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Dissertações |
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JORGE ANDERSON DE JESUS SANTOS
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Design emocional e o antropomorfismo: percepção visual das expressões emocionais na face automotiva.
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Orientador : SUZI MARIA CARVALHO MARINO
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MEMBROS DA BANCA :
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CARINA SANTOS SILVEIRA
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FLAVIA GOULART MOTA GARCIA ROSA
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SUZI MARIA CARVALHO MARINO
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Data: 12/02/2020
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Desde seus primórdios e em sua forma mais rudimentar, o carro é objeto de prestígio e simbolismo, por permitir levar mais longe e mais rápido. Ao longo dos séculos as transformações formais pelas quais passou tornaram o automóvel um objeto de desejo e, projetando simbolismos. Neste sentido, a presente dissertação trata da percepção de formas antropomórficas em automóveis com base na abordagem do design emocional de Norman (2008), com ênfase nas relações das expressões emocionais da face humana. A literatura enfatiza a inclinação natural do ser humano na busca por referências humanoides em coisas, objetos ou eventos, conforme Guthrie (1993), no entanto, não havia até então, um direcionamento afetivo dessas percepções, assim, esta pesquisa objetiva pautar a percepção emocional nas formas dos automóveis com base no conceito de antropomorfismo. Para isso, utilizou-se o método comparativo com o objetivo de estabelecer associações formais, a fim de relacionar os traços expressivos de sete expressões emocionais básicas, descritas por Ekman (2011), aos traços formais observados na parte frontal dos carros, a partir dos dados obtidos com as análises realizadas por Windhager e outros (2008) e, por fim, estabelecer as relações das expressões emocionais entre ser humano e automóvel. Conclui-se que o objetivo geral da pesquisa foi alcançado, ao relacionar traços do design automotivo às sete expressões emocionais básicas, no entendimento de que projeções humanas em objetos se fazem necessárias, uma vez que facilitam a percepção e a compreensão de nós mesmos no espaço simbólico.
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Since its beginnings and in its most rudimentary form, the car has been an object of prestige and symbolism, as it allows to take it further and faster. Over the centuries the formal transformations it has undergone have made the automobile an object of desire and, projecting symbolisms. In this sense, the present dissertation deals with the perception of anthropomorphic forms in automobiles based on Norman's (2008) approach to emotional design, with emphasis on the relationships of emotional expressions on the human face. The literature emphasizes the natural inclination of the human being in the search for humanoid references in things, objects or events, according to Guthrie (1993), however, until then, there was no affective direction of these perceptions, thus, this research aims to guide the emotional perception in the forms of automobiles based on the concept of anthropomorphism. For this, the comparative method was used in order to establish formal associations, in order to relate the expressive traits of seven basic emotional expressions, described by Ekman (2011), to the formal traits observed on the front of the cars, from the data obtained with the analyzes performed by Windhager et al. (2008) and, finally, to establish the relationships of emotional expressions between human and automobile. It is concluded that the general objective of the research was reached, by relating traits of automotive design to the seven basic emotional expressions, in the understanding that human projections on objects are necessary, since they facilitate the perception and understanding of ourselves in space symbolic.
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Rita Caroline da Silva
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A JOIA: HISTÓRIA, SIMBOLISMOS E EMOÇÕES
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Orientador : SUZI MARIA CARVALHO MARINO
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MEMBROS DA BANCA :
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CARINA SANTOS SILVEIRA
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FLAVIA GOULART MOTA GARCIA ROSA
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SUZI MARIA CARVALHO MARINO
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Data: 12/02/2020
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A joia é um objeto portador de símbolos e significados ocultos. A partir dela podemos expressar e comunicar personalidade, identidade, desejos, pertencimento, religião, sentimento de proteção e memória tanto do criador quanto da pessoa que o assume para contemplação, desde os tempos ancestrais. Por meio do estilo da joia é possível identificar épocas, como ocorre com a arquitetura e os movimentos histórico-artísticos, uma vez que o estilo é entendido como uma série de valores estéticos que caracterizam uma maneira específica de elementos decorativos de uma determinada época, cultura ou individualmente na sociedade. O simbolismo da joia é importante para distinguir e identificar o ser humano possibilitando que façamos associações com experiências vividas anteriormente relacionados a emoções como autoimagem e imagem, memórias afetivas, especificidades particulares e culturais, significados que atribuímos a algo, entre outros. Diante deste cenário questiona-se como contribuir para o conjunto de estudos historiográficos sobre a joia, particularmente no que se refere aos aspectos simbólicos e emocionais? A presente pesquisa tem-se como objetivo geral contribuir para o conjunto de estudos historiográficos sobre a joia, particularmente no que se refere aos aspectos simbólicos e emocionais. Para a realização deste estudo foi utilizado uma revisão bibliográfica de objetivo exploratório para levantamento de dados da história da joalheria, design emocional, moda, estilo, a fim de ter maior familiaridade e conhecimento do problema, obtendo suporte para o estudo. O trabalho tem como contribuição relacionar a joia as emoções, a partir do design emocional e percursos históricos da joalheria.
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The jewel is an object with hidden symbols and meanings. From it we can express and communicate personality, identity, desires, belonging, religion, feeling of protection and memory of both the creator and the person who assumes it for contemplation, since ancient times. Through the style of jewelry, it is possible to identify times, as with architecture and historical-artistic movements, since the style is understood as a series of aesthetic values that characterize a specific way of decorative elements of a certain time, culture or individually in society. The symbolism of the jewel is important to distinguish and identify the human being, allowing us to make associations with previous experiences related to emotions such as self-image and image, affective memories, particular and cultural specificities, meanings that we attribute to something, among others. Given this scenario, one wonders how to contribute to the set of historiographical studies on jewelry, particularly with regard to symbolic and emotional aspects? The present research has as its general objective to contribute to the set of historiographical studies on jewelry, particularly with regard to symbolic and emotional aspects. To carry out this study, a bibliographic review of an exploratory objective was used to collect data on the history of jewelry, emotional design, fashion, style, in order to have greater familiarity and knowledge of the problem, obtaining support for the study. The contribution of the work is to relate jewelry to emotions, based on the emotional design and historical paths of jewelry.
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MIGUEL ANTONIO COTRIM
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Arte, design e política: um estudo sobre a imagem do poder nas campanhas presidenciais brasileiras de 1989
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Orientador : PAULO FERNANDO DE ALMEIDA SOUZA
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MEMBROS DA BANCA :
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CELSO PEREIRA GUIMARÃES
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EMILIANO JOSE DA SILVA FILHO
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PAULO FERNANDO DE ALMEIDA SOUZA
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Data: 10/07/2020
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Este estudo busca examinar as relações entre arte, design e política por meio do estudo dos modelos imagéticos de representação do poder e de personificação do poder produzidas e veiculadas nas campanhas de Collor e Lula, nas eleições presidenciais de 1989. Investigam-se os modelos de representação imagética do poder utilizados nas campanhas eleitorais brasileiras. A metodologia aplicada nesta investigação é a de pesquisa qualitativa. Trata-se de um estudo de caso que envolve a análise das imagens das campanhas eleitorais presidenciais dos dois candidatos, buscado encontrar a genealogia dos modelos imagéticos de expressão do poder e de personificação do poder. Toma-se por base as imagens que expressam o poder desenvolvidas pelos principais movimentos artísticos até o século XX. O estudo procura, ainda, preencher lacunas de produção de literatura científica sobre o universo imagético das campanhas eleitorais brasileiras, oferecendo um ponto de partida para o aprofundamento da compreensão das relações entre arte, design e política. Este estudo é relevante para os pesquisadores do universo da arte, do design e da comunicação bem como para aos profissionais envolvidos na construção da imagem de candidatos no cenário de campanhas políticas.
