Este trabalho fundamenta-se na investigação do papel das personagens femininas em
The Plough and the Stars, buscando compreender de que modo as questões de
gênero e o embate entre as esferas pública e privada incidem sobre a experiência do
conflito armado na vida de três mulheres da peça: Nora Clitheroe, Mrs. Gogan e
Bessie Burgess. O estudo analisa como se articulam, na obra, as temáticas do
matrimônio, da maternidade e da participação política das personagens em meio ao
caos da Revolta da Páscoa de 1916. Metodologicamente, a pesquisa apoia-se na
crítica feminista, nas teorias da literatura de guerra, nos estudos pós-coloniais e na
fortuna crítica do dramaturgo. Conclui-se que o autor constrói um olhar atento à
condição dos povos subalternizados, em especial às mulheres, conferindo-lhes um
espaço de destaque na narrativa. Assim, evidencia-se como a leitura da peça
possibilita uma reflexão social e política que, em tempos marcados por armas e
violência, atravessa os ideais do pacifismo e da solidariedade.

A atual pesquisa parte da ideia de cartas indígenas como gestos utópicos que expandem
e desmontam o gênero epistolar em potencialidades que não se limitam à escrita (Costa,
2021). Nesse sentido, a proposta é apresentar a Carta ao Velho Mundo (2018-2019),
produção que tem início nos gestos do corpo do artivista Makuxi, Jaider Esbell e se
transmuta na constelação de gestos que se espalham em diferentes materialidades a
partir dela, dentro e fora das 400 páginas do livro Galeria Delta da Pintura Universal
(1972), organizado pelo italiano Marco Valsecchi. Esta dissertação conduz olhares ao
encantamento do Sistema de Arte Indígena Contemporânea (Esbell, 2020), apresentado
pelo artista através de escrições e sobreposições realizadas em caneta posca, criando
a arapuca que subverte as leituras, aqui, segundo Librandi (2022) e Esbell (2020),
versando, ainda, pelas inespecificidades das múltiplas formas (Garramuño, 2014;
Pedrosa et al, 2018) por meio das quais a poética do encontro retoma a cena do
“descobrimento” no Brasil para desmontá-la. Isto posto, objetivou-se perceber como
Jaider Esbell constrói e teoriza o Sistema AIC na carta e como, através dela, mobiliza a
ReAntropofagia (Baniwa, 2018) como método e princípio para reconstrução de
memórias. Destacando as particularidades da carta em suas expressões, a leitura
discorre sobre os modos de produção na materialidade das grafias-desenhos, a partir de
Evaristo (2007), e dos gestos inacabados (Salles, 2012) na correspondência ao Velho
Mundo em direção ao encontro, (re)apresentando outras dimensões do diálogo sobre
Arte Indígena Contemporânea (Esbell, 2020). Para tanto, são trazidas as vozes de
Suzane Lima Costa (2021; 2023), Lucia Sá (2018), Gustavo Caboco (2022; 2024), Ailton
Krenak (2019; 2022) e do próprio Jaider Esbell, a fim de estabelecer conexões entre
diferentes campos e extrapolar os limites nas possibilidades de estudos dos documentos
da memória cultural, de modo que manifestações artísticas e literárias possam reverberar
conhecimentos para além dos muros da academia.

Resumo

Este empreendimento textual é um movimento de escrita subjetiva de um sujeito que se constrói constantemente em linguagens. A tese aqui apresentada é um ensejo/desejo de comunicar uma auto tradução performática  da arte do viver  ao descortinar uma investigação  que  se ergueu pela curiosidade de se aprofundar parcialmente nas entranhas de  saberes afro referenciados a partir da literatura-terreiro, Freitas (2016) , produzidas por Mãe  Stella de Oxóssi, no livro Òwe/Provérbios ( 2007) e em  Caroço de dendê(2002), de Mãe Beata de Yemonjá , ambas sacerdotisas do candomblé de nação ketu, que em  seus tempos de vida terrena dirigiram o Ilê Axé Opô Afonjá e o Ilê Axé Omin Oju Arô , respectivamente. A pesquisa selecionou dezesseis òwe iorubanos traduzidos e comentados e  o conto O Odu Ojionilé  como corpus  a fim de demonstrar  suas importantes contribuições  filosóficas, literárias , epistemológicas  e ontológicas para alargar a compreensão da cultura iorubana na diáspora brasileira graças ao exercício generoso da tradução performática e intersemiótica em linguagens multimodais dessas duas intelectuais negras,em especial para adensar a compreensão  da divindade Orí (cabeça , centro da existência humana ) pelas gnoses iorubanas em diáspora. Para a realização dessa pesquisa, os conceitos-teóricos e metodológicos de origrafia, Carrascosa(2021) tradução adoxada, Socorro(2025) tradução escrevivente, Reis (2017), foram acionados para a construção do trabalho,  bem como o alcance de um entendimento mais ampliado dos lugares dessas mulheres como tradutoras de saberes ancestrais codificados em linguagens multimodais complexas, a partir das quais  ambas intermediaram um diálogo compreensível para os que não tinham acesso e, deste modo, ajudar a compreendê-las como pessoas que democratizaram  o acesso a saberes ancestrais sofisticados.

A tese investiga o filme Eu, mamãe e os meninos (2013), de Guillaume
Gallienne, como um espaço de escrita de si e de (des)construção identitária. O
estudo articula cinema, teatro e literatura, tomando como eixos a
performatividade, a noção de máscara/persona e a dimensão autobiográfica. O
percurso analítico evidencia como Gallienne transforma experiências pessoais
em acontecimento estético, produzindo uma obra aberta que tensiona
fronteiras entre vida e arte. O trabalho dialoga com autores como André Bazin,
Ismail Xavier, Bergman, Philippe Lejeune, Leonor Arfuch, Roland Barthes e
Judith Butler, além de referências ao teatro Nô, Stanislavski, Antunes Filho. O
objetivo é compreender como a narrativa fílmica reconfigura a busca de si por
meio da performance e da escritura cinematográfica, problematizando as
perguntas “o que sou eu?” e “quem sou eu?”.

A coletânea No sweetness here, de Ama Ata Aidoo (1970), escritora ganense pertencente
ao grupo étnico e linguístico Fanti, foi publicada treze anos após a independência do
país, em 1957. Os contos são apresentados em fases narrativas e histórias encadeadas
(Noguer, 2010), com o intuito de retomar o fefewo, um modelo de escrita narrativa
oriundo dos grupos Akan e Ewe. Até o momento, nenhuma obra de Aidoo foi traduzida
para a língua portuguesa e a presente pesquisa tem por objetivo apresentar a tradução
comentada para o português brasileiro dos contos : “For whom the things did not
change”, “In the cutting of a drink”, “The message e “No sweetness here”, para
demonstrar o respeito à manutenção do hibridismo entre a oratura ganense performada
pelo fefewo (performance teatral que envolve a sátira política) e o conto (prosa) optando,
quando possível no projeto tradutório, por expressões idiomáticas e lexicais da região
da Chapada Diamantina, na Bahia, por entendê-las como arquivos vivos do legado
africano no português brasileiro. Para realizar a tradução, foi necessário entender
primeiramente a estética narrativa utilizada pela autora, recorrendo a Esi Sutherland –
Addy (1989) e Vicent Odamtten (1994). O hibridismo entre o gênero conto e o fefewo,
característica central da coletânea, definiu os procedimentos de tradução em níveis
macro e microtextual. Os comentários da tradução seguiram os moldes da tradução
afrodiaspórica de Denise Carrascosa (2017) que busca o deslocamento dos estereótipos
estabelecidos sobre a população negra em um mundo pós-escravidão. Esse modelo
entende a linguagem como espaço de disputa e de reconfiguração das narrativas do
sujeito negro colonizado. Paralelamente, acionamos a tradução comentada de Marie-
HélèneTorres (2017), na qual a tradutora apreende o comentário como esclarecedor de
sentido, de figura e de interpretação ao redor de um texto. Aidoo usa a língua inglesa
herdada da experiência colonial britânica mesclada com a língua fanti, em uma tentativa
de reescrever suas histórias, circular ideias e percepções sobre a colonização e refundar
um pensamento que desvalorizava os modos de produção de saber do continente. Os
resultados dessa prática tradutória comentada revelaram a crítica de Aidoo contra o
contexto político, econômico e cultural da nação após a independência, na qual o modelo
de acumulação capitalista e padrões de beleza britânicos foram assimilados no país,
assim como as normas de dominação masculina europeia em detrimento da organização
matrilinear e a importância da figura feminina para a sociedade Akan. Aidoo resgata um
dos significados do comunicador adinkra, Sankofa, dos Akans, e busca elucidar nos
contos que não é um problema olhar o passado para buscar o que se perdeu. A tradução
buscou olhar para a região da Chapada Diamantina, prestando atenção ao léxico, às
expressões idiomáticas e ao ritmo da linguagem, tendo em vista que os resíduos das
línguas africanas, como Kimbumdu e Kikongo, se manifestam em nossa vida cotidiana,
por meio de um legado linguístico e cultural vibrantes.

Esta pesquisa tem como objetivo discutir as políticas de morte que afetam a população negra no Brasil, a partir da produção literária de escritoras negras. Para isso, a autora escolhida é a contemporânea Conceição Evaristo, com foco nos contos do livro Olhos d’água (2014). A análise dos contos “Maria”, “Olhos d’água”, “Di Lixão” e “Lúmbiá” revela que Evaristo denuncia a existência de uma política de morte direcionada à população negra no país. Além das narrativas literárias, a dissertação entrelaça dados estatísticos (2013-2024) que evidenciam como essa política se manifesta no cotidiano dessa população. Nesse contexto, são abordados os conceitos de biopoder (Foucault, 1970) e necropolítica (Mbembe, 2003) para compreender como o Estado brasileiro mantém um controle sobre as vidas negras, sem distinção de idade ou classe social. Inicialmente, a reflexão destaca a importância dos direitos humanos no Brasil e no mundo, identificando categorias sociais que têm esses direitos violados devido a uma estrutura que as marginaliza. Após reconhecer as classes que sofrem e aquelas que usufruem dos direitos decorrentes da sua condição humana, o texto critica a política de morte e a banalização da vida que afetam constantemente os corpos negros. Por fim, conclui- se que, enquanto o Estado determina quem está apto a viver e quem está destinado a morrer com base em critérios raciais, os personagens de Evaristo, como agentes de letramento, se reinventam diariamente por meio de suas estratégias de reexistência (Souza, 2009). Esses atos de insubmissão e subversão presentes na escrita de Evaristo nos ensinam sobre a importância da resistência em busca de uma reexistência frente às políticas de morte impostas pelo Estado.

A presente dissertação trata da obra "Abre alas para o Major Cosme", peça teatral escrita pela dramaturga Jurema Penna, em 1976, dirigida e encenada por ela em 1977, no Teatro SESC Pelourinho. "Abre alas para o Major Cosme" apresentou nos palcos 10 personagens residentes da periferia soteropolitana, empenhados em levar para o Carnaval o bloco “Deixe Comigo” em homenagem ao Major Cosme de Farias, político e militante das causas sociais. Ao longo de dois anos foi empreendido um estudo através de jornais da época, textos teatrais, livros teóricos sobre essa produção, a partir de um viés filológico como nos ensina a Profa. Dra. Rosa Borges (2021), criadora da Equipe Textos Teatrais Censurados. Logo, este trabalho traz a edição interpretativa do texto teatral "Abre alas para o Major Cosme" (Penna, 1976), abordando os aspectos históricos e sociais que cercam a produção. A partir da edição interpretativa proposta para o texto e do estudo crítico-filológico desenvolvido, foi possível constatar que Jurema Penna levou para os palcos as vozes daqueles que receberam ajuda do Major Cosme de Farias, mas que poucas vezes puderam, publicamente, agradecer e contar sobre as defesas e assistências do Major em vida. 

Esta dissertação é sobre o entrelaçamento de três categorias de análise: língua,
literatura e identidade, cujo objeto/sujeito de pesquisa são as escritoras Alice Walker
e Carolina Maria de Jesus, em suas obras A Cor Púrpura e Quarto de Despejo,
respectivamente. Da afro-americana Alice Walker, A Cor Púrpura é um romance
epistolar. Por meio de cartas endereçadas a Deus e para sua irmã, a protagonista
Celie expõe a sua vivência no sul rural dos Estados Unidos durante as primeiras
décadas do século XX. Sua vida é marcada por sofrimento e opressão, mas também
por fortes laços de amor e amizade. Ao longo da história, ela enfrenta desafios
relacionados à sua identidade, autoestima e independência, mas também aprende a
se valorizar como mulher negra em uma sociedade que a menospreza e marginaliza.
Alice Walker utiliza o Black English de forma proposital para causar um estranhamento
literário e, assim, dar autenticidade para sua narrativa, aprofundando os personagens
ao retratar as experiências complexas dos afro-americanos daquele período. Em
Quarto de Despejo, Carolina Maria de Jesus expõe as duras condições de vida, a
pobreza, a fome e a discriminação que enfrentou morando na favela de São Paulo.
Sua escrita, marcada pela força e pela originalidade, revela a inteligência, a
sensibilidade e a resiliência de uma mulher negra que luta para sobreviver em um
ambiente hostil e desigual. Utilizando uma linguagem informal para testemunhar sua
própria vida, a língua de Carolina Maria de Jesus pode ser entendida como Pretuguês,
língua essa que possui pronúncias específicas na cultura afro-brasileira, termos
incorporados dos escravizados africanos e variações da norma padrão, sendo uma
expressão de identidade e diversidade da população negra no nosso país. Assim
sendo, as particularidades linguísticas presentes em ambas as obras são analisadas
no decorrer da dissertação, atreladas ao contexto histórico que permeia as narrativas.
A língua, a literatura e a identidade se entrelaçam de maneira complexa e profunda,
moldando a nossa percepção de nós mesmos, do mundo e do nosso lugar nele. A
partir desta pesquisa, compreende-se que, através dessa interconexão, construímos
e expressamos nossa individualidade, nossa cultura e nossa visão de mundo.

Esta dissertação aborda a relação entre o mundo natural e o tema da conversão religiosa no romance Arrow of God, de Chinua Achebe. O romance retrata a relação conflituosa entre um líder religioso da etnia igbo e os agentes do governo britânico e da igreja cristã durante o período colonial na Nigéria. Por consequência dos movimentos missionários cristãos durante os séculos XIX e XX, o processo de conversão religiosa foi intensificado no ambiente colonial africano, resultando no fomento de conflitos e, muitas vezes, na violenta aculturação dos países colonizados. Isto ocorreu porque os movimentos missionários da religião cristã foram regidos por uma doutrina de imanência cultural, ou seja, buscavam o domínio social e político da região colonizada. Dessa forma, apresentamos uma pesquisa bibliográfica em três seções complementares, considerando o pensamento animista acerca de uma consciência religiosa do mundo material; a importância cultural do plantio e da colheita do inhame em sociedades tradicionais igbo; e a relação entre a píton sagrada e a deusa da terra do panteão igbo. Diante do fato de que a conversão religiosa foi apresentada como um processo polivalente que implica em uma alteração na subjetividade do indivíduo convertido, consideramos a intersecção entre religião e política no texto literário, investigando o papel da fé cristã no aparelho ideológico do imperialismo britânico. Concluímos que, no contexto da colonização britânica, o cristianismo não se opôs apenas a religião tradicional igbo, mas também a formas específicas de convivência com o mundo natural.

