cisheteronormativos que exercem colonialidades sobre estas existências. Para tal, produzirei, através da Transquimerografia, movimentos conceituais que promoverão suportes para a minha proposição teórica e experiencial, como os de estados corporais, transformação corporal e alteração dos estados da matéria, a partir de referenciais dos Estudos da Performance, da Filosofia da Diferença, do Feminismo Neomaterialista e Pós-Humanista, dos Estudos Trans, dos Estudos Antropológicos e dos Estudos Anticoloniais. A caracterização de Corpe Transformacional revela novas perspectivas metodológicas e maneiras de resistir a processos cisnormativos de captura da transformação corporal através de cistemas. Contra estes processos, tentei elaborar novas possibilidades transontocosmoepistemológicas cênicas com caminhos anticoloniais que possam promover paisagens radicais para a criação de outros seres e mundos. 

Enquanto fenômeno complexo de acontecimentos (conceituais, organizacionais e atitudinais), os bailes de Fandango, que ocorrem nas comunidades caiçaras tradicionais da Juréia, retroalimentam o dinamismo das narrativas locais. Estas, por não estarem apartados das relações geradas no corpo que toca, dança, trabalha e brinca, possibilita a criação de pontos de (re)existência, capazes de gerar outros modos de ser e estar no mundo. O que provoca os esforços concentrados na presente investigação é a análise do modo como a cotidianidade das comunidades mencionadas incide na aprendizagem da dança nos bailes de Fandango. Para tanto, após um período de imersão nas referidas comunidades, esta dissertação apresenta o contexto político, social, econômico e as consequentes mudanças nos arranjos culturais. Inspirados nos enredos que compõem e atravessam os microcosmos das famílias analisadas, foram estruturados três eixos de aprendizagem, tendo em vista o corpo imerso em uma ambiência de repertórios autobiográficos. Que por sua vez, à luz da aprendizagem inventiva (KASTRUP, 2007), são mobilizados graças as forças locais que, por estarem fundados na ação autoral, na ética da sociabilidade e na poética caiçara, coadunam o desejo de criação de realidades outras. Balizada pela abordagem de pesquisa qualitativa, de natureza descritiva, o percurso cartográfico (PASSOS; KASTRUP; ESCÓSSIA, 2009) utilizado conjuga as falas, entrevistas e registros bibliográficos a experiência dos sujeitos participantes da pesquisa. Diante do exposto, a escrita aponta que os bailes de Fandango que ocorrem na Juréia, enquanto elemento ainda capaz de retroalimentar o dinamismo local, se fazem presentes nos corpos dos sujeitos. É a partir da linguagem historicamente gerada no corpo que toca, dança, celebra, brinca e trabalha que são estabelecidos os pontos de conexão que retroalimentam os processos mencionados. É no corpo que o fazer/saber caiçara evolui, se transforma, se fortalece e se reafirma. São nos modos de vida caiçara, face às fricções do corpo com o meio, que são mobilizados os processos de aprendizagem. Estes, em fluxos contínuos, provisórios e transitórios, se apresentam em intensidades, articulações e modulações, que possibilitam a criação de modos de subjetivação das famílias fandangueiras na Juréia.

A dissertação investiga a seguinte questão: como a disciplina Dança desenvolvida junto ao Grupo
OLGART da Escola Municipal Olga Figueiredo de Azevedo pode contribuir para a formação de
sujeitos cidadãos? O objetivo da pesquisa foi descrever e analisar essas contribuições a partir da
experiência de doze anos de serviço prestado ao município de Salvador como docente em Dança.
Para tanto, foi construído um percurso metodológico a partir dos elementos estruturantes da prática
da Bricolagem, composto pelas seguintes estratégias: a) História de Vida, na qual abordo minha
trajetória no ensino público Municipal de Salvador com destaque para o Grupo OLGART; b)
Revisão sistemática do conceito de sujeito, tomando como unidade de análise os artigos dos
periódicos com qualis A1 e A2 da plataforma SUCUPIRA da Coordenação de Aperfeiçoamento de
Pessoal de Nível Superior na área de avaliação “Artes”, no período 2015-2020; e finalmente, c) o
Método indiciário, para explicitar o lócus de estudo, que permitiu discutir o papel da Dança no
ambiente público escolar, através da realização de entrevistas semi-estruturadas junto aos
estudantes. Através deste percurso foi verificada a hipótese de que as experiências dos participantes
do Grupo OLGART vão além do desenvolvimento de habilidades e competências técnicas e
procedimentais em Dança, e promovem o reconhecimento e valorização de corpos sujeitos,
estimulando-os a expressar-se e posicionarem-se diante de temas cotidianos ou emergenciais do
entorno onde estão inseridos com confiança. Deste modo, identifico que os participantes exercitam
a criatividade, convivência em grupo, capacidade para liderar, aguçando incessantemente a
curiosidade e questionamentos nas suas leituras de mundo. A pesquisa confirmou que a participação
no Grupo OLGART contribui para o processo de construção da cidadania, permitindo aos
estudantes transformar suas realidades, e ao mesmo tempo trazendo à luz das discussões os desafios
rotineiros dos docentes no âmbito da educação básica. Finalmente, afirmo através dessa pesquisa
que projetos como o Grupo OLGART são ambientes que promovem o diálogo entre Arte e Cultura
nas redes públicas de educação.