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This study seeks to examine the relationships between art, design and politics through the study of imagery models of power representation and personification of power produced and broadcasted in the campaigns of Collor and Lula, in the 1989 presidential elections. It investigates the models of imagery representation of power used in the Brazilian electoral campaigns. The methodology applied in this investigation is that of qualitative research. This is a case study that involves analyzing the images of the presidential election campaigns of the two candidates, seeking to find the genealogy of the imagery models of expression and personification of power. The bases of this study are the images that express power and have been developed by the main artistic movements until the 20th century. The study also seeks to fill gaps in the production of scientific literature on the imagery universe of Brazilian electoral campaigns, offering a starting point for deepening the understanding of the relationships between art, design and politics. This study is relevant for researchers in the fields of art, design and communications as well as for professionals involved in building the image of candidates in the political campaign scene.
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ANDREZA APARECIDA PIRES DE SOUZA OLIVEIRA
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Pelo vestígio: uma poética artística tendo o cabelo como conectivo entre o eu e o outro
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Orientador : MARIA VIRGINIA GORDILHO MARTINS
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MEMBROS DA BANCA :
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HUGO FERNANDO SALINAS FORTES JUNIOR
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MARIA VIRGINIA GORDILHO MARTINS
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ROSA GABRIELLA DE CASTRO GONCALVES
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Data: 17/07/2020
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Este texto disserta sobre um processo de criação artística que utiliza o cabelo humano como matéria-prima. Tendo como gênese dessa utilização a ação de guardar as próprias mechas e as de outras pessoas desde a infância, esse pelo é entendido como um conectivo físico direto entre a artista e o dono da mecha, sendo visto como vestígio desse outro ser. A dissertação está dividida em quatro capítulos. O primeiro capítulo aborda as questões conceituais sobre a matéria cabelo e suas significações dentro da poética. O percurso de pesquisa e o trabalho artístico anterior ao período do mestrado é revisitado no segundo capítulo, objetivando contextualizar a utilização dessa matéria-prima dentro da poética, assim como seus desdobramentos investigativos, para então dar início, no terceiro capítulo às reflexões acerca da série “Pelo vestígio” e dos outros trabalhos desenvolvidos, assim como a metodologia empregada, aproximações estéticas e a exposição de conclusão. Nas reflexões finais, são retomados alguns pontos de discussão da pesquisa para esboçar seus possíveis aprofundamentos.
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This text talks about the artistic creation process that uses human hair as raw material. The genesis of this use is the action of keeping one's own locks and that of others since childhood. This hair is understood as a direct physical connective between the artist and the owner of the lock, seeing it as a vestige of this other being. The dissertation is divided into four chapters. The first chapter addresses the conceptual issues surrounding the hair matter and their meanings within poetics. The research and artistic work path prior to the master's period is revisited in the second chapter, aiming to contextualize the use of this raw material within poetics, as well as its investigative developments, to then start reflections on the series in the third chapter. “Pelo vestígio” and the other works developed, as well as the methodology used, aesthetic approaches and the conclusion exhibition. In the final reflections, some discussion points of the research are resumed in order to outline possible further research.
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ANDERSON PEREIRA SILVA DOS SANTOS
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Floresta Negra: A remixabilidade no encontro da pintura óleo com o digital
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Orientador : DANILLO SILVA BARATA
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MEMBROS DA BANCA :
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DANILLO SILVA BARATA
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EMI KOIDE
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NANCI SANTOS NOVAIS
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Data: 28/07/2020
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Essa dissertação trata de como as técnicas de pintura tradicional estão sendo renovadas no encontro com as mídias emergentes. Entendendo que a pintura é um dos modos de produção de imagens e reflito sobre o impacto dessas novas mídias na percepção de imagens. Procuro, assim, pensar como o conceito de remixibilidade usado por Manovich (2005) que a denomina “o processo transformativo por meio do qual os meios e as informações que organizamos e compartilhamos podem ser recombinados e construídos de modo a criar novas formas, conceitos, idéias, mashups e serviços” pode ser adotado para refletir sobre minha pintura que, sem deixar de trabalhar com algumas das técnicas e ensinamentos tradicionais, amplia o espaço definido da tela e das tintas a óleo, tomando novas dimensões: o movimento, a música, a realidade aumentada, a reprodução, o compartilhamento. Para tanto e por considerar o processo criativo como uma atividade que não diz respeito somente à uma obra ou um conjunto de obras, mas que envolve a vida do artista, feita de caminhos, escolhas, incertezas (SALLES, 1998; OSTROWER, 2004) utilizo o método autobiográfico como parte de minha escolha metodológica para esse estudo
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This dissertation deals with how traditional painting techniques are being renewed in the encounter with emerging media. Understanding that painting is one of the ways of producing images and I reflect on the impact of these new media on the perception of images. I try, therefore, to think how the concept of remixability used by Manovich (2005) that calls it “the transformative process through which the means and information that we organize and share can be recombined and constructed in order to create new forms, concepts, ideas, mashups and services” can be adopted to reflect on my painting which, while still working with some of the traditional techniques and teachings, expands the defined space of canvas and oil paints, taking on new dimensions: movement, music, augmented reality, reproduction, sharing. For this purpose and considering the creative process as an activity that does not only concern a work or a set of works, but that involves the artist's life, made up of paths, choices, uncertainties (SALLES, 1998; OSTROWER, 2004) the autobiographical method as part of my methodological choice for this study.
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CHANCKOO KARANN MEBENENE TEIXEIRA CAVALCANTE
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Acontecimento e movimento: o gesto e os materiais na gravura em metal
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Orientador : LUDMILA CECILINA MARTINEZ PIMENTEL
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MEMBROS DA BANCA :
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LAURITA RICARDO DE SALLES
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LUDMILA CECILINA MARTINEZ PIMENTEL
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ROSA GABRIELLA DE CASTRO GONCALVES
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Data: 25/08/2020
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O presente escrito é fruto de minha pesquisa de mestrado, que tem como objetivo propor e analisar diferentes movimentações na ampliação processual da gravura em metal, explorando minha relação com os materiais que fazem parte do processo de gravação. Ao longo destas reflexões procuro entendê-los e estabelecer com eles uma relação de colaboração e equilíbrio diante de suas manifestações, experimentando novos ordenamentos deslocamentos processuais em diferentes fluxos e possibilidade de movimentação e observação envoltas na teia dos acontecimentos, buscando apoio em ideias da dança e pintura. Trata-se de um escrito adentra intrincamentos da relação entre o gesto humano e os materiais, levando em conta suas respectivas marcas de existência, em um estudo de corpos moventes, que suscitam novas abordagens na gravura em metal contemporânea.