Esta dissertação percorre a produção da escritora Maura Lopes Cançado, presente em seus dois  livros Hospício é deus, diário I e O sofredor do ver, com o objetivo de refletir sobre os modos como sua obra se constrói nos rastros da clausura e também nos gestos artísticos de derrubada desses espaços de sufocamento. A partir das imagens produzidas pela autora e de seu contexto de criação — o território manicomial —, busco compreender as contradições que atravessam seu fazer literário e que situam sua produção em um limiar entre a contenção e a liberdade. O trabalho propõe, ainda, reflexões sobre o desejo de escrita em um espaço de morte, como o hospício, amparado pelo conceito de máquinas desejantes de Deleuze e Guatarri (2010), e investiga esse processo como gesto artístico relacionado à escrita de mulheres, a partir das considerações de Cixous (2022), Lorde (2020). Por fim, analisa três imagens recorrentes na obra de Lopes Cançado — a pedra, o olhar e a queda —, compreendidas aqui como estratégias poéticas de desmonte das lógicas e estruturas do claustro, sustentada pela noção de mundo sem modelo, de Pélbat (1993). Nessa direção, as discussões aqui elaboradas não buscam encontrar uma interpretação única sobre a produção da escritora — incitada pela coisa literária de Felman (1978) — mas se firmam no desvio proposto por sua própria escrita.

A literatura brasileira não é monolíngue, existe também a literatura do povo brasileiro surdo, que é feita em Libras. Assim, este trabalho traz a literatura em Libras como artefato cultural de resistência da vida surda e de sua língua, seja em peças teatrais, romances, crônicas, contos, fábulas, poemas, piadas e outras formas de expressões literárias feitas em Libras por surdas, surdos e ouvintes. Esta pesquisa está voltada para a sistematização e análise da literatura em Libras como instrumento pedagógico eficaz para uma práxis que ambicione aproximar alunas surdas e alunos surdos de suas bases culturais e linguísticas, descentrando a perspectiva colonial da educação de surdas e surdos. Assim, considerando a matrícula de estudantes surdos em salas inclusivas em grande parte das escolas no país, objetivamos propor uma unidade didática que pode servir de orientação para o desenvolvimento futuro de livros didáticos de português, considerando, especialmente, a não veiculação da literatura em Libras em um livro de português do Programa Nacional do Livro e do Material Didático (PNLD), no Ensino Médio, que foi analisado. O presente trabalho aportou-se em referencial teórico na área dos Estudos Culturais (Hall, 2003); Estudos Surdos (Skliar, 2013); literatura em Libras (Sutton-spence, 2021); Estudos Surdos (hooks, 2017); decolonialidade (Quijano, 2014); e português para surdas e surdos (Fernandes, 2006, 2008 e 2024; Bento et al. 2021). A metodologia empregada na pesquisa foi a análise documental. Como resultado, constatou-se a ausência da literatura em Libras no livro analisado, o que evidencia a persistência de uma organização curricular hegemônica em nossos espaços escolares, um cenário que pode ser transformado por meio da unidade didática proposta neste trabalho.

PALAVRAS-CHAVE: Literatura em Libras; Decolonialidade; Livro didático; Português para surdas e surdos.

Esta dissertação é resultado de uma análise das cartas de mulheres negras das obras Cartas para a minha mãe (2010) de Teresa Cárdenas, Cartas para a minha avó (2021) de Djamila Ribeiro e Cartas a uma negra (2021) de Françoise Ega. Escrever cartas é uma das formas que essas mulheres encontraram para se inserir num mundo que as escamoteia, fazer ecoar uma voz silenciada e (re)construir a memória cultural de outras mulheres que virão depois delas, afinal, são mulheres negras escrevendo para outras mulheres negras a fim de traçar um diálogo ancestral que une os passos do passado, presente e futuro. Partindo da hipótese de que a escrita dessas mulheres é um ato transgressor que rompe as  barreiras sociais impostas às mulheres negras, buscamos, neste trabalho, compreender como elas encontraram na escrita um lugar de inserção no mundo, um lugar possível de fazer com que suas vozes ecoem e cheguem em outras mulheres para que elas tenham uma vida diferente, possível e passível de escolhas e passos traçados por elas mesmas. Para isto, esta pesquisa, de caráter bibliográfico, contou com revisão de literatura das obras estudadas, além do diálogo com outras pesquisadoras negras que pensam a escrita, o lugar que as mulheres negras ocupam na sociedade e a importância da escrita de cartas para que pudessem se inserir no mundo e, assim, modificar a narrativa imposta que sempre as coloca num lugar de subalternidade. A partir da leitura das cartas, foi possível observar que a escrita das mulheres negras remetente das cartas estudadas, tem um marcador social intrínseco à escrita, ao qual compreendemos como escrevivência, uma escrita de mulheres marcada por suas vivências e experiências, não só pessoais, mas coletivas. Constatou-se ainda, que as cartas se configuram como um espaço seguro e acolhedor das narrativas de mulheres negras e, a partir delas, cria-se uma rede onde elas podem observar o passado, repensar o presente e refazer o futuro, reconstruindo a memória cultural de toda uma coletividade que através do questionamento da historiografia imposta, reivindica seu lugar no mundo e confronta diretamente opressões como o racismo, o sexismo e o silenciamento.

O Sertão e a Rússia: aproximações poéticas e afetivas” elege como corpus de estudo as narrativas dos contos populares russos e a literatura de cordel do sertão brasileiro, tendo como foco a teoria desenvolvida pela especialista em oralidade Jerusa Pires Ferreira, na obra Matrizes impressas do oral: conto russo no sertão (2014). O objetivo central é compreender o trabalho de mediação e tradução cultural empreendido por Pires Ferreira, que atua no campo da oralidade como um espaço de articulação entre tradição e criação, entre o poético e o afetivo, na construção de pontes interculturais. A pesquisa propõe uma reflexão sobre as literaturas oral e impressa, com foco nos modos como os fenômenos culturais são transmitidos e atualizados em diferentes contextos históricos e geográficos, por meio de signos como iconografia, texto oral/escrito e expressão verbal. A oralidade é compreendida como tecnologia de memória coletiva, responsável por dar forma e continuidade a imaginários sociais marcados pela resistência e pela reinvenção. O estudo ancora-se ainda em travessias concretas entre Rússia e Chapada Diamantina, considerando não apenas o intercâmbio simbólico entre dois territórios, mas também os percursos históricos que conectam os movimentos de tradução, escuta e recriação. A partir de mapeamentos, registros e práticas culturais desta ponte intercultural, busca-se compreender como essas produções se articulam, reafirmando o papel da escuta sensível, da história oral e da experiência afetiva como fundamentos metodológicos e epistemológicos. Ao valorizar a contribuição de Jerusa como intelectual múltipla — atuando nos campos da teoria literária, da etnopoética e da tradução cultural — este trabalho reforça a importância das mediações interculturais no fortalecimento de uma memória viva, plural e crítica.

Esta dissertação apresenta uma análise da obra Um Defeito de Cor (2006) de Ana Maria Gonçalvesa fim de comentar o procedimento de seleção, desmontagem e remontagem de documentos de diferentes origens utilizados pela autora para a composição de seu romance. Esse processo que compreendo como um gesto curatorial (Azevedo, 2019; Obrist, 2010) se atrela ao trabalho de criação da ficção baseado nas lacunas deixadas pela violência da colonização, procedimento que pode ser lido como um exercício da fabulação crítica (Hartman, 2020) – ao atribuir voz e corpo a indivíduos e acontecimentos esquecidos nos e pelos arquivos históricos. Para a discussão sobre o arquivo, discuto Jacques Derrida (2001) e Arlette Farge (2022) e reconstruo uma breve genealogia da ideia de fabulação partindo da filosofia de Henri Bergson (1978, 2004) até Saidiya Hartman (2020, 2022, 2024). Durante o desenvolvimento da pesquisa, a obra Os cânticos que encantaram Pierre Verger (2020), escrita por Angela Lühning e Silvanilton Encarnação da Mata, tornou possível conectar uma história familiar a um aspecto da história coletiva de Salvador. Ao final da pesquisa, verificou-se o estreitamento de fronteiras entre a literatura e a história, já que a ficção é entendida como um discurso que oferece uma possibildiade de elaboração do que é lacunar na historiografia.

O presente trabalho analisa quatro representações femininas da Trilogia Sombra e Ossos, escrita por Leigh Bardugo dos anos 2012 a 2014. A obra, caracterizada como literatura fantástica, é destinada ao público juvenil, portanto, analisam-se conceitos relacionados à juventude e sua relação com a leitura literária. Ademais, reflete-se sobre as possíveis correlações entre personagens e mulheres reais. Para tanto, noções relacionadas ao heroísmo feminino são trabalhadas ao longo da análise das personagens, assim como suas caracterizações a respeito da beleza padrão, sexualidade, senioridade e atribuição do imaginário de bruxa. A análise ampara-se no método cartográfico a partir do apresentado por Deleuze e Guattari (2011) e Passos, Kastrup e da Escócia (2015), considerando-se a relação entre pesquisadora e objeto para a produção do conhecimento. Assim, ativam-se outras leituras literárias caracterizadas como fantásticas e juvenis, protagonizadas e escritas por mulheres, para comparar e fundamentar as ações das personagens escolhidas. Essa escolha se dá devido à relação da pesquisadora com a literatura e com as obras com as quais teve contato antes e durante a produção da dissertação. Por fim, são propostos nove capítulos que fundamentam a investigação, sendo quatro de análise das personagens e cinco de análise de tópicos essenciais para a observação das representações femininas, a saber, juventude, feminismo, a literatura fantástica, a relação da literatura juvenil com os jovens e o mapa introdutório. 

O presente trabalho investiga o uso e as funções dos provérbios na construção de intrigas amorosas em três peças teatrais quinhentistas: dois autos anônimos portugueses — Auto do Caseiro de Alvalade e Auto de Guiomar do Porto, editados por José Camões (2018) — e a Farsa de Inês Pereira, de Gil Vicente. As três obras apresentam uma recorrente utilização de provérbios na composição da retórica amorosa, seja com propósitos satíricos, seja como instrumentos de elevação moral. No que se refere às personagens femininas, observa-se que os provérbios funcionam de forma ambivalente: ora como dispositivos de silenciamento, ora como estratégias de resistência. A pesquisa fundamenta-se nos pressupostos teóricos de Mikhail Bakhtin, especialmente no que tange à linguagem literária como forma de representação estética da realidade e à concepção do discurso como espaço de convivência entre múltiplas vozes sociais. Considera-se o texto dramático como um território dialógico e polifônico, marcado por uma intensa estratificação linguística. Nesse contexto, os provérbios ocupam posição de destaque, atuando como elementos que articulam o saber erudito ao popular e contribuindo para a expressividade e a verossimilhança do universo encenado. Embora de origem erudita, essas unidades fraseológicas se consolidam na oralidade, integrando-se ao senso comum. Quando inseridos nos discursos das personagens — seja em enunciações diretas, seja em construções indiretas —, os provérbios assumem função retórica, expressando juízos de valor, ironias e críticas sociais. A proposta deste estudo, portanto, é analisar de que maneira tais enunciados proverbializados participam da tessitura estética e ideológica dos textos, colaborando para a construção de sentidos nas representações dos costumes e das relações amorosas no teatro português do século XVI.

Este trabalho investiga a influência social do cinema na construção de representações raciais e identitárias, com enfoque na produção afro-americana e no afrofuturismo, tomando como estudo de caso o filme Pantera Negra (Coogler, 2018). Analisa-se como o cinema, desde obras históricas como O Nascimento de uma Nação (Griffith, 1915) até produções contemporâneas, reflete e molda percepções sociais, perpetuando estereótipos ou promovendo formas de resistência cultural (Moço, 2010; Coleman, 2019; Ferdinand, 2022). Discute-se a trajetória de artistas negros que canalizaram contextos sociais e políticos em suas obras, como Nina Simone, Jean-Michel Basquiat e Oscar Micheaux, bem como o surgimento de movimentos cinematográficos como o blaxploitation (Nama, 2011; Caetano, 2020) e os race pictures (Almeida, 2011). No estudo de Pantera Negra (2018), observa-se a centralidade da cultura africana, a construção de personagens complexos, a representação positiva de mulheres negras e a utilização de elementos musicais afrocentrados, reforçando identidade e empoderamento negro (Göransson & Lamar, 2018; McMillen, 2018; Fielder, 2019). Além disso, o trabalho aborda como o afrofuturismo projeta futuros alternativos nos quais a negritude ocupa o centro narrativo, desafiando a hegemonia branca e a exclusão histórica (Womack, 2013; Nama, 2018). Conclui-se que o cinema é um instrumento potente de visibilidade, resistência e transformação social, capaz de influenciar percepções, inspirar debates sobre raça, ancestralidade e identidade, e consolidar práticas culturais e políticas que reconhecem e valorizam a experiência negra.

Esta tese busca identificar e traduzir para o português brasileiro as marcas de oralidade presentes no romance Oliver Twist, escrito por Charles Dickens, em 1837, e publicado em Londres. Ao comparar o texto inglês com quatro traduções para o português brasileiro, a saber, a de José Maria Machado (1954), a de Antônio Ruas (196?), a de Machado de Assis e Ricardo Lísias (1870/2002) e a de Sonia Augusto (2017), nota-se que os traços de oralidade presentes no texto dickensiano são frequentemente escamoteados e recriados na variante padrão culta da língua portuguesa do Brasil. Sendo assim, a pesquisa busca atentar para tais escolhas tradutórias, repetidas ao longo de vários anos, a fim de propor uma nova tradução do romance dickensiano, com especial atenção à recriação de marcas do falar popular presentes no texto de partida, unindo conceitos da Sociolinguística e dos Estudos de Tradução. Além disso, a pesquisa se debruça sobre os primeiros anos da vida de Charles Dickens – de sua infância ao início de sua carreira como escritor – para fundamentar alguns dos acontecimentos que influenciaram sua produção literária, levando-o a incluir em seu texto marcas da fala cotidiana da sociedade inglesa do século XIX.

Não escrever é o nome dado ao projeto literário com distintos produtos - performance, livro cartonero, cadernos, ensaio – da escritora, professora, pesquisadora, editora e crítica literária Paloma Vidal. A proposta, nascida dentro de uma investigação acadêmica, objetivava compreender a impossibilidade de escrita de alguns autores, mais tarde concentrados na figura de Roland Barthes. Essa perspectiva, no entanto, expandiu-se para o fazer literário, uma prática de escrita em processo, composta por tudo que se escreve quando não se escreve, em textos permeados de inespecificidades, a exemplo da apropriação como método (VILLA-FORTE, 2019), da autoficção (AZEVEDO, 2008), da autoteoria (FOURNIER, 2021), que sintetizam a literatura contemporânea. Com esse objetivo, leio Paloma, com ela dialogo, para encontrar o biografema da minha voz-autora, a produção de uma autoria na travessia. Esse texto encontra-se dividido, assim, em três seções: 1. “Experiência e experimentos, de onde se parte para a travessia?”, no qual apresento esta proposta de tese e com quem converso para sua construção; 2. “Por que Paloma Vidal?”, no qual discuto o fazer literário da autora e como este desmonta e sintetiza o contemporâneo dentro das obras que me afetam; 3. Enquanto não se escreve: experimentos literários no durante, no qual apresento experimentos de sensibilização a partir de meu corpo na experiência da leitura de Paloma Vidal e da escrita em processo desta tese.

Jinjila: Caminhos Escreviventes da Ancestralidade Preta na Literatura-Terreiro Kimbundu-Baiana propõe investigação e estudo sobre como os discursos da Literatura-Terreiro Kimbundu-Baiana instituem-se enquanto primordiais na elaboração de epistemologias para leitura e produção de literaturas pretas. Este trabalho tem como conceito-guia a Ancestralidade Preta que assim intitulo nestas linhas por ser matriz de todas as categorias epistemológicas que as nações africanas fundaram; a forma como tantos entre nós, na diáspora, compreendemos e elaboramos histórias. Neste contexto, pela nação da minha casa-terreiro de Umbanda Bantu- Kongo/Ngola e pelos estudos de língua kimbundu que desenvolvo desde que me tornei professora em formação – NUPEL/UFBA, destaco a força da literatura Kimbundu-Baiana, produtora de léxicos e importante divulgadora das cosmovisões Bantu em território baiano, nas autorias de Lande Onawale, Kota Gandaleci, Louise Queiroz e Davi Nunes nas obras: Kalunga: poemas de um mar sem fim (2011) e Pretices e Milongas (poemas) de Lande Onawale; Kwame: a menina de vento e água. (2023); Girassóis estendidos na chuva. (2019) e Gonzo (2023) de Louise Queiroz; Bakulo (2018) de Kota Gandaleci; Bucala, a princesa do quilombo do Cabula (2015), Um dia para famílias negras (2021), Zanga (2018) e Banzo (2020) de Davi Nunes. A diversidade de suas textualidades, seus gestos, suas dicções, seus adentramentos e particularidades, evocando a percepção para a multimodalidade das escritas pretas na perspectiva da Literatura-Terreiro (FREITAS, 2016). Inicia-se aqui um caminho que também é escrevivente que teoriza e documenta as poéticas desses baianos e baianas tornando possível este trabalho.