Esta Dissertação é o desenvolvimento de um processo de criação sensível na conexão arte e vida, corpo e ambiente, entendendo a escrita como um desafio na investigação daquilo que acontece e mobiliza nosso corpo pela sua própria biografia e como esse (re)conhecimento no corpo, ao dançar, tece interações com o ambiente ao redor. Uma escrita do saber que surge no fazer artístico e que investiga a possibilidade de geração de poéticas do/no corpo por meio de descobertas de autoria através das relações estabelecidas entre Body-Mind Centering™ (BMC™1) e Improvisação em Dança. Autoria é entendida aqui como uma entrada, um contato com o que há de biográfico em cada ser humano, é um diálogo direto com o autoconhecimento que vem da perspectiva corpo-mente do BMC™, desenvolvido por Bonnie Bainbridge Cohen e seus colaboradores, advindo da experiência somática na relação com a Dança. Como as práticas de BMC™ e Improvisação em dança podem gerar movimentos de autoria? Essa questão da pesquisa vem pelo desejo, pela necessidade de organizar, aprofundar e iniciar uma espécie de sistematização das experiências e procedimentos de investigação do/no corpo como criador de um movimento próprio, singular e autêntico. Para isto, a escolha metodológica de pesquisa deste estudo se pauta na Prática como pesquisa, onde a escrita se organiza concomitantemente ao desenvolvimento prático da investigação sobre autoria (FERNANDES, 2013). Na realização desta metodologia destacamos como procedimentos a realização de laboratórios, oficinas e processos de criação, além da pesquisa bibliográfica, escrita (auto)biográfica e entrevistas. Assim, as experimentações aqui se dão pela criação da obra “Orgiologia” e das 6 oficinas de “Práticas de Autoria” realizadas durante toda a construção deste trabalho. Apresentamos um recorte histórico na dança, desde um olhar somático, assim como nas artes em relação ao movimento de mudanças paradigmáticas nos corpos dos anos de 1960 e de 1970, com a contracultura, a vanguarda nos Estados Unidos e suas reverberações pelo mundo. Época em que a abordagem somática do BMC™, se encontra com outras disciplinas (dança, terapia, teatro, etc.) na busca de novas sensibilidades. Assim, neste trabalho temos como autores centrais Bonnie Bainbridge Cohen (2015), Lourence Louppe, (2012), Alva Noë (2010), Lucas Valentim Rocha (2019), Ivana Menna Barreto (2017), Daniela Guimarães (2012) e Annie Suquet (2008).