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The present writing is the result of my master's research, which aims to propose and analyze different movements in metal engraving procedural expansion, exploring my relationship with the materials that are part of this process. Throughout these reflections, I try to understand them and establish a relationship of collaboration and balance with them, in view of their manifestations, experiencing new ordering of procedural displacements in different flows, as well as the possibility of movement and observation involved in the web of events, seeking support in dance and painting ideas. It is a writing that enters the intricacies of the relationship between human gesture and materials, considering their respective marks of existence, in a study of moving bodies, which raise new approaches in contemporary metal engraving.
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ALEX MOREIRA MACHADO
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Carrancas de Carvão: Ressignificações das Figuras de Proas do Rio São Francisco.
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Orientador : NANCI SANTOS NOVAIS
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MEMBROS DA BANCA :
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ANTONIO CARLOS DE ALMEIDA PORTELA
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LUDMILA CECILINA MARTINEZ PIMENTEL
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NANCI SANTOS NOVAIS
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Data: 01/09/2020
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Esta dissertação intitulada “CARRANCAS DE CARVÃO: Ressignificações das Figuras de Proas do Rio São Francisco”, refere-se a pesquisa sobre o meu processo de criação artística, que tem as Carrancas de Carvão como poética visual, em que, utilizo o carvão vegetal como matéria prima. Inspirei-me nas Carrancas do Rio São Francisco, com o intuito de denunciar a situação degradante em que o Rio se encontra. A motivação maior é o meu sentimento de pertencimento, uma vez que sou radicado na cidade de Juazeiro/BA desde 2012, e venho acompanhando de perto todo este movimento de destruição e descaso, principalmente por parte dos governantes que sempre usufruíram e usufruem do Rio. Ainda assim, o Velho Chico, é considerado a principal fonte de energia e alimento para o povo nordestino, especialmente para a população ribeirinha. Inspirado na Arte desta gente, a Arte das Carrancas, que originou as esculturas de carvão, estabelecendo assim diálogos com os trabalhos dos Mestres Carranqueiros e do escultor Frans Krajcberg, alertando contra a destruição do Rio, assim como, a vida no planeta Terra. Na metodologia utilizo do entrecruzamento do processo prático com as reflexões teóricas, como expansão no território da obra de Arte, através da Crítica do Processo de Criação Artística, segundo Cecilia Almeida Salles em: Gesto Inacabado e Redes da criação, assim também, com os apontamentos de Blanca Brites e Elida Tessler, através do trabalho: O meio como ponto zero. No entanto, como resultado da pesquisa, reflito sobre a exposição “OPARÁ”, realizada no Museu Nacional de Cultura Afro-Brasileira – MUNCAB, em Salvador/BA. Dessa forma, almejo contribuir com pesquisas futuras no intuito de salvaguardar a vida do Rio São Francisco, a arte ribeirinha e a cultura brasileira em geral.
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This dissertation entitled “CARRANCAS DE CARVÃO: Resignifications of the Figures of Bow of the São Francisco River”, refers to the research on my artistic creation process, which has the Carrancas de Carvão as visual poetics, in which, I use charcoal as feedstock. I was inspired by the Carrancas of the São Francisco River, in order to denounce the degrading situation in which Rio finds itself. The biggest motivation is my feeling of belonging, since I have been living in the city of Juazeiro / BA since 2012, and I have been following closely all this movement of destruction and neglect, mainly on the part of the governors who have always enjoyed and enjoy River. Even so, Velho Chico is considered the main source of energy and food for the people of the Northeast, especially for the riverside population. Inspired by the Art of these people, the Art of Carrancas, which originated the charcoal sculptures, thus establishing dialogues with the works of the Masters Carranqueiros and the sculptor Frans Krajcberg, warning against the destruction of Rio, as well as life on planet Earth. In the methodology I use the intersection of the practical process with theoretical reflections, such as expansion in the territory of the work of Art, through the Critique of the Process of Artistic Creation, according to Cecilia Almeida Salles in: Unfinished Gesture and Networks of creation, as well, with notes by Blanca Brites and Elida Tessler, through work: The environment as a zero point. However, as a result of the research, I reflect on the exhibition “OPARÁ”, held at the National Museum of Afro-Brazilian Culture - MUNCAB, in Salvador / BA. In this way, I aim to contribute to future research in order to safeguard the life of the São Francisco River, riverside art and Brazilian culture in general.
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LUCAS ALVES OLIVEIRA DA SILVA
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Escuta de buzu: micronarrativas na cidade
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Orientador : LUDMILA CECILINA MARTINEZ PIMENTEL
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MEMBROS DA BANCA :
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DANILLO SILVA BARATA
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LUDMILA CECILINA MARTINEZ PIMENTEL
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RENATO JOSE AMORIM DA SILVEIRA
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Data: 08/09/2020
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Esta pesquisa parte de um exercício pessoal de escuta dos diálogos que acontecem nos ônibus da cidade de Salvador, na Bahia. Com base nas formas de narrar e nos elementos presentes no transporte coletivo, o processo artístico debruça-se na construção de micronarrativas através de fragmentos do que é ouvido, visto e registrado no percurso, utilizando como linguagens principais a escrita, o desenho e produções em vídeo. As reflexões surgem com a experiência artística e investigação que assumem o cotidiano e os modos de relatar as percepções de um corpo que transita pela cidade. Para isso, alguns conceitos como Micro-história e Não lugares serão norteadores, com o intuito de entender o espaço do ônibus – aqui também chamado de Buzu – e as microconstruções dos saberes por seus usuários nas diferentes rotas soteropolitanas. A fim de ter uma visão acerca das discussões referentes ao corpo em percurso, há também um levantamento sobre alguns artistas contemporâneos que utilizam o trajeto como metodologia para construção dos processos em arte, os quais contribuem para as investigações sobre a cidade no campo das artes visuais.
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The following research is based on a personal exercise of listening to the dialogues that take place inside of the buses in Salvador, Bahia. Based on different ways of telling a story and the elements present in the public transportation, the artistic process focuses on the construction of micro narratives through fragments of what is heard, seen and recorded along the way, using as main languages the writing, drawing and video. The reflections arise with the artistic experience and investigation that assume the routine and ways of reporting the perceptions of a body that transits through the city. Therefore, some concepts such as Micro history and Non-places, will be guiding, intending to understand the space of the bus, here also called by "Buzu", and the micro constructions of knowledge by its users on different routes in Salvador. In order to have an insight into the discussions concerning the body in progress, there is also a list of some contemporary artists who use the path as a methodology for the construction of their processes in art, which contribute to the investigations about the city in visual arts studies.
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YOHANNA MARIE ASSUMPÇÃO DA SILVA
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é o mar que você ouve em mim
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Orientador : FABIO LUIZ OLIVEIRA GATTI
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MEMBROS DA BANCA :
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FABIO LUIZ OLIVEIRA GATTI
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LIA KRUCKEN PEREIRA
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LUCIA CASTELLO BRANCO
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Data: 15/09/2020
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O texto aqui apresentado utiliza como proposta metodológica os movimentos do mar – corpo gerador do desenvolvimento poético e estético deste trabalho –, para compor uma narrativa em fluxo de caráter auto referencial que se pretende uma escrita performativa no formato relato-diário a partir da organização de textos-relatos produzidos por mim, que descrevem desde afogamentos até a vivência do emergir, indo e vindo na temporalidade das ações. No corpo desta escrita incorporo citações de autores que embasam meus pensamentos sobre os derramamentos visuais (e sonoros) a que me proponho, tendo na relação entre água e corpo o principal tema para desenvolvimento do meu processo criativo.