Esta tese investiga as características do poetry slam no Brasil, competição em que poetas apresentam textos autorais e são avaliadas(os) por júri selecionado entre o público. A pesquisa elabora o conceito de “slams dissidentes” para analisar grupos que utilizam o slam como plataforma de expressão de suas identidades, fomentando a elaboração poética e construindo espaços de intervenção e transformação social para além do formato competitivo. Observa-se a relevância do slam como ferramenta cultural e política no cenário brasileiro, com o recorte para as performances poéticas e políticas da Slam das Minas (BA), que promove o protagonismo de mulheres negras e periféricas e o Slam do Corpo (SP), que busca a representatividade das comunidades surdas e as relações interculturais entre surdas(os) e ouvintes. A análise amplia a compreensão do slam a partir de uma perspectiva interdisciplinar, dialogando com o movimento hip hop e os estudos de Roberta Estrela D’Alva, Marc Smith, Michel Foucault com o conceito de heterotopia e Richard Schechner, com a análise das performances do corpo. Além disso, a pesquisa se apoia em entrevistas e observações de campo, incluindo o registro audiovisual do documentário “De Mana pra Mana: Um papo com o Slam das Minas BA” (2022) produzido durante este estudo. Ao longo da tese, investigam-se as intersecções entre o slam e outras manifestações artísticas e culturais, como a poesia visual vernacular, bem como a importância do arquivo e do repertório na construção de identidades e memórias dos slams dissidentes.

Ao apresentar a literatura proverbial como uma potenteprodução literária negra no Brasil, por
meio das obras de Carolina Maria de Jesus e Beatriz Nascimento, pretende-se destacar a
complexidade das dimensões éticae estética ancestrais presentes nas criações dessas autoras.
Isso ocorre em um diálogo, confronto e tensão com o cânone literário estabelecido e a própria
historiografia oficial da literatura brasileira.Através da articulação de diversos conceitos, como
inscritura (Queiroz), cruzo (Martins), oralitura (Ayoh'Omidire, Martins), literatura-terreiro
(Freitas), migração fractal (Paxe), escrevivência (Evaristo) e pilhagem epistêmica (Freitas), o
objetivo é analisar os provérbios, aforismos e máximas em sua dimensão literária, pedagógica
e filosófica. Além disso, busca-se estabelecer um novo campo de circulação ancorado na
literatura negra de base africana, em particular nas tradições yorùbá e bantu.A categoria da
ancestralidade é tomada como o principal vetor analítico que une todos esses conceitos
mencionados. Ela serve como uma lente interpretativa paracompreender e explorar as
inscrições proverbiais, evidenciando sua relevância na genealogia literária brasileira. Esse
estudo contribui para ampliar as experiências estéticas contidas nessas produções, permitindo
uma reconfiguração do panorama literário ao incluir as vozes negras e suasepistemologias.
Dessa forma, o objetivo é não apenas reivindicar a presença dos provérbios na tradição literária
brasileira, mas também contribuir para expandir as fronteiras do conhecimento, proporcionando
uma maior valorização e compreensão das experiências estéticas presentes nessastextualidades
literárias. O estudo propõe-se, portanto,a enriquecer o campo literário, dando visibilidade às
contribuições da literatura negra de base africana e valorizando a riqueza das(est)éticas
ancestrais.

A tradução comentada corresponde a uma modalidade de registro consciente do processo de tradução. Além de contribuir pedagogicamente, por seu caráter analítico e discursivo crítico, que permite teorizar e explicitar processos, modelos e escolhas tradutórias, favorece ainda a visibilidade do tradutor. Com o intuito de colaborar com os Estudos da Tradução, apresento reflexões sobre o processo de tradução do livro italiano Giochi di mano. Publicado na Itália em 2013, o romance da escritora Manuela Lunati, de caráter autobiográfico, relata a relação abusiva entre um ex-soldado croata e uma jovem italiana voluntária em um campo de refugiados de guerra na Bósnia, apresentando um retrato muito bem traçado da violência doméstica contra a mulher, sob a perspectiva da vítima. A tradução foi embasada na teoria funcionalista de Christiane Nord, considerando também os conceitos de Domesticação e Estrangeirização, do teórico Lawrence Venuti. A tradução comentada, sob a perspectiva principalmente de Marie-Hélène Torres, de Adriana Zavaglia, Carla Renard e Christine Janczur e de Gilles Jean Abes, levou em consideração elementos sintáticos, marcadores culturais e fraseologismos.

A tese de doutoramento, em questão, versa sobre as Poéticas Orais de Matarandiba, uma comunidade de marisqueiras e pescadores localizada na contracosta da ilha de Itaparica, no município de Vera Cruz, Bahia. O estudo da tradição oral da localidade de Matarandiba visa examinar produções textuais que relacionam oralidade, corpo, memória e ancestralidade, permitindo a investigação de uma produção literária incomum na tradição do campo literário brasileiro, expandindo, quiçá, as possibilidades de definição do que é literário na contemporaneidade. Assim, defendo a ideia de que as produções culturais da localidade, através de suas narrativas, bem como do seu samba de roda, são literaturas que funcionam como força e resistência de uma estética que sobrevive a partir das suas performances. Nesse percurso, entendo que há uma necessidade, urgente, de alargamento do campo crítico da literatura brasileira, bem como do campo historiográfico dos povos de diáspora, por isso, aqui, proponho ampliar as possibilidades de abordagem acerca da tradição oral da vila, estabelecendo relações éticas e estéticas desse repertório com o campo da literatura brasileira. As suas literaturas e seus saberes orais estão grafados nos corpos da população matarandibense. Por esse prisma, as análises estão pautadas em operadores que buscam reconfigurar as estruturas de poder eurocentradas instauradas no campo teórico-crítico das humanidades. Freitas (2016) permite fazer um exercício crítico literário a partir do conceito de pilhagem epistêmica, o qual ajudará a descortinar o que foi recalcado pelo campo crítico literário que “pilhou” as literaturas dos povos dissidentes. A ideia de tempo espiralar, desenvolvida pela professora Leda Martins (2021), numa perspectiva cósmico-filosófica da ancestralidade africana, evidencia que, através das suas literaturas e do seu território, Matarandiba indica que suas enunciações poéticas conseguem fissurar a linearidade temporal hierarquizante do cronos ocidentalizado, já que as vivências estéticas, a partir dessas vozes, corpos e tambores, estão em funcionamento de um tempo não linear, mas sim curvilíneo. Destarte, a tríade: corpo-tempo-movimento atua como prenúncio da potência literária presente nas poéticas orais da localidade. Os saberes orais matarandibenses apresentam o cenário da ilha de Itaparica, bem como as beiradas da sua maré, numa mostra que inscreve o protagonismo e pertencimento local. Nessa perspectiva, as riquezas naturais gravitam como elementos vivos dessa poética contracosteira itaparicana. Trago Krenak (2020), dialogando sobre a importância da Terra como ser ativo, bem como seus entrelaces com as humanidades, a fim de pensar a paisagem e o processo de ressignificação que é feito pela comunidade, capaz de subverter a ideia de subalternidade que permeia os cenários da contracosta. Destaco que, ao longo desta tese, serão apresentadas fotografias que compõem o acervo da pesquisa de campo, entrevistas, ilustrações presentes na obra Memórias de Terra e Mar e vídeos diversos (os links encontram-se ao logo da tese) produzidos pela comunidade e vídeos artesanais contendo acervo da pesquisa (links em anexo na conclusão). Nesse bojo, as poéticas orais de Matarandiba vão além do que está grafado, pois são corpos que giram numa ciranda de possibilidades enunciativas e discursivas. Isto posto, dialogo com Alcoforado (1989, 2001, 2008), Costa (1998, 2015), Deleuze & Guattari (2011), Derrida (2001),Doring (2016), Ferreira (2004, 2010, 2014), Freitas (2016), Glissant (2021), hooks (2019, 2020, 2023), Martins (2020, 2021), Oywùmí, (2021), Sodré (1998, 2020), Zumthor (2000, 2010), entre outras autoras e autores que ajudarão a pensar sobre as simultaneidades que reativam e reinstauram esses corpos como “tapeçaria de sentidos discursivos” (Martins, 2021, p.21).

Este trabalho investiga, na obra de Philip Roth, a recorrência de certas emoções – notadamente

a vergonha, o ressentimento e a fraude – como operadores centrais de seu projeto literário.

Defendo que esses elementos não apenas atravessam os enredos e personagens, mas estruturam

um modo de escrita que ressignifica as fronteiras entre autobiografia e ficção, autoria e

performance, identidade e representação. A partir de uma perspectiva voltada às escritas de si,

proponho que Roth mobiliza esses sentimentos para articular uma reflexão constante sobre o

eu em relação ao outro, explorando os modos como as subjetividades se constroem no embate

com expectativas sociais, juízos morais e dilemas étnicos. Nesse processo, as diversas formas

de interlocução – entre personagens, entre narradores e leitores, entre autor e figura autoral –

tornam-se centrais para a compreensão de sua poética. Os romances analisados revelam um

esforço persistente de encenação do desmembramento do sujeito, marcado por ambivalência,

deslocamento e autorreflexividade. Em vez de entender tais sintomas apenas como marcas

temáticas, esta tese os trata como dispositivos formais e éticos que configuram um campo

narrativo de conflito e exposição, por meio do qual se delineia uma proposta literária singular,

voltada à problematização da imagem pública do escritor, aos limites da representação de si e

à reconfiguração do lugar do outro.

Esta tese analisa as reinscrições contemporâneas de Hamlet no cinema, investigando como diferentes contextos sociopolíticos e culturais reconfiguram o texto shakespeariano e suas estruturas de sentido. O estudo parte da hipótese de que cada adaptação constitui um gesto crítico diante do cânone, funcionando como espaço de tradução e deslocamento em que o passado é relido a partir de novas sensibilidades e regimes de imagem. Com base em referenciais teóricos da adaptação, da semiótica e da intermidialidade, do pós-estruturalismo e dos estudos culturais e pós-coloniais, a pesquisa propõe uma leitura articulada em três níveis — sistema cultural, aspectos visuais e estilísticos e posição de cada obra no polissistema cinematográfico — tomando como corpus os filmes Hamlet (Franco Zeffirelli, 1990), Hamlet 2000 (Michael Almereyda, 2000) e Hamlet/Horatio (Paul Warner, 2020). Em Zeffirelli, o corpo trágico e a dimensão sensorial da mise-en-scène reinscrevem o sagrado e a culpa, fazendo emergir um imaginário da carne e do interdito; em Almereyda, a modernidade tecnológica transforma o príncipe em sujeito mediado por telas e dispositivos, revelando uma crise da interioridade e da presença na era digital; em Warner, a relação entre Hamlet e Horácio é reconfigurada como performance de memória e experiência queer, abrindo a narrativa para outras formas de afeto e de identidade. A análise demonstra que o cinema não apenas traduz Shakespeare, mas pensa com ele, instaurando modos próprios de reflexão sobre o sujeito, o tempo e a imagem. As adaptações revelam que a permanência do texto depende de sua capacidade de ser incessantemente reatualizado e de acolher novas vozes, olhares e corporeidades. A partir de conceitos como différance e imagem-cristal, argumenta-se que as versões fílmicas deslocam as fronteiras entre representação e experiência, entre presença e ausência, tornando visível a instabilidade constitutiva do texto shakespeariano. Assim, o Hamlet cinematográfico emerge como campo de pensamento e de reinvenção, onde a memória, o corpo e o olhar se entrelaçam na produção de sentido. Dessa forma, somos levados a compreender que a sobrevivência de Hamlet no cinema é um processo de tradução contínua que reafirma sua potência crítica, estética e filosófica, fazendo do cinema um espaço de reinscrição do trágico e de reinvenção da herança shakespeariana.

O Peru viveu um período de extrema violência entre os anos de 1980-2000. Esse momento lastimável na história do país, conhecido como Conflito Armado Interno – CAI, prolongou-se por 20 anos e foi o responsável por inúmeros crimes contra os direitos humanos, tais como perseguição, torturas, violações sexuais, assassinatos e desaparecimentos forçados. Podemos mencionar, também, o aniquilamento da condição humana, no qual os afetados por essa violência interna foram submetidos, sendo despojados inclusive de sua ritualidade cotidiana. Diante disso, várias famílias foram afetadas pela violência interna, perderam assim seus familiares de forma cruel e desumana. A procura por pessoas e por respostas sobre a localização de entes queridos levou as famílias de Ayacucho a se unirem na esperança de encontrá-los. Angélica Mendoza de Ascarza, a Mamá Angélica, com muita coragem e determinação, empreendeu a busca pelo filho Arquímedes, desaparecido, e, junto a ela, outras mulheres que compartilhavam a mesma dor, unira-se na criação da ANFASEP - Asociación Nacional de Familiares de Secuestrados, Detenidos y Desaparecidos del Perú. Encontramos no livro Hasta cuando tu silencio? Testimonios de dolor y coraje, produzido pela ANFASEP, os testemunhos dessas mulheres valorosas que relatam de forma detalhada os episódios de violência vivenciados por elas, as suas histórias de vida, a memória traumática que carregam consigo, como também a perseverança na luta pela memória de seus familiares. Na presente tese, será apresentada a tradução desses testemunhos para a língua portuguesa, como também a relevância do trabalho da ANFASEP para a manutenção da memória e sua contribuição para que fatos lamentáveis como o CAI, jamais voltem a se repetir. A pesquisa teórico-prática, desenvolvida no campo dos estudos de tradução, constitui-se de uma metodologia bibliográfica, com diálogos estabelecidos com importantes teóricos dos estudos andinos e dos estudos da memória, especialmente, em torno ao testemunho literário latino-americano e sua relação com contextos de efervescência e violência político-social. Através da prática da tradução interlinguística e cultural dos testemunhos, realizada em contexto imersivo, a partir do acolhimento e da compreensão das epistemologias e cosmovisão andinas, a tese tem como resultado o repertório de 41 testemunhos de experiências de vida e sobrevivência das mães e integrantes da ANFASEP, traduzidos ao português e comentados em seus conteúdos de complexidade formal e de temática exemplares.

Este trabalho propõe-se a discutir dois termos presentes no espaço autobiográfico contemporâneo (ARFUCH, 2010): a autoficção e a escrevivência. Retraçando a origem dos termos, a dissertação pretende investigar narrativas que são associadas a essas nomenclaturas dando especial atenção às narrativas de Tatiana Salem Levy, A chave de casa (2007) e de Jeferson Tenório, O avesso da pele (2020), bem como investigar as tensões entre ambas as noções e suas formas de inserção no campo literário, a fim de considerá-las como elementos fundamentais para a reflexão sobre a incidência da primeira pessoa em muitas narrativas atuais. Assim, no entendimento principal do argumento desenvolvido ao longo deste trabalho, tanto a autoficção quanto a escrevivência apontam para uma proliferação das narrativas em primeira pessoa e para a incidência do autobiográfico em muitas obras do presente e isso não significa apenas uma concessão a mais ao cenário de espetacularização midiática e ao narcisismo imperantes, mas também abre espaço para a produção de novas vozes na literatura e para a discussão de questões pertinentes ao espaço social no texto literário.