Esta dissertação de mestrado tem como pesquisa o Opaxorô, Ofá e o Oxê: legado, narrativas de danças de Mestre King e Jorge Silva. Parto da noção da dança como ação cognitiva do corpo, isto é: o modo do(s) corpo(s) conhecer(em) a si mesmo, axs outrxs, ao mundo para pensar uma história da dança que nos afeta. Assim, nesta abordagem proponho: Opaxorô, cajado referente a Oxalá como, narrativa do legado do Mestre King; o Ofá, arco e flecha referente a Oxóssi, é sentido como narrativa de trajetos biográficos de Jorge Silva; e o Oxê, machado de dois gumes referente a Xangô, traz o símbolo para desenvolver mecanismos contra injustiças sociais. A discussão trata de nossa dança, alicerçada no sistema cultural iorubano, em sua cosmologia, também em um modo de conhecer caminhos possíveis da expansão à diversidade epistemológica na afrodiáspora. Fortalecer a memória viva de danças disseminadas desses coreógrafos e artistas que atravessam gerações e mantêm suas contribuições para profissionalização e produção de dança na Bahia. Para defender as proposições foram usadas metodologias consideradas em construção devido à escassez de estudos nesse perfil. Foram utilizadas abordagens descritiva e qualitativas (GIL, 2002) e aspectos que entrecruzam uma atitude etnográfica com Álamo Pimentel (2014). Recursos como entrevistas em documentário, jornais, revistas, acervo pessoal, experiências com Mestre King e Jorge Silva, serviram de aporte pois sou sujeito participante no processo de desenvolvimento da pesquisa. Autores que deram suporte nas articulações teóricas como Rengel (2007, 2015), Almeida (2018), Jagun (2015), Luz (2017), Noguera (2014, 2011), Moreira (2019), Abdias do Nascimento (2019), entre outros, postulam e fundamentam conceitos e teorias pertinentes. Busco como resultados possibilidades transgressoras de novos/outros hábitos cognitivos, como sabedorias africanas aqui reinventadas e ressignificadas, que amplia o repertório de pensamento para compor e existir na afrodiáspora.

No gozo performativo do dançar essa dissertação apresenta de que modos
sujeitos que evidenciam dissidências (HUR, 2015) de gênero e sexualidade,
constituem com seus corpos e modos de vida transgressores elementos para a
construção de poéticas em dança que questionem a norma cisgênera heteronormativa
(PRECIADO; LEAL; ROSA. 2019, 2018 e 2017). O processo teceu um diálogo com as
trajetórias de Mulheres trans, e as que estão trabalhadoras sexuais (PRADA, 2018) e
moram em Aracaju/Sergipe, cujas vivências e experiências de vida desestabilizem as
práticas regulatórias que materializam as performances de gênero e sexualidade.
Nesse percurso, me coloquei como pesquisador-artista-interlocutor, cúmplice desses
sujeitos, no intento de investigar as potências que emergem a partir das experiências
cotidianas com essas pessoas. Discutimos sobre o corpo e suas dissidências de
gêneros e sexualidades, cruzadas com reflexões étnicas, raciais e afrodiasporicas.
Identificamos a entidade Exu como princípio dinâmico de transformação/transgressão
(SIMAS e RUFINO, 2018; SILVA, 2018; SOARES e NASCIMENTO, 2018) e episteme
atuante frente às normatizações do ocidente. Esse trabalho realizou-se
simultaneamente entre a pesquisa de campo; os laboratórios de criação; a pesquisa,
leitura e seleção de referenciais bibliográficas e de audiovisuais. A pesquisa
organizou-se considerando a noção da observação participante (INGOLD, 2016) num
processo educativo da percepção e atenção. A pesquisa Intersecciona (AKOTIRENE,
2018) reflexões sobre gênero, sexualidade, questões étnico-raciais e diaspóricas
(BUTLER, 2013 e 2019; PRECIADO, 2019; GOMES, 2011; FIGUEIREDO, 2018;
CARNEIRO, 2011 e 2012; RESTIER, 2019; VEIGAS, 2019;OYĚWÙMÍ, 2018;
NASCIMENTO, 2019;HALL, 2013). Teci um olhar sobre os processos e metodologias
de criação em dança que acompanham a formação artística e acadêmica do
pesquisador (RODRIGUES, 1997; MACHADO, 2017), bem como a crítica realizada a
essas perspectivas (HÖLFLING, 2015). Inclui na analise a importância das
experiências extensionistas com Aldeia Mangue (Departamento de Dança/UFS) na
criação do espetáculo Chamem todas as Marias. O conceito de transantropoemia
(LEAL, 2018) propõe lógicas hibridas e processos de colagem como apostas que
evidenciam a subjetividade do artista-pesquisador na criação de elementos poéticos
e nas interlocuções realizadas no campo. Problematizamos as implicações éticas nos
processos criativos, os quais se evidenciaram interseccionalizados e espelhados às
ancestralidades (SANTOS, 2018). Como resultado aponta um processo poético e
político no sentido de superação dos conservadorismos estruturados na doutrinação
do corpo conforme o contrato heteronarmativo e cisgênero.