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The text presented here uses as a methodological proposal the movements of the sea - the body that generates the poetic and aesthetic development of this work - in order to compose a narrative in a flow of a self-referential character that intends a performative writing in the daily-report format from the organization of texts-reports produced by me, which describe from drowning to the experience of emerging, coming and going in the temporality of actions. In the body of this writing I incorporate quotes from authors that base my thoughts on the visual (and sound) spills that I propose, having in the relationship between water and body the main theme for the development of my creative process.
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ADRIANO CONCEIÇÃO MACHADO
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Contos fotográficos: processos narrativos entre a fotografia e o texto ficcional na criação artística
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Orientador : FABIO LUIZ OLIVEIRA GATTI
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MEMBROS DA BANCA :
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FABIO LUIZ OLIVEIRA GATTI
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INES KARIN LINKE FERREIRA
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AYRSON HERACLITO NOVATO FERREIRA
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Data: 17/09/2020
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Nesta dissertação, desenvolvo um estudo sobre o processo de criação artística através da linguagem fotográfica e o fazer criativo entre o texto e a imagem. Conduzido por uma narrativa ficcional aliada a construção das séries fotográficas, esse texto aborda experiências cotidianas, relações ficcionais, questões sobre a negritude, o território e a identidade. O processo artístico desenvolvido é autorreferencial, fincado no olhar sobre a própria vivência de homem negro na sociedade através das relações sociais e das configurações territoriais e como elas incidem no processo artístico. O ato fotográfico aqui pode ser lido como as chaves, as portas e as paredes para a instauração da relação com o fazer artístico. A dissertação se coloca nesse território imbricado entre a imagem e o texto ficcional como resolução poética e esteio teórico para a criação.
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In the dissertation presented, I develop a study on the process of artistic creation through photographic language, and the creative doing between text and image, conducted by a fictional narrative and through the construction of photographic series, address everyday experiences, fiction, blackness, territory and identity. The artistic process developed is self-referential, focused on looking at the black man’s own experience in society through social relations and territorial configurations and how they affect the artistic process. The photographic act here can be read as the keys, doors and walls for the establishment of the relationship with artistic making. The dissertation is placed in this interwoven territory between image and fictional text as a poetic resolution and theoretical support for the establishment of creation.
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ANDREA RIOS MAY
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Ruído motriz: disparador da potência criativa na arte sonora
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Orientador : LUDMILA CECILINA MARTINEZ PIMENTEL
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MEMBROS DA BANCA :
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CRISTIANO SEVERO FIGUEIRO
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LUDMILA CECILINA MARTINEZ PIMENTEL
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NANCI SANTOS NOVAIS
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Data: 03/11/2020
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Esta dissertação narra pesquisas, reflexões e experimentações individuais e coletivas acerca do ruído como o ponto de partida dos processos criativos das obras que compõem a série RUÍDOS NO PERCURSO. Nesta trajetória, o ruído surge no campo da Arte Sonora imerso em referências sensoriais e até relacionais, enquanto é intencionalmente essignificado em suas características dialéticas e metafóricas. Contando com o suporte teórico de filósofos como Arthur Danto, efensor da metáfora como espaço para revelação de verdades por meio das obras de arte, e Jacques Derrida, na tese de que as palavras não exprimem tudo, a artista-pesquisadora investe no estudo de conceitos expandidos da palavra “ruído” e na sua complexa intangibilidade para sentir e interpretar este paradigma nas artes.
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This dissertation narrates research, reflections and individual and collective experiments on noise as the starting point of the creative processes of the works that make up the series RUÍDOS NO PERCURSO. In this trajectory, noise appears in the field of Sound Art immersed in sensorial and even relational references while it is intentionally reframed in its dialectical and metaphorical attributions. Based on the theoretical support of philosophers like Arthur Danto, defender of metaphor as a space for revealing truths through works of art, and Jacques Derrida, in the thesis that words do not express everything, the artist-researcher invests in the study of expanded concepts of the word “noise” and in its complex intangibility in order to feel and interpret this paradigm in the arts
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PATRÍCIA PAIXÃO MARTINS
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ESPELHO TAMBÉM É AREIA: O AVESSO DA PELE DUPLICADA
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Orientador : DANILLO SILVA BARATA
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MEMBROS DA BANCA :
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DANILLO SILVA BARATA
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MARIA DO CARMO DE FREITAS VENEROSO
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RICARDO BEZERRA DE ALBUQUERQUE
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Data: 10/12/2020
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Esse texto se apoia em três pilares: imagem, arquivo e corpo, sendo articulados através da ideia de uma matriz e de repetições. Procura investigar através de imagens a constante criação de um duplo partindo de outro duplo, colocando em evidência a fragilidade das imagens, das coisas e do próprio sujeito. Como dois extremos de um mesmo fio, a pesquisa trata, em uma ponta, dessas imagens esvaziadas e aparentemente aleatórias, que são espelhadas para um outro lugar de entendimento, considerando esses procedimentos como a busca pelo próprio espelho, e, em outra, do próprio corpo como um lugar de espelhamentos, tratando-o da mesma forma como são tratadas as imagens, fazendo surgir outros duplos. O arquivo surge entre as duas pontas, como matéria-prima e também como um lugar de reflexão, se apresentando também como um corpo-imagem. A pesquisa se propõe a estabelecer um diálogo com o fazer através do conceito de trauma, esse, também como um processo metodológico e criativo, trazendo discussões acerca do informe, do corpo como lugar de atenção e dos retornos promovidos pelo trauma.
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Mostrar Abstract
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This text is based on three pillars: image, archive and body, being articulated through the idea of a matrix and repetitions. It seeks to investigate through images the constant creation of a double starting from another double, highlighting the fragility of images, things and the subject himself. Like two extremes of the same thread, the research deals, at one end, with these emptied and apparently random images, which are mirrored to another place of understanding, considering these procedures as the search for the mirror itself, and, on the other, of the body itself as a place of mirrorings, treating it in the same way as images are treated, making other doubles appear. The archive appears between the two ends, as raw material and also as a place for reflection, presenting itself as a body-image. The research proposes to establish a dialogue with the making through the concept of trauma, this, also as a methodological and creative process, bringing discussions about the informe, the body as a place of attention and the returns promoted by the trauma.
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VIVIANA DEL PILAR VARGAS PINZON
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PAISAGENS DE POEIRA PARA UNA POÉTICA DA DISTÂNCIA
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Orientador : ERIEL DE ARAUJO SANTOS
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MEMBROS DA BANCA :
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EDGARD MESQUITA DE OLIVA JUNIOR
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ELIZABETH GARAVITO LÓPEZ
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ERIEL DE ARAUJO SANTOS
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Data: 17/12/2020
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A poeira está presente em todos os lugares. É comum vê-la acima de tudo, em diferentes camadas que mostram a passagem constante do tempo - o movimento da paisagem. “Paisagens de poeira: por uma poética da distância” é um projeto onde o pó é a forma, a evidência, a memória da paisagem urbana. A maneira de habitá-la e sua localização influenciam diretamente sua transformação.