O presente trabalho parte de um contexto de escrevivências transatlânticas, numa perspectiva tridimensional, vinculada às interações multiculturais de andanças feitas pelo Brasil, Estados Unidos da América e África do Sul. Trata-se de uma pesquisa que parte de uma abordagem afrodiaspórica no campo dos Estudos de Literatura e Cultura, enfocando-se na área dos Estudos Contemporâneos de Tradução, constituídos a partir de uma ética, estética e política do Sul-Global. Assim, além dos debates teóricos, principalmente, sobre o Teatro Negro Sul-africano, realizou-se a tradução afrodiaspórica e comentada do primeiro ato do drama em língua inglesa Our Lady of Benoni, do autor sul-africano Zakes Mda, que tematiza questões abrangentes de gênero, tabus, preconceitos, relações raciais e traços culturais da interação entre virgindade e patriarcado a partir dos testes praticados em mulheres e meninas de alguns grupos étnicos da África do Sul pós-Apartheid. A tradução foi feita para o português brasileiro, por meio de análises dos elementos culturais do texto dramático de partida, buscando-se índices que dialogam com a diáspora negra, principalmente, afro-brasileira. Tanto as análises teóricas, quanto a tradução realizada levaram em consideração questões de raça, classe, gênero e conflitos culturais para perceber os desdobramentos relevantes dos gestos tradutórios no contexto de um manejo implicado a observar a importância do "corpo tradutor" como elemento fundamental do processo de tradução interlingual e cultural de uma obra. Para tanto, utilizou-se como suporte teórico-metodológico o conceito de Tradução como Performance Escrevivente cunhado por Luciana Reis (2017).

O estudo proposto concentra-se nas obras Antes do Baile Verde e Seminário dos Ratos, da escritora brasileira Lygia Fagundes Telles. Ambas as obras são coletâneas de contos publicadas na mesma década, respectivamente nos anos de 1970 e 1977, e abundantes na presença de temas de mistério. Propomos uma leitura analítico-interpretativa de três contos de cada obra por considerá-los representativos do fantástico na autora. Analisados individualmente, entrelaçamos a leitura ficcional às percepções teóricas de estudiosos do fantástico em Literatura a partir de Tzvetan Todorov (1970) e de pesquisadores da obra de Lygia Fagundes Telles como, Suênio Campos de Lucena (2007; 2008; 2017; 2018). “A caçada”, “Meia-noite em ponto em Xangai”, “Natal na Barca”, “As formigas”, “Tigrela” e “Seminário dos Ratos” são os contos selecionados para este trabalho nos quais buscamos explorar a presença do fantástico na escrita da autora. Destacamos que em nossas análises observamos que as referências para a construção do fantástico exploradas por Lygia, em grande parte, são feitas de problemáticas contemporâneos à escrita dela, destacadamente a inclusão de marcadores da decadência da burguesia paulistana frente ao avanço da modernização, a partir de 1950, e da repressão da ditadura militar dos anos de 1960.

A literatura negra tem sido, cada vez mais, objeto de estudo e discussão. Na contemporaneidade, o olhar sobre os textos escritos por pessoas negras e que tratam abertamente sobre a negritude vem se modificando. É nesse cenário que proponho a análise do livro Na Minha Pele (2017), de Lázaro Ramos. A narrativa de memórias, mas que não se limita a um gênero específico, transitando e ultrapassando alguns dos seus limites, marca a estreia do autor na literatura de não ficção. Este estudo, sob a luz das reflexões de Cuti (2010a; 2010b), Souza (2006; 2010) e Evaristo (2009; 2010), – entre outros autores e autoras –, investiga o lugar ocupado por essa obra no atual cenário da literatura negra contemporânea, bem como propõe a sua leitura sob a perspectiva de um discurso acerca da negritude com viés antirracista. Para tal, procuro escrutinar a maneira como o texto é tecido, evidenciando não apenas a biografia do autor, mas a maneira como ela é utilizada para provocar, indagar e levar reflexões aos leitores. Nesse sentido, analiso as escolhas feitas por Ramos, a forma como certos conceitos e certas provocações são inseridas na narrativa, bem como o seu diálogo com outros atores, escritores e artistas. Somado a isso, busco refletir sobre o potencial desse livro para uma pedagogia literária acerca do racismo, que propõe um olhar sobre passado, presente e futuro.

Este trabalho analisa narrativas orais de mulheres negras montenses, nascidas e criadas na
comunidade quilombola do Monte Recôncavo, no município de São Francisco do Conde, Bahia.
Com este trabalho, busco ouvir essas mulheres, compreendendo-as como corpos-memórias, com
subjetividades, afetos, vozes e saberes, que desejam partilhar suas experiências e escrevivências
(Silva, 2020; Evaristo, 2020). Procuro, nas narrativas acionadas, identificar suas afrografias, ou seja,
seu repertório afrodiaspórico constituído por memórias, linguagens, letramentos e escrevivências. A
pesquisa se utilizou da metodologia qualitativa, apoiando-se em referenciais bibliográficos
elencados previamente e ao longo das ações, como aporte teórico para a análise dos dados
levantados na pesquisa de campo. Durante esta pesquisa, foram realizadas entrevistas orais com seis
mulheres com idades entre 39 e 78 anos. A comunidade do Monte Recôncavo é apresentada, numa
perspectiva sócio-histórica e geográfica, a partir do olhar de Rubens Celestino (2023), Marise de
Santana (2020) e José Jorge do Espírito Santo (1998), três personalidades naturais de São Francisco
do Conde, buscando-se fortalecer e preservar a história local. O conceito de quilombo é discutido a
partir dos estudos de Givania Silva (2012, 2020), da historiadora Beatriz Nascimento (2021) e do
líder quilombola Nego Bispo (2021). As narrativas orais produzidas pelas mulheres constituem
fundamentação basilar e são atreladas aos operadores afrografias da memória, da professora Leda
Maria Martins; autodefinição, da professora Patricia Hill Collins (2019 e 2016); autorrecuperação
e erguer a voz, da intelectual negra bell hooks (1995 e 2019). Essas narrativas são trabalhadas, ainda,
a partir do operador escrevivência, plasmado pela escritora Conceição Evaristo (2009, 2020, 2021).
Acredito que as vozes das mulheres aqui evocadas podem romper silêncios e ser ouvidas em suas
comunidades, na academia e em outros espaços, expandindo, no campo literário, a compreensão dos
processos de escrita de si, por meio desses corpos-memórias, protagonizando processos formativos
centrais no campo das identidades, não mais atados à tradição canônica, mas dialogando com uma
série de outras tradições textuais, periféricas e negras, que se desenvolvem no seio de comunidades
específicas. Essas mulheres compõem este trabalho como protagonistas das suas histórias, relatos e
comunidades. Suas memórias e relatos orais contribuem com estudos de produção epistemológica
de mulheres negras e a desconstrução de discursos subalternizantes, no campo da literatura e cultura.

Este trabalho analisa o filme Bacurau, do ano de 2019, dirigido e roteirizado por Kleber

Mendonça Filho e Juliano Dornelles, articulando-o ao pensamento antropófago, de Oswald de

Andrade (1995), erigido em seus ensaios e manifestos. A dissertação analisa algumas das obras

dos diretores pernambucanos, como também discute, de forma breve, a genealogia da

construção do cinema brasileiro (Gomes, 1996), principalmente dos momentos do Cinema

Novo e da retomada contemporânea dos anos 1990, levando em consideração os momentos

políticos vivenciados nesses recortes temporais e focalizando coletividades que fazem

interlocuções entre passado e presente, como se dá com a Semana de 1922, o movimento

Manguebeat, a Tropicália, e com grupos de música contemporânea, como o Baiana System. O

trabalho tece críticas às condições de produção da cinematografia brasileira, ao mesmo tempo

em que atravessa temáticas enfocadas nessas produções, mirando, principalmente, as

problemáticas da fome e do sonho (Rocha, 2013 [1965; 1971]). Também é construído por meio

do recurso a textos sobre os canibais (Lestringant, 1997; Montaigne, 2010 [1533-1592]), e

pautado pelas teorias do devir-animal (Deleuze; Guattari, 2012), do devir-onça (Mussa, 2011)

e do habitar tropical (Ferdinand, 2022), formulando-se, a partir dessas leituras, o conceito de

distropia. Este parte de uma inquietação da autora de que Bacurau não poderia ser nem uma

utopia nem uma distopia. E dialoga com a proposta do Bem Viver (Solón, 2016), com as

experiências dos povos originários (Kopenawa; Albert, 2019; Krenak, 2019) e dos povos

aquilombados (Nascimento, 1985), com literaturas e filmes distópicos e utópicos, perpassando

pelo descolonial, em sua conceituação latino-americana (Walsh, 2013; Mignolo, 2003) e das

compreensões sobre o paradigma colonizador e colonizado, em Memmi (2007 [1957]) e Fanon

(1968), assim como pela noção de vidas precárias (Butler, 2015) e da discussão de Spivak

(2010) sobre a possibilidade de fala do subalternizado.

Esta dissertação apresenta a tradução histórico-crítica e comentada de Thérèse et Isabelle (2000), escrito por Violette Leduc no século XX. A história seria inicialmente a primeira parte de Ravages (1955), mas foi retirada da obra por questões morais da época e, mais precisamente, censura. Após a consolidação de Leduc enquanto uma autora nomeada por La Bâtarde (1964), houve o interesse por parte da Editora Gallimard de publicar Thérèse et Isabelle como um livro independente. No entanto, essa edição, publicada em 1966, não contava com cerca duas dúzias de páginas iniciais e quinze a vinte páginas intermediárias. Além disso, foram operadas outras modificações por parte de Leduc e de agentes pertencentes ao sistema literário que a rodeava. Apenas em 2000, por intermédio de Carlo Jansiti, Thérèse et Isabelle veio a público com o texto integral, embora ainda como um livro independente. Tomando-o por texto fonte, busquei inter-relacionar os Estudos da Tradução e os Estudos de Gênero e Sexualidades para propor uma tradução baseada na experiência e na reflexão, como proposto por Berman (1995; 1999), e que valorizasse as representações estabelecidas na obra, de modo a não perpetuar estereótipos e trazer a ética para a tradução (Venuti, 2002). Nesse sentido, dialoguei com estudiosos/as que versam sobre a escrita de Leduc e pesquisam suas temáticas, seja pelo viés da psicologia ou da tradução, como Baveye (2017), Gomes (2017), Frantz (2016), Péron (2011), Antolin (2023) e outros/as. Uma vez que esta pesquisa se propõe a apresentar uma tradução comentada, recorri a estudos dos domínios da tradução cultural, como Benjamin (2008), Berman (1995; 1999), Bhabha (1998), Carneiro (2011), Pym (2017) e Venuti (2002), a fim de refletir sobre a parte teórico-prática da tradução. Os debates sobre os Estudos de Gênero e Sexualidades foram pensados com base, principalmente, em Stellmann de Souza Lima (2006), Mott (1987), Butler (2008), Foucault (1999) e Wittig (1992), além de outros/as autores/as que abordam as temáticas de que trata esta pesquisa. Quanto à questão da presença feminina e LGBTQIA + na literatura, recorri aos estudos de Rossoni (2016). Foi essencial a base da histórico-crítica para esta tradução, pois trouxe o contexto de Thérèse et Isabelle para a tradução, evidenciando a característica de continuidade e disrupção que a obra apresenta. Como resultado final, apresento uma tradução intitulada Tereza e Isabela, que implicou reflexão e colocou em evidência as decisões desta tradutora, justificadas pelos objetivos estabelecidos de acordo com a analítica bermaniana (1999). Além disso, com esta pesquisa, busquei trazer ao ambiente universitário a presença, ainda escassa, de obras de temática LGBTQIA + com enfoque na representação sáfica.

Esta dissertação é sobre estudos aprofundados dos diálogos possíveis entre as intelectuais negras Conceição Evaristo e Lélia Gonzalez, destacando como suas trajetórias convergem na elaboração de projetos intelectuais que se fundamentam nas vivências negras, tanto literárias quanto não literárias, para construir um pensamento crítico, político e cultural. Para isso, buscamos sistematizar dois conceitos centrais elaboradas por essas pensadoras: Escrevivência e Amefricanidade, de Conceição Evaristo e de Lélia Gonzalez, respectivamente. Ao entrelaçar esses conceitos, a pesquisa objetiva demonstrar como o trabalho das autoras influi significativamente nas produções literárias decoloniais para a crítica aos sentidos que definem as hierarquias sociais no Brasil, sob as clivagens de raça, classe, gênero, considerando suas contribuições literárias e epistemológicas como um projeto necessário à reinterpretação de um país profundamente formado, sobretudo, pela presença afro-brasileira e afro-diaspórica. Os operadores metodológicos e teóricos indicados para o tratamento e análise do corpus são de caráter bibliográfico e transdisciplinar, ampliando, dessa forma, as leituras e cruzamentos analíticos que poderão partir da filosofia, da literatura, da história e dos estudos culturais, priorizando a utilização de referenciais negros. Destacamos a importância dessas duas intelectuais no contexto da luta antirracista e feminista no Brasil, mostrando como suas produções teóricas e literárias contribuem para a construção de um pensamento crítico que desafia as estruturas opressivas da sociedade brasileira e para o agenciamento (Assante, 2009) de sujeitas(os) amefricanas(os) como protagonistas de suas próprias histórias em direção ao processo de desalienação e devir(es) de uma Consciência Negra (Gordon, 2022).

O trabalho investiga os modos como a homoafetividade é representada nos romances O que te pertence (2019) [2016] de Garth Greenwell e O quarto de Giovanni (2018) [1956] de James Baldwin e tem como objetivo principal analisar as diferenças na forma como os dois autores representaram as relações homoafetivas mantidas pelos personagens masculinos de ambas as obras. Neste trabalho, compreendemos a representação como um fenômeno submetido a uma conjuntura de elementos históricos e culturais que reverberam na produção literária, do mesmo modo que a representação literária contribui para a representação social. Assim, o trabalho analisa as maneiras pelas quais os autores lidaram com o contexto em que suas obras foram produzidas e lançadas. O trabalho toma como pressuposto que os Estudos Culturais (FELSKI, 2014) contribuíram para ampliar a discussão sobre a representatividade política e, partindo do exame dos romances de Greenwell e Baldwin, discute as tensões que a relevância (GREENWELL, 2020) da discussão sobre a representatividade mantém com a noção de representação literária.

O presente trabalho se propõe a analisar a relação política e estética na obra de Lima Barreto, mais especificamente nas obras O cemitério dos Vivos, Diário Íntimo e Diário do Hospício. Para isso, alguns núcleos são acionados estrategicamente para pensar essa relação, como a linguagem, a representação, a noção de literatura militante, o espaço narrativo e os conceitos de Biopoder e biopolítica desenvolvidos por Michael Foucault. Em um primeiro momento, é construída a forma metodológica e de que maneira ela pode exercer um papel importante e estratégico em nossa análise. A genealogia dos poderes tem por objetivo refletir sobre o conceito de história, o problema do saber e da verdade. A problematização do literário na obra de Lima Barreto, é, talvez, o ponto de saída e de chegada deste trabalho. O fazer literário e as críticas produzidas pelo autor corroboram para uma nova perspectiva do conceito literário. Ao apontar para uma perspectiva de literatura militante e negra, o autor constrói uma problematização da concepção de literatura brasileira; concepção esta que Regina Dalcastagnè demonstra que nunca foi plural, mas uma concepção homogênea, convertida em uma unidade que nunca correspondeu com a diversidade, diferença e pluralidade. Em tese, a concepção de literatura está ligada a uma visão de mundo e de sociedade. Se, para Lukács, a Literatura da segunda metade do século XIX e começo do século XX era essencialmente burguesa, o fazer literário e o próprio entendimento teórico de Lima Barreto vão na direção oposta desse status quo. Este, talvez, seja o grande diferencial da literatura barretiana. Ao promover uma ideia de arte que está em consonância com a vida, com propósito humanista e de alteridade. De maneira sucinta, o trabalho aponta para a ideia de que, além do autor contribuir para um conceito mais real da literatura brasileira, ele, através de alguns elementos da teoria da narrativa: espaço, tempo, personagens, revoluciona a teoria da narrativa no sentido de se apropriar desse espaço, anteriormente burguês. Nesse sentido, torna-se, quase impossível, fazer uma análise crítica da sua obra e da literatura brasileira como um todo sem problematizar as relações estéticas e políticas envolvidas na literatura.

O presente estudo objetivou investigar as representações linguísticas e discursivas presentes na obra-objeto Triste Fim de Policarpo Quaresma que denotam a denúncia de Lima Barreto, seu autor, à pretensa identidade nacional construída no imaginário social. Representações que se arvoram a invocar um senso de homogeneidade de um povo sabidamente plural. Para construção do trabalho, utilizou-se o método materialista dialético na análise das fontes, do romance e do contexto da época histórica situada nos primórdios da república, focando-se nas contradições entre o imaginário idealizado e a realidade posta, com o auxílio da interpretação das representações utilizadas pelo escritor ao longo da obra. Assim, partindo-se de considerações gerais sobre práticas memoriais e culturais na literatura, discute-se a dimensão simbólica nacional em Lima Barreto; a identidade nacional antirromântica é debatida por meio de sua contradição com a realidade do país. Além disso, são exploradas as representações culturais e da identidade brasileira em Triste Fim de Policarpo Quaresma. Por fim, busca-se abordar a estética literária no romance, de modo a identificar Lima Barreto como um antropófago sem hierarquia. Em meio a tudo isso, questões como o contexto histórico, político e social da origem do Brasil republicano e o plano biográfico do autor, que evidencia possíveis projeções pessoais em sua literatura militante, são contornadas em conjunto com as práticas memoriais e culturais. Como resultados, acredita-se que Lima Barreto tenha sido um sujeito histórico responsável por construir um devir através de sua literatura com linguagem popular e pela negação das teorias excludentes da época.

Caetano Moura. Autobiografia. Edição interpretativa. Filologia

A presente pesquisa tem como objetivo analisar as narrativas Nicketche – uma história de poligamia (2002), de Paulina Chiziane e Kindred – laços de sangue (1979) de Octávia Butler tomando, como eixo de análise, a ideia de que, em suas escritas, estas autoras propõem interpretações sobre processos de autorrecuperação (hooks, 2019; 2023) ensejando possíveis caminhos de cura a partir de um olhar da África, notadamente Moçambique, e da diáspora norte-americana. Compreendo que, nos textos aqui estudados, as autoras forjam seus personagens, o andamento e a tematização do enredo, as cenas, temporalidades e os espaços narrativos de tal modo que findam por denunciar a limitação colonial e platônica da representação (Deleuze, 1974;  Derrida, 1995; Morisson, 1992) e, mais que isso, exploram campos de construção literária que impõem a necessidade de estratégias críticas e teóricas afrocentradas. Seus textos escolhem, no que tange à política e à estética acionadas, discursos articulados com a ancestralidade (Martins, 2021; Sodré, 2017; Oliveira, 2021; Ribeiro, 2020), com o protagonismo e a resistência de mulheres negras por meio da escrita, com a escrevivência como política de representação (Evaristo, 2007; 2020), a fabulação crítica (Hartman, 2020), a sankofanarração (Brooks; Mcgee; Schoelman, 2019) e o rememory (Morrison, 2020) como estratégias narrativas e desnorteiam os paradigmas coloniais de verossimilhança, exigindo leituras teóricas dissidentes, além de apontar a perspectiva da escrita de mulheres negras como ato de (re)existência, de autorrecuperação (hooks, 2019; 2023), de “erguer a voz” (hooks, 2019), de autodefinir-se (Lorde, 2009; Collins, 2019), autorrepresentar-se (hooks, 2019; Sarr, 2019) e  autonomear-se (Martins, 1996), entendendo que a literatura  – ou qualquer outra forma de significação e simbolização do mundo – como um espaço vital de autorrecuperação, cicatrização e cura, não apenas individual, mas, sobretudo, também coletiva.  A pesquisa objetiva, portanto, mapear os processos de autorrecuperação experienciados por personagens e autoras selecionadas, compreender suas escolhas e consequentes caminhos de “cura” – isto é, alcançar um futuro onde seja possível esperançar, bem viver e amar(-se) física, emocional e espiritualmente, a despeito das diversas formas de opressão cotidianas – e discutir aproximações e distanciamentos entre essas experiências, além de investigar as singularidades e similitudes nas abordagens estéticas e políticas das autoras. Utilizando uma abordagem teórico-crítica ancorada sobretudo na literatura de mulheres negras, no feminismo negro (Davis, 1983; hooks, 1994, 2019, 2023; Collins, 2019); Lorde, 2019 et al.) e no Womanism (Walker, 1983).  A metodologia inclui análise textual, revisão bibliográfica e métodos interdisciplinares. Ademais, interessa-me estabelecer conexões críticas que apontem como estas escritoras criam estratégias para construir uma escrita comprometida com a vida e uma vida comprometida com a escrita (Evaristo, 2007) e “modos criativos e discursivos de mobilização de existências” (Santiago, 2018). Através de um pensamento que busca entender a escrevivência e as textualidades diversas como forma de “luta na linguagem para recuperar a si mesmo – para reescrever-se, reconciliar, renovar” e de que “[...] nossas palavras são uma ação, uma resistência” (hooks, 2019), trago para a cena de diálogo desta tese, textos, entrevistas e conferências dispersos que trazem as vozes das autoras para além dos seus romances aqui escolhidos como corpus deste estudo.

Discute-se o ensino da leitura literária e os letramentos, na Educação do Campo, como um processo que pode se tornar efetivo, se ocorrer em diálogo com as identidades, memórias, subjetividades, modos culturais e as questões que atravessam as comunidades campesinas. Objetiva-se, desta maneira, propor estratégias de ensino da leitura literária na interação com as vivências dos(as) campesinos(as) e as situações que os(as) afetam; discutir concepções de leitura e letramentos e suas implicações nas propostas pedagógicas para a Educação do Campo; compreender o campo como espaço cultural e identitário que exige métodos específicos de ensino e aprendizagem; problematizar os conteúdos curriculares de ensino da literatura propostos pelos documentos oficiais, concernentes à Educação do Campo; evidenciar a necessidade de uma formação inicial e continuada específica para os docentes que atuam na Educação do Campo, rompendo com um currículo urbanocêntrico, racista e colonialista, o qual desconsidera os conhecimentos, as identidades e os modos de vida das comunidades campesinas. Trata-se de uma pesquisa bibliográfica e autoetnográfica, em que, também, as trajetórias de vida, docência e pesquisa percorridas pela autora colocam-se à disposição da construção teórica sobre como ensinar a leitura literária em contextos de minorias representativas, neste caso, em especial, na Educação do Campo, tendo em vista a potencialidade do texto literário na ficcionalização da vida destas pessoas, de maneira crítica, política, inventiva e subversiva. Criadora do operador teórico “Escrevivência”, a escritora e pesquisadora brasileira Conceição Evaristo (2020), tendo como foco a experiência das mulheres
negras, abre caminhos para se pensar em como a literatura pode ser um importante instrumento de ficcionalização da vida dos grupos minoritários, na luta contra a colonialidade, o racismo estrutural, dentre outras questões que, historicamente, têm atravessado as vivências destas pessoas. Na perspectiva da autora, endossada em muitas outras pesquisas, a literatura negra, por exemplo, aparece como possibilidade de (re)escrita da história dos(as) subalternizados(as) — numa narrativa protagonística, individual/coletiva —, produzindo outras subjetividades, subvertendo os estereótipos impostos pelo racismo, sexismo, patriarcalismo e pela colonialidade. A leitura literária e os letramentos, portanto, podem funcionar como instrumentos político e de afirmação identitária na vida dos(as) estudantes constitutivos das escolas do campo: “trabalhadores,  amponeses, mulheres, negros, povos indígenas, jovens, sem-teto... Sujeitos coletivos históricos, se mexendo, incomodando, resistindo. Em movimento” (ARROYO, 2003, p.33). Parte deste público descrito por Arroyo (2003)
protagonizara nas salas de aula da Educação básica nas escolas do campo em que a autora atua ou atuou,  demonstrando que é possível ficcionalizar suas vivências e coletividades, por meio da leitura literária, engajando-se pela escuta de suas vozes, afirmando suas identidades, territórios e territorialidades de modo político, positivo e afirmativo. Espera-se que este estudo contribua nas reflexões e práticas de ensino da leitura literária e dos letramentos, na Educação do Campo, mas também em outros contextos de minorias  epresentativas. 

Neste trabalho, tecido com muitas mãos, o leitor encontrará seis ensaios sobre algumas obras escolhidas da artista contemporânea Lygia Clark. Esses escritos se relacionam de forma independente, mas também estão ligados por uma charneira que gira sempre, propondo outras triangulações e alianças como o que vem de fora. Todos os textos são interligados pela potência dos objetos estéticos da artista, que servem como dispositivo para pensar outras relações contemporâneas, alargando os fluxos do que já conhecemos como arte/vida, animalidade, clínica, expandido, volume, corpo e política. Desse modo, as obras de Lygia Clark são elastecidas pelo meu olhar e por uma rede de relações teóricas que são esculpidas como proposições que se expandem quando tocadas pela relação que estabeleço com outros artistas, escritores e teóricos. Em cada ensaio, proponho encontros que fazem o território das artes visuais dialogar com outras áreas do conhecimento, como a literatura e a filosofia. Desses encontros, construo uma espécie de Caminhando, que vai crescendo como uma serpentina, um Trepante que vai se enroscando àquilo que tem força, até chegar no meu objetivo que é apontar como esses objetos estão ligados à organicidade e aos fluxos da vida, que pulsam intensamente a cada proposição erguida por uma artista que sempre foi uma legista do espaço e do corpo.

Este trabalho tem como objetivo analisar, a partir de uma perspectiva bibliográfica e

comparativa, as atividades críticas de Roberto Corrêa dos Santos, Ana Cristina de Rezende

Chiara, Denilson Lopes, Diana Klinger e Alberto Pucheu, mediante o levantamento de suas

produções publicadas nas últimas décadas, com vistas à abordagem dos recursos retóricos e

teóricos agenciados em uma produção crítica que dramatiza a presença do sujeito e de recursos

literários em sua formulação. Busca-se com a investigação desse corpus sublinhar e ilustrar os

deslocamentos textuais, discursivos, temáticos e metodológicos no proceder dos respectivos

ensaístas, apontando-se os principais elementos que constituem seus escritos. Para tanto, foram

empregados operadores de leitura fundamentais para o desenvolvimento das investigações a

respeito dos críticos, tais como as noções de ensaio, performance e afeto, discutidos por

pesquisadores como Francisco Bosco (2017), Paulo Roberto Pires (2018), Max Bense (2018),

Néstor García Canclini (2014), Paul Zumthor (2018), Marvin Carlson (2009, 2010), Gonzalo

Aguilar e Mario Cámara (2017), Alex Beigui (2011), José Gil (2002), Luciana di Leone (2014),

Patrícia T. Clough (2010), dentre outros. O trabalho também busca situar essas produções em

um contexto pós-moderno ou contemporâneo, tal como analisado por Linda Hutcheon (1991),

Stuart Hall (2005), Giorgio Agamben (2009), Ieda Magri (2020), Lionel Ruffel (2014), em

diálogo com o que se denominou de espaço biográfico, definido pela exibição de si nas

humanidades, segundo as pesquisadoras Leonor Arfuch (2010), Ana cláudia Viegas (2010),

Paula Sibilia (2008) e Eneida Maria de Souza (2011). A tese recupera as contribuições do

movimento pós-estruturalista, em geral, no Brasil, e o engajamento ensaístico por parte da

intelectualidade na academia, que contribuíram para abrir caminho às experimentações dos

críticos literários discutidas neste estudo. Também se operou, neste trabalho uma breve

retrospectiva histórica para se compreender esse processo, uma vez que foram esboçadas

considerações acerca da crítica biográfica produzida nos séculos XIX, XX e XXI, em razão do

liame firmado entre arte e vida, indicando-se diferenciações e similaridades em relação à

prática biográfica estabelecida no tempo presente e no passado. Nesse percurso, também se

destaca a importância da corrente estruturalista e a difusão de suas premissas no País, para que

fosse possível um distanciamento em relação ao diletantismo da crítica impressionista e a

implementação de maior sistematicidade no ofício da crítica nacional. A tese advoga a ideia de

que as produções ensaísticas dos autores analisados, conquanto se alimentem do rigor analítico

alcançado pela crítica literária brasileira, também passaram a ser caracterizadas pelo

compromisso em desestabilizar hábitos rotineiros ao universo intelectual e a experimentar, de

forma criativa, o espaço aberto da página, promovendo uma interface com outras esferas do

conhecimento e das artes. Os ensaístas incorporam aos seus processos investigativos o desejo

de afetar seus leitores, por meio de múltiplas táticas discursivas que convertem a escrita crítica

em um projeto que se pretende afetivo e sensorial, e reivindicam, ainda, o direito de o autor ser

parte do processo de estudo por eles produzido

Esta tese tem como principal objetivo mapear as leitoras e os leitores reais da literatura negro-brasileira escrita por Luiz Silva, mais conhecido como Cuti, observando os locais de circulação dessa assinatura textual. Partindo da concepção de que a escrita literária negrobrasileira produzida pelo referido autor constitui um projeto literário que pretende ressignificar a história da população negro-brasileira pelo poder simbólico da escrita, entendo que Cuti, no momento da sua escrita, trabalha visando a um público leitor que “despertará” e responder aos processos oriundos das práticas racistas, tendo em vista os comandos da sua escrita. Partindo do entendimento de que o texto literário é uma escrita de caminhos inexatos, que ultrapassam o horizonte pretendido pelo autor, cabem as seguintes questões: Quem é o leitor da Literatura negra produzida por Cuti? Por onde esses textos circulam? Como os leitores respondem a esses textos? Se a literatura negro-brasileira escrita por Cuti é declaradamente uma demanda textual que pretende extrapolar o espaço em branco do papel, interferindo na subjetividade do seu leitor negro, é estruturante compreender o ambiente que concretizará os desejos dessa assinatura textual, ou seja, a sua recepção. Nesse sentido, estudarei o horizonte de recepção que envolvem os textos da literatura negro-brasileira produzidos por Cuti perpassando pelas motivações que originaram essa assinatura textual, as estratégias das composições textuais literárias e teóricas empreendidas pelo autor e, principalmente, as operações que fogem do controle autoral e abrem espaço para o público leitor. Para o desenvolvimento das discussões aqui propostas, são estruturantes as reflexões empreendidas por Florentina Souza, Maria Nazaré Lima, Audre Lore,Grada Kilomba, Bell Hooks, Stuart Hall, Michel Foucault, Franz Fanon, Kabengele Munanga, Pierre Bordieu e o próprio Cuti. No tocante à recepção, usareis as contribuições de Hans Robert Jauss, Wolfgang Iser, Humberto Eco, Antoine Compagnon, entre outros. Esta tese investe na abordagem
direcionada à recepção da literatura negro-brasileira e no modo como os leitores que conseguem acessar essa demanda textual se movimentam de forma autônoma nas possibilidades despertadas por essa demanda político-textual. A discussão caminha no terreno movente da leitura de textos teórico-críticos, da recepção dos textos dentro do diversos meio digitais, dos locais de circulação da composição do autor e na recepção crítica do autor estudado.