A observação e relação do espaço natural e urbano de Bogotá e Salvador, as relações do homem com a natureza e a paisagem, entendidas como um conceito criado culturalmente, são as bases para o desenvolvimento desta pesquisa. Desta forma, esta dissertação tem como objetivo estabelecer relações entre o espaço natural, urbano e a paisagem a partir de atos poéticos formados pelos movimentos de construção e desconstrução gerados pelo crescimento constante da cidade, cujo interesse reside na observação de seus efeitos sobre o meio ambiente, procurando apresentar a paisagem e o pó como base para a criação de uma linguagem artística que conclui em alguns trabalhos com o desenho por deposição da poeira ou areia e a utilização de petróleo cru limpado das praias de Salvador.
Neste ponto, minhas obras têm se desenvolvido através do tempo, do movimento do espaço urbano e da observação da paisagem, desde distintos fatores antrópicos, como a exploração mineira, até à construção de projetos de habitação social, à combustão de gasolina e diesel, entre outras causas ocorrentes e, não por acaso, em constante desenvolvimento nas cidades de Bogotá e Salvador.
“Paisagens de poeira: por uma poética da distância” é, portanto, um testemunho silencioso do movimento do espaço urbano e a transformação da paisagem, baseado nas obras de autores como Milton Santos, Javier Maderuelo, Jean Marc Besse, Merleau Ponty, Marc Augé, André Rouillé, Henri Bergson, Fayga Osworth, assim como também na observação, experimentação e intervenção direta da paisagem urbana.
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A poeira is present in all places. It is common to see it above all, in different layers that show the constant passage of time - the movement of the landscape. “Landscapes of dust: for a poetics of distance” is a project where dust is the form, the evidence, the memory of the urban landscape. The way of inhabiting it and its location directly influence its transformation.
The observation and relation of the natural and urban space of Bogotá and Salvador, the relations of man with nature and the landscape understood as a concept created culturally, are the bases for the development of this research. In this way, this dissertation aims to establish relationships between the natural, urban and the landscape from poetic acts formed by the movements of construction and deconstruction generated by the constant growth of the city, whose interest lies in the observation of its effects on the environment, trying to present the landscape and the dust as a basis for the creation of an artistic language with the drawing by deposition of dust or sand.
At this point, my works have developed through time, the movement of urban space and the observation of the landscape, from different anthropic factors, such as minings, to the construction of social housing projects, combustion of gasoline and diesel, among others. other causes and, not by chance, constantly developing in the cities of Bogotá and Salvador.
“Dust landscapes: for a poetics of distance” is, therefore, a silent testimony to the movement of urban space and the transformation of the landscape, based on the works of authors such as Milton Santos, Javier Maderuelo, Jean Marc Besse, Merleau Ponty, Marc Auge, André Rouillé, as well as in the observation, experimentation and direct intervention of the urban landscape.
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WAGNER LACERDA DE OLIVEIRA
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Cidade rosa: alteridade, diversidade e performance
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Orientador : RICARDO BARRETO BIRIBA
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MEMBROS DA BANCA :
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AYRSON HERACLITO NOVATO FERREIRA
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CIANE FERNANDES
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GENILSON CONCEIÇÃO DA SILVA
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RICARDO BARRETO BIRIBA
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RICARDO BEZERRA DE ALBUQUERQUE
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Data: 17/06/2020
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A presente tese parte de performances e intervenções urbanas na cidade de Salvador, com aspectos simbólicos e poéticos do feminino presentes no ser humano como condição sine qua non para o exercício da alteridade. As práticas se refletem nas questões de sexo, gênero, poder e identidade. Esta pesquisa visa a reconhecer questões sociopolíticas a partir da geografia soteropolitana associada à filosofia, revisitada no pensamento de autores como Milton Santos, que associam homem-meio-tempo-espaço e serve de base para novas maneiras de lidar/interagir/relacionar-se com a cidade. Encabeçados pela filosofia de Emanuel Levinais, inspiram a reflexão sobre as conexões entre autor-obra-público. A teoria da Estética Relacional de Nicolas Borriaud embasou os processos artísticos produzidos em performance. A pesquisa traz referências de artistas e grupos do panorama artevista internacional, nacional e local, compreendendo a contemporaneidade como um “corpo sem órgãos”, mapeando as diferenças e diversidades possíveis na sociedade com uma perspectiva apontada por Antonin Artaud, Deleuze, Guattari e pelo movimento Queer, descrito por Judith Buttler, assim como o feminismo de Simone de Beauvoir. As abordagens de pesquisa estão integradas com o processo de criação baseados na pesquisa performativa de Brad Hasseman juntamente com a pesquisa somático-performativa de Ciane Fernandes e a pedagogia da performance de Ricardo Barreto Biriba, presentes nas técnicas do work in progress na cena contemporânea, sugerida por Renato Cohen; nas técnicas de movimento autêntico, de Mary Whitehouse, e no sistema LMA, de Rodolf Laban, associando corpo-forma-expressividade-espaço. Os pressupostos vêm de uma associação de práticas do conhecimento empírico e teorias que se relacionam qualitativamente em uma produção prático-teórica que abrange performances anteriores ao doutorado (2009-2014) que foram inspiração aos trabalhos de 2015 a 2018, com a participação ativa do público e desenvolvidos na forma de desdobramentos das ações obtidas com experiências videográficas.
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This is a thesis that brings from performances and urban interventions in the city of Salvador with symbolic and poetic aspects of the feminine present in the human being as a sine qua non condition for the exercise of otherness. The practices reflect on the issues of gender, gender, power and identity. This research aims to recognize socio-polítical questions from the soteropolitan geography associated with philosophy, revisited in the thought of Milton Santos (1987), that associates man-half-time-space, among other authors that served as the basis for new ways of dealing/interacting/relate to the city by the performances and happenings contextualized in the relation with the feminine. Led by the philosophy of Emanuel Levinais inspire us to reflect connections between author-work-public. The Relational Aesthetic of Nicolas Borriaud (1998) gives us theoretical support to base our initial practices. The research brings together artists and groups from the international, national and local art scene. Understanding contemporaneity as a 'body without organs' pointing to the differences and possible diversities in society with a perspective pointed out by Antonin Artaud (1987), Deleuze, Guattari (2004). The Queer movement described by Judith Buttler and Simone de Beauvoir's feminism. The research approaches are integrated with the creation process based on the performative research of Brad Hasseman along with in the performative somatic research of Ciane Fernandes and the pedagogy of the performance of Ricardo Barreto Biriba. They are present in the Techniques of Work in progress in the contemporary scene suggested by Renato Cohen; in the techniques of authentic movement of Mary Whitehouse; in the LMA system of Rodolf Laban associating body-shape-expressivity-space. The assumptions come from an association of practices of empirical knowledge and theories that relate qualitatively. The practical-theoretical production of Cidade Rosa and Os Cinco Corpos covers performances occurring before and during the doctorate. Held between 2009 and 2018 with the active participation of the public, there were also unfolding of the actions obtained with videographic experiences.