As políticas do amor e de afeto constituem um movimento político que no âmbito da poética de Lívia Natália forjam sociedades do amanhã. Visando explorar esse aspecto, empreendemos uma crítica literária e cultural a partir da abordagem bibliográfica de caráter qualitativo que possibilitou ampliar as discussões sobre desamor, autoamor e solidão para além dos limites dos versos. O corpus selecionado é composto de três obras, a saber: Água Negra e Outras Águas (2017), Correntezas e outros estudos marinhos (2015) e Dia bonito pra chover (2017), devido à proximidade temática.  A investigação foi realizada com o intuito de compreender o que o amor representa no contexto da poética da escritora baiana, bem como identificar as possíveis conexões da temática com a questão racial e de gênero. Tendo isso em vista, à medida que o estudo avançava, pudemos observar que a poeta mobiliza a imagem da ausência para problematizar o desamor no qual o sujeito poético estava envolto, mas que, na verdade, simboliza também a experiência de pessoas negras, cuja afetividade esteve e continua sendo alvo de interdição de uma estrutura sociocultural racista. Conforme revelou a pesquisa, os resquícios do regime escravagista impactam a vida dos afrodescendentes em todos os ângulos, inclusive no campo da afetividade, porque ainda não somos vistos como merecedores de amor. Em virtude disso, a poeta promove em seus poemas políticas de afetividade, que consiste em um conjunto de proposições para o desenvolvimento do autoamor e resgate, conservação e construção de elos afetivos que possibilitem equilíbrio emocional e psicológico. Além disso, fomenta políticas do amor, que segundo bell hooks (202) diz respeito as ações que podem mudar o status quo, ou como assinala Vinícius Silva e Wanderson Nascimento (2019), forjar a sociedade do amanhã.

E

O objetivo desta tese é apresentar um modo de ler o Tupinipunk para além de
um subgênero literário da Ficção Científica brasileira (FC). Neste sentido,
desenvolvo a ideia de que a crítica literária do gênero, tanto no Brasil quanto no
exterior, tem selecionado elementos internos dessas narrativas na tentativa de
eleger o Tupinipunk como um representante literário da FC produzida no Brasil,
com características que o diferenciariam do cyberpunk norte-americano. A
discussão se estende à "crítica da crítica", uma vez que, em minha opinião,
alguns discursos emitidos por este campo têm, frequentemente, colocado o
Tupinipunk na órbita daquele que tem atuado como o seu principal modelo
literário e centro solar, o cyberpunk norte-americano. Desenvolvo esta pesquisa
orientado por algumas reflexões, tais como as de Roberto de Sousa Causo,
contidas tanto em sua pesquisa de Doutorado(2013), quanto em seus
romances Selva Brasil (2010) e Terra Verde (2013); a ideia de conceito, de
Deleuze e Guatari (1992) e Gonçalo M. Tavares (2021); alguns diálogos
contemporâneos que valorizam o pensamento indígena como peça central no
equilíbrio sistêmico do planeta, em abordagens propiciadas por Alberto Acosta
(2019), Suzane Lima Costa (2009, 2017) e Pablo Solón (2019). Um dos
pressupostos que norteiam este trabalho investigativo é o de reconhecer a
potência do prefixo ‘Tupi’, incluido no neologismo Tupinipunk, nessas
discussões contemporâneas inadiáveis, capaz de produzirem as mais diversas
imagens de Brasil. Espera-se, portanto, que essa pesquisa contribua para que
o Tupinipunk seja visto em sua potência conceitual, através de sua capacidade
plástica e criativa, capaz de apresentar estéticas sócio-políticas e culturais de
um "Brasil", o qual chamo de "Brasil-Tupinipunk".

Esta pesquisa discute como as escritoras negras Deisiane Barbosa e Luciany Aparecida fazem uso de manobras estéticas na cena literária contemporânea, por meio de um jogo de escrita performática para construir seus projetos literários. Para tanto, investigo como as produções dessas autoras deslocam as noções de escrita literária e autoria, fazendo uso de uma literatura expandida. Como uma professora-pesquisadora negra, atravessada por essas subjetividades, assumi incorporar como caminho metodológico desse fazer a noção de escrevivência (Evaristo, 2017), através da minha relação com a figura de uma importante parteira do meu território-nação, o Candeal, com a costura de mainha e com a estética das cartas, explorando uma experiência de escrita com viés autobiográfico/autoral pelo qual fui tomada no decorrer deste estudo. Para tanto, estabeleço diálogos com conceitos de performance e tempo espiralar (Martins, 2021), memória (Kilomba, 2019), feminismos negros (hooks, 2020), fabulação crítica (Hartman, 2022), ancestralidade (Santos, 2007). A tese segue alinhavada pela metáfora da costura, dividindo-se em uma carta-prólogo e cinco cartas-moldes, nas quais estabeleço conversa com distintas interlocutoras que me ajudam a refletir sobre lugares de silenciamento a que escritoras negras foram submetidas historicamente, apontando caminhos possíveis de reinvenção coletiva. Como resultado desses atravessamentos, experimento a criação de um livro de artista, impulsionada pela imersão na poética dessas escritoras e de outras vozes-mulheres que nos povoam.

O devir-mulher-negra na poética interseccional da poeta Lívia Natália é o tema central desta tese que apresenta como corpus de análise as obras Correntezas e outros estudos marinhos (2015) e Águas Negras e outras águas (2017). A abordagem bibliográfica e qualitativa possibilitou investigar como, na perspectiva da interseccionalidade, corpo, autodefinição e autorrecuperação aparecem nas obras analisadas. Especificamente, foi realizada a articulação entre os conceitos: interseccionalidade (Crenshaw, 2002; Collins, 2021), autodefinição (Collins, 2019), autorrecuperação (hooks, 2019) e devir-mulher (Deleuze; Guattari 2012), com vistas a construção do conceito poética interseccional. Diante disso, verificou-se a construção da poética interseccional nas obras de Lívia Natália, além de como o devir-mulher-negra figura essa poética. A tese está estruturada em cinco seções, a partir das quais tracejou-se um percurso analítico sobre a dicção poética em estudo. A análise dos poemas permitiu delinear a poética interseccional a partir dos eixos temáticos: memória, afetos, solidão, ancestralidade, enleando as políticas do corpo e o corpo político. Considero a tessitura poética inscrita com e a partir do corpo negro como mecanismo reexistência. Assim, as formas de escrever a experiência reposicionam a análise da poética produzida por mulheres negras. Nesse sentido, a partir das leituras realizadas e o material produzido, concluo que ao in(corpo)rar a matéria poética tessituras de autodefinição, autorrecuperação e corpo, a poeta Lívia Natália produz reflexões não hierarquizadas ou sobrepostas para gênero, raça e classe, promovendo na lírica a poética interseccional.

Durante o regime militar uruguaio (1973-1985), manifestações artísticas enfrentaram censura, exigindo criatividade para burlar os censores. Diablos Verdes, fundada em 1939, é uma murga de tendência esquerdista, fortemente vinculada à luta contra a ditadura uruguaia. A pesquisa tem como corpora os livretos dos espetáculos da Diablos Verdes, especificamente dos anos 1972, 1974, 1977, 1980 e 1985. Os livretos contêm letras das canções, textos encenados e informações técnicas sobre os espetáculos. Este estudo visa realizar uma tradução comentada dos livretos, do espanhol para o português, incluindo notas explicativas sobre personagens, situações e contextos sociopolíticos da época. A metodologia inclui pesquisa bibliográfica, análise dos textos dos livretos e do contexto histórico, e revisão das notícias publicadas pelo jornal El País. A análise é cronológica, focando nas características temáticas e implícitas dos textos que necessitam de notas explicativas. A tradução comentada busca fornecer ao público brasileiro um entendimento contextualizado das críticas e conteúdos apresentados nos espetáculos, preservando as marcas culturais originais. O estudo é relevante devido à falta de pesquisas sobre o gênero murga no Brasil e sua relação com regimes ditatoriais na América Latina, oferecendo novas perspectivas no campo da tradução.

O presente trabalho se dedica ao estudo do romance A Gloriosa Família: o tempo dos flamengos (1999), de autoria do escritor angolano Pepetela. Trata-se da releitura dos sete anos (1641-1648) em que Luanda permaneceu sob dominação holandesa. O foco narrativo é voltado para a família de Baltazar Van Dum, um holandês católico, comerciante de escravos que se envolve em uma série de conflitos para manter sua posição, durante a guerra entre portugueses e holandeses. Toda a trama é narrada pelo escravo pessoal de Baltazar. A problemática da voz narrativa de um escravo sobre o seu dono e os recursos ficcionais utilizados dão testemunho da relação senhor/escravo numa visão dupla. Preenchendo os vazios, convertendo em disfarce o seu silêncio, o escravo é inserido no jogo de poder e de linguagem em que se configuram as identidades coloniais, o que lhe permite se posicionar como o sujeito do discurso no transcorrer da narrativa. Diante disso, pretende-se verificar de que modo o romance se insere no quadro de representação do passado e releitura de fatos históricos, sob o prisma das relações entre Literatura e História e a partir de algumas ideias chave das teorias pós-coloniais. Analisa-se, também, o modo como o romance evidencia as consequências do escravismo sobre os indivíduos. Toma-se como pressuposto a experiência da colonização, o autoquestionamento identitário, os processos de desconstrução e ressignificação de noções arraigadas na cultura ocidental a respeito da literatura, da constituição do sujeito e da identidade. A relevância desse estudo se evidencia no registro dos mecanismos simbólicos de reprodução do racismo que perduram até os dias atuais. A Gloriosa Família é tomada como referencial literário e teórico que possibilita, através da sua representação das sociedades escravagistas e pessoas escravizadas, traçar as questões colocadas pelo estudo das literaturas africanas de modo geral, tomando-o como objeto comparativo para análise das realidades pós-coloniais. Além disso, este estudo pretende atender a Lei 10.639/03, alterada pela Lei 11.645/08, que torna obrigatório o ensino da história e cultura afro-brasileira e africana em todas as escolas, públicas e particulares, do ensino fundamental até o ensino médio e pretende contribuir para a formação de uma geração mais sensível às consequências da escravidão na sociedade brasileira.

Dentre as discussões teóricas contemporâneas no campo da tradução, que levam em conta sua dimensão política e que não a consideram uma atividade de mediação desinteressada e desconectada de ideologias, algumas aventam sobre o papel da tradução no processo de colonização; e reconhecem, em contrapartida, a potência do seu uso na transformação das epistemologias dominantes, que resiste e subverte tal processo. No presente trabalho, procura-se investigar estes eventos por meio da discussão de possibilidades na tradução de Une si longue lettre, da escritora senegalesa Mariama Bâ (1929-1981). A partir da tradução ainda inédita em língua portuguesa da obra de Bâ, discute-se sobre o que move as escolhas para a tradução – as orientações teóricas das quais se serve – e o que se move através delas – o que as tais escolhas podem agenciar na cultura de chegada –, em busca de estratégias tradutórias feministas e decolonialistas; além de serem compartilhadas reflexões sobre o processo tradutório e seus percalços. Em meio à trama de (re)escritura do texto em língua portuguesa, constatou-se que, através da construção de significados no texto traduzido que problematizem as estruturas de autoridade e promovam na cultura de chegada um pensamento divergente daquele estabelecido pela ordem hegemônica, há, sim, a possibilidade de se construir uma tradução ética político-criativa. Esse trabalho pretende contribuir com as áreas da tradução decolonial, feminista e de linguagem inclusiva.

Esta dissertação tem como objetivo analisar a poética oral do samba chula sertanejo do Grupo Pinote, de Serrolândia/BA, tendo em vista os elementos estéticos, discursivos e performáticos nela implicados, a fim de compreender como são articulados os processos de construção das identidades culturais do grupo e sua operação na mobilização de trânsitos e fronteiras nessas identidades. No ínterim desses movimentos, a perspectiva metodológica adotada parte da abordagem qualitativa, sob as vias da Etnopesquisa crítica, com vistas à ótica de Macedo (2010) e Santos (2017), tendo como métodos de construção de dados: observações das apresentações do Grupo Pinote, aplicação de questionários e realização de grupo de discussão. O referencial teórico que embasa a pesquisa ampara-se principalmente em: Brasil (2006), Döring (2016a; 2016b), Exdell (2017; 2018), Vasconcelos (2012), Moreira (2018), Bhabha (1998), Anderson (2008), Halbwachs (2003), Hall (2003), Zumthor (2010, 2014), Glissant (2021), entre outros, para discutir acerca do samba de roda, samba chula, sertões baianos, poéticas orais, identidades culturais e culturas populares. Por meio deste trabalho, procuro problematizar o (não) lugar do samba praticado nos sertões baianos, os quais por diversas frentes foram postos à margem do discurso identitário e musical da Bahia que se direciona marcadamente, e quase que exclusivamente, ao eixo Salvador-Recôncavo e parte do litoral. Envolvo essa proposta teóricocrítica na concepção das sertanidades (VASCONCELOS, 2012), buscando pensar esses sertões e suas múltiplas identidades, geografias e culturas inseridas no jogo intersemiótico articulado às cosmopercepções do semiárido. Assim, tensiono o operador analítico samba sertanejo como proposta teórico-crítica para designar o samba de roda praticado nos sertões, ao invés do termo já cunhado “samba rural” (BRASIL, 2006; DÖRING, 2016b), em cuja estética se difere daquela expressa no Recôncavo Baiano, por sinal, território também marcado pela ruralidade. Proponho a denominação samba sertanejo como forma de inscrever categoricamente os sertões no discurso identitário e musical do samba na Bahia e de rasurar os essencialismos e estigmas forjados em torno desse território, indo para além da roça, do ignoto, do arcaico, haja vista as transformações ocorridas no semiárido nos últimos tempos. No escopo poético da pesquisa, busco refletir os procedimentos estéticos e estilísticos utilizados nas chulas, na configuração de uma linguagem poética que toma como fulcro a literariedade a serviço de uma construção discursiva insurgente. Nessa perspectiva, conjeturo as identidades dos sambadores do Grupo Pinote como sertanidades moventes, marcadas por elementos adjacentes, embora colocadas nas fronteiras da globalização, convergido e divergindo entre o local e global, em trânsitos múltiplos que corroboram esses “sertões contemporâneos” (MOREIRA, 2018), alocados em outras cenas sociais, políticas culturais e identitárias aos sertões e sertanejos baianos.

O ato de contar uma história carrega em si os ecos de outras histórias já contadas, e, ao
mesmo tempo, é uma redefinição das vozes que trovaram, cantaram, recitaram, encarnaram
ou declamaram estrofes, parágrafos ou paráfrases do que já foi dito há tempos. Por meio do
cinema, da música, da tecnologia, em tantas e diversas formas de arte, os clássicos foram
ressignificados e traduzidos para linguagens modernas atraindo interlocutores variados.
Dentro do universo fantástico da ficção científica de Doctor Who, a tradução de William
Shakespeare esteve presente e é objeto de estudo desta dissertação. Aqui, objetiva-se analisar,
por meio da leitura da teoria desconstrutivista e pós-estruturalista de Jacques Derrida e Linda
Hutcheon, a tradução e adaptação da biografia e da obra shakespeariana em dois episódios da
série. Através dessa visão, é possível demonstrar que o clássico sobrevive através dos
múltiplos recontares ao ser suplementado por visões, técnicas e vozes.