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JOSÉ RAIMUNDO MAGALHÃES ROCHA
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RISCORISCO, Traço Luz-Escuridão nas Imagens do Fogo
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Orientador : SONIA LUCIA RANGEL
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MEMBROS DA BANCA :
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GLAUCIA MARIA COSTA TRINCHAO PAULO
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JORGE DAS GRAÇAS VELOSO
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JUAREZ MARIALVA TITO MARTINS PARAISO
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MARIA HERMINIA OLIVERA HERNANDEZ
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SONIA LUCIA RANGEL
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Data: 17/09/2020
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Tese referente a pesquisa prático-teórica inserida na linha Processos de Criação Artística em Artes Visuais da Escola de Belas Artes da UFBA. No percurso da investigação pela via da experiência poética, estabeleceram-se conexões entre local e global, com um natural acesso ao imaginário presente na Guerra de Espadas de Fogo, manifestação cultural de Cruz das Almas, no Recôncavo Baiano, por ser ela também a cidade de origem do pesquisador. Ao examinar um acervo de vídeos capturados desde o ano de 2011 e cadernos com desenhos, foram evocadas e afloraram, no artista, tanto a visualidade de imagens dessa manifestação como as memórias de uma paisagem interior, cuja visibilidade remonta ao tempo da infância na cidade natal. Uma consequente repercussão em imagens – experiência visual entre memória e vida – fez brotar um percurso com dominância gráfica, mas expandido entre meios artesanais e digitais. A poética foi conduzida pelo interesse nos efeitos causados pela luz do material incandescente expelido pelas espadas de fogo, em contraste com a escuridão. O novo ciclo trouxe obras realizadas apenas com carvão e outras matérias calcinadas, como fuligem e negro de fumo, em meios bidimensionais e em formato de vídeos de animação. O Princípio de RISCO – entre o verbo e o substantivo, em suas acepções de desenhar e de perigo iminente – ocupa lugar central, configurando-se numa poética visual contemporânea entre traço, luz e escuridão. A metodologia se apoiou na Abordagem Artístico-Compreensiva para Processos de Criação, proposta pela Professora Doutora Sonia Rangel, que conduziu o artista-pesquisador a compreender e a organizar a experiência sensível, a invenção e a recepção de sua própria obra, para torná-la também visível e comunicável sob a forma de uma reflexão crítico-criativa. Fazem-se diálogos com teóricos e artistas, como Arlindo Machado, George-Didi Huberman, Giorgio Agamben, Kilian Glasner, Luigi Pareyson, Michel Maffesoli, Pedro Marighella, Regina Silveira, Sonia Rangel, William Kentridge, entre outros.
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Thesis related to the practical-theoretical research inserted in the line of the Artistic Creation Processes in Virtual Arts. In the course of the investigation through the poetic experience, connections were established between a local-global and a natural access to the imaginary present in the “Guerra de Espadas de Fogo” - cultural manifestation present in Cruz das Almas, located in the Recôncavo Baiano, which is the researcher’s hometown. When examining the video collection captured by the artist, since 2011, and the drawing on the notebooks, both the visuality of images of the manifestation and the memories of an interior landscape, a visibility of the childhood in his hometown, are evoked and touched. A resulting repercussion in images, visual experience between memory and life, creates a path with a graphic dominance, but expanded between artisanal and digital media. The poetic was conducted by the interest in the effects caused by the lights of the incandescent material expelled by the flaming swords, in contrast to the darkness. The new cycle brings works made only with charcoal and other calcined materials, such as soot and carbon black, in two-dimensional means and in the form of animated videos. The “Risk Principle”, between the verb and the noun in its meanings of imminent danger and of drawing, occupies a central place, configuring a contemporary poetic visual between line, light and darkness. The methodology is based on the “Artistic Comprehensive Approach for Creation Processes” proposed by professor Dr. Sonia Rangel, which leads the artist-researcher to understand and to organize the sensitive experience, the invention and the reception of his own work, also making it visible and communicable in the form of a critical-creative reflection. Dialogues are made with theorists and artists such as: Arlindo Machado, George-Didi Huberman, Giorgio Agamben, Kilian Glasner, Luigi Pareyson, Michel Maffesoli, Pedro Marighella, Regina Silveira, Sonia Rangel, William Kentridge, among others.
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JANCILEIDE SOUZA DOS SANTOS
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Arte, memória e re-existência: a criação artesanal das mulheres no Oeste baiano
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Orientador : LUIZ ALBERTO RIBEIRO FREIRE
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MEMBROS DA BANCA :
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ALDRIN MOURA DE FIGUEIREDO
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ELIENE BENICIO AMANCIO COSTA
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LUDMILA DA SILVA RIBEIRO DE BRITTO
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LUIZ ALBERTO RIBEIRO FREIRE
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SUZANE TAVARES DE PINHO PEPE
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Data: 29/09/2020
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A tese aborda a situação atual da criação artesanal de origem ancestral produzida por mulheres que trabalham com o barro e as fibras vegetais, em comunidades do Oeste baiano, a partir de uma perspectiva interdisciplinar e transdisciplinar e de uma reflexão situada e interseccional, ou seja, considerando as interconexões entre gênero, classe social e raça/etnia como um dado importante para compreender a marginalização do trabalho das artesãs nos sistemas das artes e cultura baiana e brasileira. A pesquisa interpreta a criação artesanal feminina como uma expressão artística de re-existência da memória coletiva e biocultural das comunidades tradicionais, assim como realiza uma reflexão sobre o papel das artesãs na preservação da memória e do patrimônio biocultural de suas comunidades. A arte dessas mulheres é fruto de um conhecimento sobre o manejo adequado de minerais e plantas herdado e transmitido por gerações de mulheres negras e afro-indígenas, que vivem em cidades e, principalmente, em comunidades da zona rural do Oeste baiano.