Esta dissertação tem como tema o agenciamento no romance jamaicano de Marlon James
(2017a), Breve história de sete assassinatos. A narrativa que compõe o corpus desta
pesquisa é ambientada em uma Jamaica recém-independente e tem como ponto de partida
a tentativa de assassinato que Bob Marley e seus familiares sofreram na noite de 3 de
dezembro de 1976. A partir deste episódio, Marlon James recorre aos seus narradores
para reescrever a história política e o desenvolvimento social de seu país. Nesse período,
do mesmo modo, Bob Marley assume-se como um agente político e revolucionário em
sua ilha, tudo isso devido ao clima de tensão que se instaurou na Jamaica por conta das
eleições parlamentares desse mesmo ano. Assim sendo, esta dissertação analisa as
pessoas que compõem a narrativa jaminiana, bem como os efeitos produzidos por James
(2017a) ao agenciar seu personagem principal, o cantor Bob Marley. Com o apoio de
teóricos como Deleuze e Guattari (1995; 2017a; 2017b) e Florentina Souza (2015) foi
possível perceber que o autor agencia suas dezenas de narradores, de diversos pontos
sociais, para reescrever a história social e política da ilha, e, da mesma forma, ele explora
uma versão pouco conhecida no mundo afora sobre o astro do reggae. Por conseguinte,
com o apoio de Rabelo (2006), White (2012) e Bezerra (2012), foi possível perceber os
modos de vida que ajudaram o intérprete Bob Marley a assumir sua posição de agente
político na Jamaica, como o movimento político e religioso rastafári e o som-manifesto
do reggae music. Ainda, com o apoio de teóricos como Stone (1977) e Marley e Jones
(2020), discute-se os conflitos sociais propagados pelas duas principais legendas que
estavam no pleito para a disputa parlamentar na ilha caribenha: o Partido Nacional
Popular (PNP), de espectro esquerda, e o Partido trabalhista Jamaicano (PTJ), de espectro
direita. Ambas as legendas, durante a corrida eleitoral, incentivaram e patrocinaram o
terror que deixou a marca de dezenas de mortos na ilha. Nesse quadro de guerra, insere-
se o Bob Marley de Marlon James para cantar a liberdade de seu povo e tentar unir sua
nação.

A presente pesquisa se dedica a analisar as canções do rapper Rico Dalasam. Por meio de um percurso historiográfico do rap brasileiro, impulsionamos reflexões sobre as relações entre este, a cultura brasileira, as masculinidades e as outras vozes que o habitam na contemporaneidade. Como integrante do movimento hip-hop, o gênero surge racial e socialmente marcado (TEPERMAN, 2015) e ganhou notoriedade no Brasil nos anos 1990 como parte da contracultura negra com impactos culturais remarcáveis (OLIVEIRA, 2015; 2020). Ainda, encontram-se críticas ao ritmo vindas de quem é hostilizado dentro dele (LI, 2019; SANTOS, 2016). Dessa forma, investigamos Rico Dalasam, rapper gay, que é reconhecido como expoente LGBTQIAPN+ do ritmo em questão e nos dedicamos a observar as outras tensões que ele traz para o cenário do rap na contemporaneidade, por consequência para o movimento hip-hop, por entendermos que pessoas da comunidade  LGBTQIAPN+ têm trazido gestos em diferença na gestão crítica das arenas de batalha que são tão comuns à sociabilidade negra, como é o rap (AZEVEDO; SILVA, 1999; SOUZA, 2011). Mapeamos, na poética de Dalasam, quatro grandes gestos que entendemos fazerem parte do que ele produziu até então: as alianças, em que articulamos sua relação com outras pessoas, citadas em suas músicas ou colaborações musicais; o corpo, em que investigamos suas performances; o wakabake, em que seu flow é analisado enquanto constituinte de uma estética que está para além do sentido das palavras; e o amor, em que observamos as maneiras através das quais o rapper fala da temática ao longo de suas produções.

Este trabalho desenvolve-se no campo da Filologia em diálogo com outras áreas do conhecimento, com o propósito de estudar a dramaturgia de Chico Ribeiro Neto. A partir da massa documental que compõe o Acervo Chico Ribeiro Neto (ACRN), que integra o Arquivo Textos Teatrais Censurados (ATTC), apresentamos a tradição textual dos três textos de teatro que formam tal acervo, Branca de Neve e os setes anões, Prova Final e “Em Tempo” no palco, examinando os processos de transmissão e circulação de tais textos no âmbito da Censura. Foram desenvolvidas edições fac-similares dos testemunhos dos três textos, sendo proposta uma edição interpretativa em meio digital apenas para “Em Tempo” no palco. Foi realizado um estudo crítico-filológico do mesmo texto, com foco nas relações intertextuais apresentadas no texto dramático em comparação com matérias do jornal Em Tempo, que foram base para sua escrita, através do confronto sinóptico entre o texto dramático e o jornalístico. Buscamos situar, no tempo e espaço, o referido veículo da imprensa, considerando os conteúdos e a natureza da ideologia propagada em suas páginas, para trazer os contextos social, histórico cultural de produção, transmissão e recepção do texto da peça teatral, pondo em destaque o trabalho do dramaturgo ao selecionar trechos das edições do referido periódico para compor seu texto, lendo, em perspectiva filológica, na trama do tecido textual, o momento vivido pela sociedade daquela época no período da ditadura militar. Os cortes presentes no texto teatral também serão analisados, a partir das justificativas dos pareceristas e dos estudos sobre censura de imprensa e censura de diversões públicas. Deste modo, os textos serão tomados enquanto testemunhos do período histórico no qual se inscreve.

Esta dissertação tem por objetivo examinar as enunciações poéticas de mulheres negras
constantes nas obras um corpo negro, de Lubi Prates, e na antologia Tinta: poetas
afrodescendientes enquanto elaboração subjetiva do corpo afrodiaspórico como território
enunciativo que ergue uma cartografia de presenças no Atlântico Negro. Para tanto,
realizo esse estudo a partir de três categorias de análise, que servem de tópos para a
sedimentação desse território rizomático, quais sejam, 1) Travessia afro-atlântica e sua
extensão pelo território latino-americano, com especial atenção para Brasil e Uruguai, de
onde se enunciam, respectivamente, as obras antes mencionadas; 2) Amefricanidade,
categoria político-cultural cunhada por Lélia Gonzáles (2020), verificável nesse corpus
poético feminino enquanto produção subjetiva do corpo que se configura como identidade
rizoma nos termos de É. Glissant (2005); 3) Escrevivência, como operador teórico de
agência coletiva de vozes (SOUZA, 2018) e locus criativo de imaginação de presenças
forjada desde a enunciação literária de mulheres negras, segundo Conceição Evaristo
(2017a). Desta forma, contempla-se em tais poéticas negras femininas um corpo
enunciativo que provoca tensões e fissuras às fronteiras modernas das nações a partir da
irrupção enunciativa que põe em cheque a raiz única de matriz colonial como estruturante
destes territórios nacionais, recuperando memória, história e ancestralidade desde as
presenças contemporâneas recompostas pelo corpo-letra (EVARISTO, 2017b) inscrito
desde prefácios amefricanos ao Atlântico Negro.

Afinal, o que é literatura? Quais resultados teríamos se as práticas de leitura literária promovidas nas Escolas do Campo tivessem como centralidade o aluno e não o autor do texto? Estes foram questionamentos que nortearam a presente pesquisa, cujo objetivo é refletir sobre o lugar da oralidade na literatura – até aqui, muito presa à escritura e outras questões que envolvem marcadores como gênero e classe – e o letramento literário na Escola do Campo. O incentivo à leitura e à escrita é uma questão emergente nas escolas, sobretudo as públicas. Contudo, é perceptível a falta de motivação e engajamento, por parte dos alunos do campo, quando a proposta da aula é a leitura de livros. É bastante evidente também a dificuldade que a maioria sente quando está diante de determinados textos literários, pois parece um tanto complexo para um leitor que ainda está iniciando seu processo de formação, enquanto leitor de textos literários, compreender uma realidade e uma linguagem que, em momento algum, dialoga com a sua. Diante disso, o trabalho com a literatura oral nos anos finais do Ensino Fundamental comparece como uma proposta exitosa, sobretudo na etapa inicial e de consolidação da formação literária dos estudantes, que exige, nos momentos da leitura, um trabalho de mediação e a oferta de textos que sejam capazes de “seduzir” e encantar leitores que ainda estão em processo de construção. Entendendo que, para haver verdadeiramente a promoção do letramento literário, são necessárias ações que vão muito além do simples acesso ao livro, a literatura de cordel, com a força que há na oralidade e o movimento do corporal impulsionado pelo ritmo da métrica, mostra-se uma importante aliada ao estimular esse processo encantatório que perpassa também pela identidade e identificação com o que está sendo lido. Pois, analisando a poesia de cordel, distante dessa visão reducionista e dos estigmas que permeiam a literatura popular, é possível perceber o quão rica é essa poesia que possui voz, corpo e movimento. Assim, o presente trabalho se propõe a refletir sobre a literatura e o processo de formação literária dos estudantes da Escola do Campo a partir da literatura de cordel, compreendendo-a como um caminho profícuo para a formação destes sujeitos-inacabados. A pesquisa situou-se teoricamente no âmbito dos Estudos Literários e de Letramentos, para tanto, utiliza-se o aparato de Eagleton (2006), Durão e Cechinel (2022), Candido (2011), Cruz (2012), Cosson (2019, 2020) e Colomer (2007); assim como da literatura de cordel, a partir da concepção de Cascudo (2006), Abreu (1999), Zumthor (2018), Haurélio (2013), Marinho e Pinheiro (2012), dentre outros.

Carolina Maria de Jesus foi uma escritora negra brasileira que expressou seu projeto intelectual
principalmente pela literatura, o que justifica sua relevância para a literatura nacional. O que o
texto delimita como projeto intelectual de Carolina Maria de Jesus é o discurso esteticamente
engendrado de uma pensadora brasileira. Tecendo uma escrita literária multiforme e
atravessada pelas experimentações poéticas de origem popular e erudita, a pensadora constitui
um estilo marcado pela dicção lírica e moralizante, estruturada em defesa de uma classe
subalternizada, ao mesmo tempo que organiza uma concepção de mundo e de Brasil. A
dispersão da sua obra e a intermitência de sua recepção interferem, ainda hoje, no
reconhecimento de um sistema robusto de ideias sobre a maneira como o Brasil deveria ser
organizado, elegendo o trabalho, a terra e a educação como trilha para adentrar seu pensamento
poético. A construção do projeto intelectual da escritora, as formas literárias que esse projeto
assume, suas temáticas principais e as contribuições da pensadora, como figura pública, no
debate cultural brasileiro, revelam o projeto de país de uma intelectual escrevivente dedicada a
compreender e contribuir com a realidade brasileira.

A comunidade surda tem manifestado sua cultura e sua língua por meio de produções literárias de maneira poética. Desta forma, as produções de autoras negras interseccionam aspectos relacionados a raça e gênero, campos que afetam a vivência das mulheres. A presente dissertação buscou explorar como o texto poético em uma língua de modalidade visual-espacial traz a visualidade de uma estética construída na plasticidade de uma língua sinalizada, tendo o corpo do autor como suporte para a tessitura e quais aspectos esses textos abarcam. O problema de pesquisa que acompanhou o desenvolvimento da investigação foi: quais elementos estéticos compõem a poética sinalizada? O que dizem esses poemas e de que modo? A partir desses questionamentos, o objetivo é perceber os aspectos presentes nos poemas sinalizados de autoria de Yanna Porcino. A metodologia utilizada para o desenvolvimento da pesquisa consistiu em uma análise descritiva, considerando os elementos estéticos descritos por Sutton-Spence (2021), a temática e os aspectos performáticos nos poemas sinalizados. Foram analisados três poemas de Yanna Porcino: "Quem cuida" (Porcino, 2020), "Ingenuidade" (Porcino, 2021) e "Eu sou diferente" (Porcino, 2021). As reflexões se dão em diálogo com as teorias de Stuart Hall (2003, 2006) que nos permitem compreender alguns aspectos sobre a cultura; Carlos Skliar (2005), que aborda a surdez sob uma perspectiva cultural e sociológica. Também nos orientamos pelas pesquisas de alguns teóricos sobre os estudos linguísticos da Língua de Sinais, como os de Lucinda Ferreira Brito (2010), e Ronice Quadros e Lodenir Karnopp (2007). Ademais, consideramos em nossas análises os estudos surdos marcados pelas posições de Strobel (2008) sobre a cultura surda e as pesquisas em torno da literatura surda apresentadas por Lodenir Karnopp (2006, 2008, 2010), Marta Morgado (2011), Cláudio Mourão (2011, 2016) e Sutton-Spence (2005, 2006, 2021). Como resultado, concluimos que os poemas analisados têm mobilizado os aspectos performáticos e estéticos da poética visual em Língua Brasileira de Sinais, operando nos territórios literários da coletividade, escrevendo vivências e denunciando opressões.

Essa dissertação é uma contribuição interdisciplinar para os Estudos da Tradução, com interesses específicos na promoção de um pensamento anticolonial para a tradução. Isso ocorre em diálogo com os estudos de gênero e raça e através da tradução Sul-Sul de textos de Alejandra Sardá, Lohana Berkins, Mauro Cabral e Yuderkys Espinosa Miñoso – pessoas autoras da América Latina e Caribe, que compartilham seu saber acadêmico e ativista sobre gênero, raça, corporalidade e colonialidade. Essas traduções foram realizadas pensando nesses textos e na própria tradução decolonial como ferramentas de ruptura para o campo, por isso essas discussões foram sustentadas com textos de Claudia Lima, Lawrence Venuti, Luise Von Flotow, Silene Moreno e Paulo Oliveira. Já para discutir decolonialidade, Oyèrónkẹ́Oyěwùmí, Chandra Mohanty, Aníbal Quijano, María Lugones, Walter Mignolo e Françoise Vergès foram importantes referências. O objetivo dessa união de conhecimentos é fazer emergir outro sujeito, não mais universal, no pensamento e prática da tradução e reflorestar nossa percepção sobre língua e cultura.

O Grande Gatsby (2013), filme produzido, co-roteirizado e realizado pelo diretor australiano Baz Luhrmann, é uma adaptação cinematográfica do romance do mesmo nome escrito por Francis Scott Key Fitzgerald (1896-1940), publicado em 1925. Ambientados no período conhecido como “Os Loucos Anos 20”, o romance e o filme retratam a falta de valores da sociedade norte-americana da época, adepta do consumismo material e do álcool. Foi objeto da presente pesquisa o estudo do processo de criação da cena da Grande Festa do filme utilizando o referencial teórico-metodológico da Crítica Genética, a partir de um dossiê digital constituído por documentos de processo colhidos por este pesquisador. Também os estudos da Intermidialidade, Tradução e Tecnologias Assistivas foram áreas úteis para as reflexões propostas nesta dissertação, que culminou com a criação de um roteiro radiofônico.

Esta dissertação tem como objetivo discutir a adaptação literária para o audiovisual como uma das maneiras de se traduzir uma obra, em especial a partir do processo de tradução intersemiótica. Os contos O Olho Torto de Alexandre e A Morte de Alexandre, de Graciliano Ramos, traduzidos (e adaptados) para o telefilme Alexandre e Outros heróis [Rede Globo, 2013], roteirizado por Luis Alberto de Abreu e Luiz Fernando Carvalho, serão objetos de análise dessa discussão, que será executada a partir da observação da cena ‘Alexandre passa mal’ – (33min18s - 40min16s). Serão utilizadas para estabelecer esta análise abordagens que consideram a adaptação literária para o audiovisual como uma das maneiras de se traduzir e reler uma obra; que refletem o funcionamento da narrativa e linguagem televisual; e que ressaltam a importância do roteiro como um dos processos que uma adaptação literária passa ao se constituir como uma nova obra. Para isso, a argumentação teórica parte da leitura de Roman Jakobson (1975), Julio Plaza (2003), C. S. Peirce (1974; 1977), André Lefévère (1975; 2007), Iuri Lótman (1996; 1998), Linda Hutcheon (2013) e Robert Stam (2006), no que se refere aos estudos da tradução e da adaptação; da fortuna crítica de Roland Barthes (2011), Walter Benjamin (1987; 2000) e Tzvetan Todorov (2011; 2013), bem como de Arlindo Machado (2000), Ana Maria Balogh (2002), Umberto Eco (1994) e Renata Pallottini (1998), nas questões referentes ao funcionamento da linguagem e da narrativa televisual; e de Syd Field (1979) e Doc Comparato (1993), no que diz respeito à importância do roteiro para adaptação de uma obra.