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The thesis discusses the current situation of artisanal creation of ancestral origin produced by women who work with clay and vegetable fibers, in communities in Western Bahia, from an interdisciplinary and transdisciplinary perspective and from a situated and intersectional reflection, that is, considering the interconnections between gender, social class and race/ethnicity as an important data to understand the marginalization of the work of artisans in the systems of arts and culture in Bahia and Brazil. The research interprets female artisan creation as an artistic expression of the re-existence of the collective and biocultural memory of traditional communities, as well as a reflection on the role of artisans in preserving the memory and the biocultural heritage of their communities. The art of these women is the result of a knowledge about the proper management of minerals and plants inherited and transmitted by generations of black and afro-indigenous women, who live in cities and, especially, in communities in the rural area of Western Bahia
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EMYLE DOS SANTOS SANTOS
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Artes em Diálogo: a produção de Athos Bulcão para a Rede Sarah
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Orientador : MARIA HERMINIA OLIVERA HERNANDEZ
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MEMBROS DA BANCA :
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ANNA BEATRIZ AYROZA GALVAO
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ANTONIO WILSON SILVA DE SOUZA
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DILSON RODRIGUES MIDLEJ
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EUGENIO DE AVILA LINS
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MARIA HERMINIA OLIVERA HERNANDEZ
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Data: 14/10/2020
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A pesquisa tem como objeto de estudo a produção plástica do artista Athos Bulcão para a Rede Sarah e sua relação com a arquitetura; atentando também para aspectos biográficos de sua vida e obra, verificando as particularidades de seu fazer artístico e o legado inquestionável para a arte brasileira, focalizando no trabalho com o arquiteto João Filgueiras Lima, o Lelé. A associação entre as artes é tratada na pesquisa como elemento fundamental para a compreensão do conceito predominante na obra do artista para a Rede Sarah. Tendo como hipótese que os conceitos de integração e síntese das artes largamente utilizados na literatura, no tratamento das associações entre as artes, não contemplam plenamente a produção artística de Athos Bulcão, sobretudo, aquela realizada nos hospitais da Rede Sarah, junto ao arquiteto Lelé, para a qual é proposto o conceito de “diálogo das artes”. O objetivo geral deste estudo é verificar e ampliar as possibilidades de reflexão sobre a produção artística de Athos Bulcão focalizando nas realizações para a Rede Sarah de Hospitais, no período de 1975 a 2003, quando desenvolve a parceria com o arquiteto Lelé. Em termos de abordagem metodológica, a tese utiliza o Método Analítico como base para compreender as muitas faces da produção do artista, estudando seus elementos, as relações e os contextos envolvidos. Também se aproxima do Método Histórico e Comparativo, alicerçados na História da Arte e da Arquitetura. Dentre as estratégias de pesquisa, foram adotadas a pesquisa documental, bibliográfica e visita técnica. A partir do levantamento bibliográfico, pôde-se ter uma visão panorâmica do artista e sua produção multifacetada, apontando para a necessidade de considerar os fragmentos e o todo dessa rica produção. Assim, buscou-se uma maneira de representar graficamente as relações e interconexões entre suas obras, destacando as possíveis influências de suas experimentações e os elementos mais recorrentes em seu vocabulário formal, além de estabelecer a relação temporal entre as obras e as influências do artista. Nesse sentido, optou-se pelo rizoma, baseado no conceito de Deleuze e Guattari (1995). Como principais contribuições da tese, destacam-se: as especificidades do modus operandi de Athos, pautado em três pilares principais: a exploração de possibilidades, a colaboração e o ambiente; o processo de citação e autocitação realizado pelo artista, traços bem marcantes nas obras da Rede Sarah (confirmando a ideia de troc) já que é possível identificar uma série de rebatimentos entre as produções contemporâneas e suas obras; a apresentação do diálogo das artes, como ampliação conceitual que reconhece a importância das artes plásticas na relação com a arquitetura, possibilitando sua aplicação em outros estudos; a ampliação do entendimento sobre a produção de Athos para a Rede Sarah, destacando o processo desenvolvido pelo artista em parceria com Lelé, denominado, nesta tese, de “concriação”, que marcou os antecedentes da humanização hospitalar; além da atualização dos estudos sobre tal produção, que aponta para os seus índices de contemporaneidade.
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The research aims at the study regarding the plastic production of the artist Athos Bulcão for the Rede Sarah and the relation with its architecture; also paying attention to his biographical aspects, related to his life and work, verifying the particularities of his artistic work and the unquestionable legacy for the Brazilian art, focusing on the work with the architect João Filgueiras Lima, Lelé. The association between the arts is treated in the research as a fundamental element for understanding the concept prevalent in the artist’s work for Rede Sarah. Assuming that the concepts of integration and synthesis of the arts widely used in literature, in the treatment of the associations between the arts, do not fully contemplate the artistic production of Athos Bulcão, especially the one carried out in the Rede Sarah Hospitals, together with the architect Lelé, for which the concept of “dialogue between the arts” is proposed. The general objective of this study is to verify and expand the possibilities of reflection upon the artistic production of Athos Bulcão focusing on the achievements for the Rede Sarah Hospitals, from 1975 to 2003, when he developed a partnership with the architect Lelé. In terms of methodological approach, the thesis uses the Analytical Method as a basis to understand the many faces of the artist’s production, studying its elements, as well as the relationships and the contexts involved. It also comes close to the Historical and Comparative Method, based on the History of Art and Architecture. Among the research strategies, documentary, bibliographic and technical visits were adopted. From the bibliographic survey, it was possible to have a panoramic view of the artist and his multifaceted production, pointing to the need to consider the fragments and his rich production as a whole. Thus, we sought a way to graphically represent the relationships and interconnections between his works, highlighting the possible influences of his experiments and the most recurring elements in his formal vocabulary, in addition to establishing the temporal relationship between the works and the influences of the artist. In this sense, the rhizome was chosen, based on the concept of Deleuze and Guattari (1995). The main contributions of the thesis include: the specificities of Athos’ modus operandi, based on three main pillars: the exploration of possibilities, collaboration and the environment; the citation and self-citation processes carried out by the artist, very striking features in the works of Rede Sarah (confirming the idea of troc), since it is possible to identify a series of repercussions between contemporary productions and their works; the presentation of the dialogue between the arts, as a conceptual expansion that recognizes the importance of plastic arts in relation to architecture, enabling its application in other studies; expanding the understanding of Athos’ production for Rede Sarah, highlighting the process developed by the artist in partnership with Lelé, called, in this thesis, “co-creation”, which pointed out the antecedents of hospital humanization; in addition to updating studies on such production, which points to its contemporary rates.
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BELINDA MARIA DE ALMEIDA NEVES
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De templo jesuítico a Sé Catedral: transformações ornamentais e iconográficas da igreja do Colégio após a expulsão dos jesuítas.
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Orientador : LUIZ ALBERTO RIBEIRO FREIRE
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MEMBROS DA BANCA :
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FABRICIO LYRIO SANTOS
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LUIZ ALBERTO RIBEIRO FREIRE
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MARIA HERMINIA OLIVERA HERNANDEZ
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SONIA GOMES PEREIRA
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WELLINGTON MENDES DA SILVA FILHO
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Data: 19/11/2020
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A quarta igreja do Colégio da Bahia – após a expulsão da Companhia de Jesus no século XVIII – abrigou o cabido da diocese a partir de 1766, em virtude da antiga igreja da Sé se encontrar em obras. O traslado provisório tornou-se posteriormente definitivo e o templo dos jesuítas passou a Catedral metropolitana ainda no século XVIII. Em 1923 foi elevada à categoria de Basílica e seu arcebispo intitulado Primaz do Brasil. A pesquisa se propôs a estudar o que ocorreu com o programa iconográfico da igreja concebido pela Companhia de Jesus após a expulsão daqueles religiosos. Entre os objetivos está o estudo da ornamentação da Catedral Basílica considerando as alterações realizadas; as reformas, datas e possíveis orientações; a catalogação de artistas, artífices e profissionais envolvidos com obras e eventos relevantes no templo; a análise de transformações iconográficas e estilísticas, assim como a relação com a estética jesuítica. Para o estudo do contingente foi considerada a abrangência entre 1760 – a partir do Inventário da igreja – até as últimas intervenções ocorridas em dezembro de 2019. As principais fontes que fundamentaram a investigação são documentos primários, fotografias de acervos variados e da autora, bibliografia sobre o tema, teses e dissertações, entrevistas e o acompanhamento das obras de restauração pelo IPHAN entre 2015 e 2018, realizada mediante recursos do PAC – Cidades Históricas. Entre os resultados obtidos nos foi possível identificar as principais obras e reformas ocorridas na igreja e os elementos decorativos atribuídos ao período jesuítico e pós-jesuítico. A pesquisa contribui, igualmente, com uma revisão bibliográfica a respeito dos elementos decorativos e a pintura religiosa dos altares, suas atribuições e interpretações dos pintores jesuítas. Avança no esclarecimento e compreensão dos elementos decorativos e históricos da ornamentação da quarta igreja do Colégio da Bahia, e como ocorreu o desenvolvimento artístico dos altares. Esclarece que prevaleceu nos primórdios da quarta igreja dos jesuítas a pintura decorativa a têmpera nos tetos, paredes, cimalhas e cantaria. A execução da talha nos altares foi gradativa, dentro das reformas e melhorias da igreja ainda no período jesuítico. No período pós-jesuítico identifica e contribui com novas proposições a respeito das reformas na capela-mor e demais capelas da igreja, além da sacristia e o ambiente da antiga livraria, posteriormente destinado para museu de arte religiosa. A pesquisa apresenta dois Apêndices: no primeiro estão desenhos com os motivos de pinturas parietais que ornamentam a igreja e a identificação entre período jesuítico e pós-jesuítico; no segundo, a relação de profissionais envolvidos com obras e eventos correlatos, desde o século XVIII até o XXI.
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The fourth church of the College of Bahia, after the expulsion of the Society of Jesus in the 18th century– housed/sheltered the Chapter of the archdiocese from 1766, because the old church of the Se was under works. The provisional transfer later became definitive and the temple of the Jesuits became the metropolitan Cathedral still during the 18th century. In 1923 it was elevated to the category of Basilica and its archbishop received the title of Primate of Brazil. The research proposed to study what happened with the iconographic program of the church, conceived by the Society of Jesus after expelling those religious. Among the objectives is to study the ornamentation of the Cathedral Basilica considering the alterations made; the renovations, dates and possible orientations; cataloging artists, craftsmen and professionals involved with works and relevant events in the temple; the analysis of iconographic and stylistic transformation, as well as the relation with the Jesuitical aesthetics. In order to study the contingent, the coverage of the material starting in 1760 – beginning with the Church Inventory – until the last interventions in December of 2019 was considered. The main sources that substantiated the investigation are primary documents, photos of several collections and from the author, literature on the theme, theses and dissertations, interviews and follow-up of renovation works by IPHAN between 2015 and 2018, executed with resources from the PAC – Historic Cities. Among the results obtained, the authors were able to identify the main works and renovations made in the church and the decorative elements attributed to Jesuitical and post-Jesuitical periods. The research also contributes to a literature review regarding the decorating elements and the religious painting of altars, its attributions and interpretations from Jesuit painters. It also explains that in the early days of the fourth church of Jesuits, the decorative painting, the temper on the ceilings, walls, talons and stonework prevailed. The execution of carving in altars was gradual, within the renovations and improvements of the church still during the Jesuit period. During the post-Jesuit period, it identifies and contributes with new propositions regarding renovations in the presbytery and other chapels of the church, besides the sacristy and the environment of the old library, posteriorly destined to museums of religious art. The research contains two Appendices: the first one presents the designs with motifs of parietal paintings that ornament the church and the identification between Jesuitical and post-Jesuitical period; in the second one contains the list of professionals involved with works and correlated events, from the 18th to the 21st centuries.
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TELMA CRISTINA DAMASCENO SILVA FATH
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O PROCESSO DE LEGITIMAÇÃO DA FOTOGRAFIA NO CAMPO DA ARTE E SUA REPERCUSSÃO NA BAHIA
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Orientador : ELYANE LINS CORREA
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MEMBROS DA BANCA :
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EDGARD MESQUITA DE OLIVA JUNIOR
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ELYANE LINS CORREA
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JUAREZ MARIALVA TITO MARTINS PARAISO
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KARLA SCHUCH BRUNET
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PRISCILA MIRAZ DE FREITAS GRECCO
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Data: 09/12/2020
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Esta pesquisa trata do processo de legitimação da fotografia no campo das artes visando entender suas bases históricas e repercussão no Brasil, em particular na Bahia. A partir do conceito de “campo”, de Pierre Bourdieu, procurou-se compreender os principais acontecimentos que determinaram a posição ocupada pela fotografia desde os seus primórdios e permanência. Na busca por reconhecimento artístico, os fotógrafos desenvolveram experimentações criativas que constituíram os fundamentos para utilização da fotografia pelos artistas, nas primeiras décadas do século XX, quando, também, a fotografia passou a ser admitida no Museu de Arte Moderna de Nova York (MoMA). No Brasil, na segunda metade do século XIX, a fotografia foi utilizada como ferramenta por muitos pintores e na Bahia. A Academia de Belas Artes acompanhou as orientações da Academia Imperial, introduzindo a fotografia na programação de suas primeiras Exposições Gerais. Professores e estudantes, oriundos da Academia de Belas Artes da Bahia, incluíram a fotografia dentre seus serviços artísticos. Nos anos de 1940, a atuação do Foto Cine Clube Bandeirante foi fundamental para a inserção da fotografia nos espaços legitimadores da arte, exercendo, também, influência no cenário fotoclubista brasileiro. Na Bahia, nos anos de 1960, a fotografia adentrou o Museu de Arte Moderna e foi integrada em exposições de caráter nacional, como: 1° Salão Nacional de Arte Fotográfica da Bahia; Sala Especial de Fotografia, na II Bienal de Artes Plásticas da Bahia; II Salão Bahiano da Fotografia Contemporânea. Seguindo as tendências internacionais de renovação da arte moderna, a fotografia passou a ser assimilada de forma híbrida pelos artistas baianos: Lênio Braga, Juarez Paraiso, Jamison Pedra e Silvio Robatto, no projeto ambiental do grupo Etsedron, dentre outros. Posteriormente, as transformações ocorridas no campo da arte em relação à significação do objeto de arte favoreceu o processo de legitimação da fotografia como obra de arte, repercutindo na Bahia, inicialmente, nos Salões Universitários, em que a fotografia apareceu pela primeira vez como categoria específica e, em seguida, na Bienal do Recôncavo e no Salão da Bahia.
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This research deals with the process of legitimizing photography in the field of the arts in order to understand its historical bases and repercussions in Brazil, particularly in Bahia. Based on Pierre Bourdieu's concept of “field”, we sought to understand the main events that determined the position occupied by photography since its beginnings and permanence. In the search for artistic recognition, photographers developed creative experiments that formed the basis for the use of photography by artists, in the first decades of the twentieth century, when photography was admitted to the Museum of Modern Art in New York (MoMA) too. In Brazil, in the second half of the 19th century, photography was used as a tool by many painters and in Bahia the Academy of Fine Arts followed the guidelines of the Imperial Academy, introducing photography in the programming of its first General Exhibitions. Teachers and students from the Academy of Fine Arts of Bahia included photography among their artistic services. In the 1940s, the performance of Foto Cine Clube Bandeirante was fundamental for the insertion of photography in the spaces that legitimized art, also influencing the Brazilian photoclub scene. In Bahia in the 1960s, photography entered the Museum of Modern Art and was integrated in national exhibitions, such as: 1st National Exhibition of Photographic Art in Bahia; Special Photography Room, at the II Biennial of Plastic Arts of Bahia and the II Bahiano Salon of Contemporary Photography. Following international trends in the renewal of modern art, photography began to be assimilated in a hybrid way by Bahian artists: Lênio Braga, Juarez Paraiso, Jamison Pedra and Silvio Robatto, in the environmental project of the Etsedron group, among others. Later, the transformations occurred in The field of art in relation to the meaning of the art object favored the process of legitimizing photography as a work of art, with repercussions in Bahia, initially in the University Salons where photography first appeared as a specific category and then at the Recôncavo Biennials and Salon of Bahia.
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