A presente tese explora o uso da experiência vivida como instrumento de construção e organização de diferentes tipos de discurso, desde o artístico até o acadêmico, na contemporaneidade. O fenômeno observado é amplo e forte, não se restringindo apenas ao universo da representação e das reflexões teóricas, mas atingindo também os discursos que sustentam a vida social e cotidiana dos indivíduos. Acredita-se que há uma relação entre a força desse fenômeno e as inúmeras crises pelas quais o mundo contemporâneo passa, principalmente as crises dos sistemas peritos, que organizavam a vida dos indivíduos e os processos de entendimento do mundo. A crise epistemológica, que faz parte dessa crise de peritos, aparece, nessa leitura, como elemento fundamental para o uso da experiência vivida como forma de conhecer e dar sentido às coisas. A configuração da produção contemporânea se dá a partir de um diálogo direto com as urgências do nosso tempo, assim como a ficção mais tradicional foi fruto de uma determinada configuração histórica e social. O trabalho realizado nesta tese é resultado de um diálogo entre diferentes obras e elaborações discursivas e os trabalhos de teóricos e acadêmicos de diversas áreas do conhecimento, que pensam principalmente sobre organização social, a relação entre as estruturas sociais e a produção artística e teórica, além de questões identitárias. Conclui-se, a partir deste estudo, que o uso da experiência vivida como instrumento de construção e organização de diferentes tipos de discurso é uma resposta às crises profundas e abundantes que atravessam nossa vida e nossos afetos. Este fenômeno não deixa de considerar as questões de plataformização da vida e os interesses midiáticos, mas para além das questões tecnológicas, performáticas e de espetacularização do 'eu', a experiência aparece como uma forma aparentemente não mediada de conhecer e dar sentido às coisas, trazendo, portanto, elementos de autenticidade, legitimidade e ética.

A Tradução Negra, enquanto componente pertencente ao campo dos Estudos de Tradução, apresenta-se como um mecanismo teórico e metodológico para o desenvolvimento de projetos tradutórios afrocentrados cuja finalidade maior é a construção de um diálogo igualitário entre os textos produzidos e traduzidos a partir de produções africanas e afrodiaspóricas. Partindo desse princípio, o desenvolvimento e a aplicação de um projeto de tradução afrocentrada, esta pesquisa teve como objetivo geral fazer a tradução literária da peça Death and The King’s Horseman, do escritor nigeriano Wole Soyinka, escrita em inglês e iorubá, para o português brasileiro. Para o desenvolvimento desta produção, foi feito a maturação de um projeto de tradução afrocentrada que concentrou-se, maiormente, em revisitar o conceito de Tradução de Encruzilhada, cunhado pela pesquisadora e tradutora Luciana Reis (2016) e, mais trade, revisto pela pesquisadora Feva Omo Iyanu (2018), buscando acrescer outros elementos que encorpassem a potência teórica e metodológica dessa ferramenta tradutória. Nesse sentido, o conceito foi encorpado a partir de sua reelaboração, levando em conta os seguintes fatores teóricos e metodológicos: i pensar a tradução doravante a perspectiva de ancestralidade; ii reestabelecer a questão do tempo e das temporalidades no processo tradutório, tomando como ponto de partida as encruzilhadas e as manifestações religiosas afro-brasileiras; iii e, por fim, discorrer sobre o ritual enquanto ferramenta tradutória que compõe a perspectiva de Tradução de Encruzilhada, ponderando sobre o processo de tradução negra como práxis tradutória assentada no corpo. Assim sendo, para a primeira parte, centrada na reconstrução historiográfica dos terreiros de candomblé, a tradição, a memória e a história africana e afrodiaspórica no Brasil, como também as perspectivas política e filosófica da ancestralidade, o diálogo se estabeleceu, dentre outras e outros intelectuais, a partir de Verger (1981), Reis (2005), Silveira (2005), Luiz Mott (1986), Laura de Mello e Souza (1986), Parés (2018), Moraes (1916), Freitas (1977), Bordieu (1979), Sodré (2017), Kabengele Munanga (2016), Tigana Santos (2019), Maurício Waldman (1998), Hampaté Bâ (2010), Kwasi Wiredu (2010) e Vanda Machado (2013); para a segunda parte, cuja a centralidade estava alicerçada em elaborar sobre o Espaço e o Território, as perspectivas de Tempo Africano e Tempo-imagético-espiralar, as trocas foram feitas a partir de nomes como Santos (2001), Ediho Lokanga (2021), SILVA-REIS (2018), Sodré (2019), Milton Santos (2001), Borges e Caputo (2016), Edson Carneiro (2008), Carrascosa (2016), John Mbiti (1989), Sunday Babalola e Olusegun Alokan (2013), ZorBari-Nwitambu e Sylva Ezema Kalu (2018), Kazeem (2016), Beniste (2010), Juana Elbein (2012) e Martins (2021); já na terceira parte, concentrada no Ritual como Ethos-Negro e os seus desdobramentos para o processo tradutório na Tradução de Encruzilhada, as elaborações foram gestadas a partir de intelectuais como Etim (2019), Fromm (1950), Kyalo (2013), Soyinka (1976), Santos (2012) e Burley (2020). Para além da abertura do campo teórico e metodológico no campo dos Estudos de Tradução, que também está inserido no campo dos Estudos Literários, esta pesquisa resultou na tradução afrocentrada da peça Death and The King’s Horseman, contribuindo, de mesmo modo, para o desenvolvimento de estudos voltados para outras áreas do conhecimento tais como as áreas de Artes Cênicas, História, Sociologia, Linguística, Antropologia, Estudos Étnicos e Religião.

Esta tese promove uma análise das relações entre literatura, memória e tradição oral Bissau-
guineense na obra literária Memórias SOMânticas (2016) do escritor Abdulai Sila, sob a
perspectiva do diálogo entre as três vertentes, tendo em vista o passado colonial e os
consequentes processos de subalternização/resistência das culturas locais. Neste sentido, este
trabalho objetiva mostrar e discutir a Literatura Bissau-guineense a partir da obra Memórias
SOMânticas, compreendendo-a como uma atividade de conhecimento do estudo da arte, tendo
em conta a sua relevância para os estudos literários, culturais e, sobretudo, para o
entendimento da identidade nacional na Guiné-Bissau e no contexto pós-colonial. Para isso,
tratou-se de compreender as relações entre literatura e identidade no campo da teoria pós-
colonial, bem como as relações entre história literária e a cultura do país em estudo, como
também a problematização das relações entre história e ficção no âmbito da literatura Bissau-
guineense e a importância das marcas de oralidade nessa escrita. Também se efetivou uma
abordagem sobre o conceito de bantabá na tradição guineense, destacando-se a relevância do
gênero tanto para as letras quanto para a identidade nacional do país. O método escolhido para
o desenvolvimento da pesquisa foi analítico-descritivo e de cunho bibliográfico,
considerando-se Memórias SOMânticas (2016) como objeto do estudo. Para tanto, o trabalho
apresenta, como base de sustentação, a Teoria e Crítica Pós-Colonial a partir de Freitas (2016)
e Queiroz (2011), sobre a questão da literatura e identidade; Evaristo (2016) e Chiziane
(2013), sobre a literatura, memória e escrevivência; Hall (2003/2006), na revisão da teoria e
crítica pós-coloniais; Mata (2014) e Hamilton (1999), sobre as considerações acerca da
literatura dos Países Africanos de Língua Oficial Portuguesa- PALOP, além das estudiosas do
sistema literário Bissau-guineense, como Augel (2007) e Semedo (2020/2011). Como
resultado, viu-se que o romance apresenta, de diferentes modos, entrecruzamentos entre a
história e a ficção, denunciando os problemas sociais e políticos enfrentados pelos guineenses
em vários momentos de sua história e de seu presente. Nessas denúncias, afirmam-se sentidos
de resistência cultural e afirmação identitária.

Quando o assunto é literatura infantil, tornou-se comum sua associação com questões de aspectos pedagógicos, fato que se deve, em grande parte, à idade dos leitores a quem essa literatura se destina. Entretanto, ao considerar o livro como um produto para o qual é necessária a existência de um profícuo mercado, verificam-se elementos que incidem sobre a formação do leitor literário em sua interação com a escola. Ao compreender a possibilidade de evidenciar circunstâncias promovidas pela ampla relação entre literatura infantil, mercado e ensino, serão analisadas obras destinadas à criança que tenham recebido o Prêmio Jabuti entre os anos de 1980 e 2015. Tomar-se-ão, ainda, os estudos desenvolvidos por Dalcantagnè (2012), Thompson (2013) e Lajolo (2014), entre outros, com o objetivo de voltar um olhar atento a este processo, observando a assertiva de que existe uma forte atuação mercadológica que interfere sensivelmente na formação do leitor promovida por instituições formais de ensino.

Esta tese é resultado de um estudo sobre o Slam das Minas/Ba, formado em sua maioria por mulheres negras, poetas/slammers, que performam na periferia de Salvador. O slam, conhecido como poetar slam, é uma batalha de poesia que nasceu nas periferias dos Estados Unidos e ganhou o mundo, chegando ao Brasil pelas mãos de uma mulher negra, Poeta e Mc, Roberta Estrela D’alva. Ele se difundiu pelas capitais em seu formato de slam misto (homens, mulheres, LGBTQUIAP+). À medida que foi se expandindo, criaram-se modalidades para definir as batalhas, como o slam do corpo (pessoas surdas), Slam da Marginalia (pessoas transexuais e travestis), o Slam das Minas (mulheres cis, lésbicas, trans), entre outras modalidades. O trabalho tem, então, o objetivo de analisar as poesias e as performances de mulheres negras no Slam das Minas/BA, observando seus caminhos de resistência e empoderamento e como essas batalhas se ressignificam como prática educativa, contribuindo para a luta por uma educação libertadora e antirracista. Nessa perspectiva, mergulha-se na origem do slam, até chegar a esse formato, conhecido como Slam das Minas, entendendo as pautas de militância de gênero, contra a misoginia e sexismo, e a inserção de mulheres negras e a luta contra o racismo. Como resultados, percebe-se a construção de um movimento que aproximar do universo ficcional das poesias produzidas por essas mulheres negras de Salvador/BA, abordando suas performances, conhecendo os lugares de memórias e de pertencimento à afrodiáspora. Além disso, são notórias as reverberações que surgem através do slam, refletindo sobre as concepções de uma educação antirracista e pautando na prática de um letramento de re-existências. Assim, conclui-se que o slam pode figurar como prática pedagógica, de uma metodologia insubmissa e transgressora, que reverte o epistemicídio e que pretende reforçar o cumprimento das leis 10.639/2003 e 11.645/2008, fortalecendo as relações étnico-raciais para o ensino. Como fruto dessa pesquisa, cria-se o conceito da Slamgogia, que é a pedagogia do slam nas aulas da área de Linguagens e mais especificamente, nas aulas de Língua Portuguesa. Esse trabalho dialoga com teoria decolonial, com o feminismo negro, memória, letramentos de re-existências, conversando com os/as autores e autoras que abordam esses conceitos que aproximamos de uma prática, que envolve poesia, arte, cultura, provando que a “quebrada” é fonte de conhecimento e de múltiplas aprendizagens.

À revelia das operacionalizações do silenciamento exercidas pelas estratégias de manutenção
do poder hegemônico, insubmissas vozes literárias têm imbricado sentidos de resistência à
escrita que concebem, rompendo domínios impostos para os quais a invisibilidade dos seus
corpos-textos é conduzida. Não raro, estudos de crítica literária, demonstram entender a
escrita como arma ou instrumento de resistência. Este trabalho, contudo, investiga a escrita
enquanto gesto, ato em si do resistir, concatenado a modos do viver. Nesse sentido, análises
de dados biográficos e escritos da vasta produção da escritora e intelectual Carolina Maria de
Jesus são realizadas na busca por tentar compreender como modos de resistência,
circundados pelos alcances, limites e paradoxos dessa mulher negra, concatenam-se com sua
escrita literária. Para tanto, reflete-se sobre o nascedouro de sua escrita (JESUS, 2015), assim
como sobre as escolhas estéticas e discursivas de Carolina Maria de Jesus enquanto sujeit[a]
étnic[a] do discurso (CUTI, 2010), que transitam entre o rebuscamento vocabular e o
pretuguês (GONZALEZ, 2020). Buscando entender quais seriam as perspectivas e os
sentidos de resistência performados na escrita, as discussões dialogam com as concepções de
quilombo, enquanto instituição de resistência (NASCIMENTO, 2006) e do Quilombismo,
enquanto ideologia de resistência (NASCIMENTO, 1985). Percorrer esses caminhos,
conduzidos por escritos de Carolina Maria de Jesus, como uma espécie de cartografia,
fomenta a construção do conceito de escrita de resistência. Uma subversiva dicção que se
delineia na tessitura e na escrita do texto literário, projetando não apenas perspectivas
combativas; que, articulando aspectos estéticos e éticos, traduz de forma pujante a
racionalidade, a desobediência e a reivindicação de direitos, dentre eles o de escrever; e que,
empreendida sobretudo por corpos diaspóricos femininos, nos faz pensar a escrita como
materialidade de existências resistentes.

A proposta deste trabalho é incursionar pela produção dramatúrgica de Antônio Mendes, considerando, especialmente, o texto Contos de senzala para o qual foi feita uma edição interpretativa. Antônio Mendes de Oliveira foi um dramaturgo baiano que abriu caminho para a presença de sujeitos negros na cena do teatro amador durante as décadas de 1970 a 1980, período em que a sociedade vivia sob regime ditatorial e que a atuação da censura estava mais acentuada nas diversões públicas. A relevância de Antônio Mendes para os grupos de teatro amador foi imensurável, no entanto é perceptível o apagamento e silenciamento no que concerne ao mesmo. Neste trabalho, em perspectiva filológica, com ênfase na Crítica Textual, buscou-se editar e estudar os processos de produção, transmissão e circulação da produção dramatúrgica de Mendes, resultando na organização do Acervo Antônio Medes e na edição interpretativa para Contos de senzala, analisado como processo e produto da sócio-história e da cultura baiana. O presente estudo é relevante por contribuir com a divulgação de uma literatura dramática esquecida, que revela a potência de Antônio Mendes como intelectual negro, assim como propõe uma reflexão no que concerne à prática censória e a consequência dela para a produção da dramaturgia amadora baiana.

A narrativa histórica constitui o principal elemento de concretização do labor historiográfico. É por meio do processo de encadeamento de eventos, tornando-os inteligíveis no espaço e no tempo que a pesquisa em história se materializa. Nesse itinerário, a figura do(a) historiador(a) é fundamental, na medida em que exerce a função de intermediador(a) em direção ao passado, projetando sobre o acervo das fontes um diálogo com a historiografia especializada. Seja como ato artesanal (ALBUQUERQUE JUNIOR, 2019), seja como ato fabril (CERTEAU, 2015 [1975]), é possível expandir o labor historiográfico, encarando-o também como uma prática coletiva. Partindo desse cenário e utilizando a produção historiográfica do grupo de pesquisa Escravidão e Invenção da Liberdade da Universidade Federal da Bahia, a proposta do presente
estudo é entender como os gestos de escrita/leituras (MIYASHIRO, 2015; CHARTIER, 1988) impressos nas narrativas produzidas pelos seus integrantes confluem para conformação de uma história social da escravidão. Para esboçar um modus operandi realizado pelo grupo, foram acionadas as reflexões tanto da história quanto da filologia, considerando as afinidades teóricas entre os saberes no desiderato de mediação ao passado (HANSEN; MOREIRA, 2013). Nesse sentido, as discussões em torno de uma prática filológica democrática e inclusiva (SAID, 2007 [1993]), as problematizações derivadas da sociologia dos textos (MCKENZIE, 2018 [1986]) e da perspectiva antifundacionalista da crítica filológica (BORGES; ALMEIDA, 2017) serviram de lastro para repensar a descentralização do texto (incluindo o historiográfico). Tal ambientação possui ressonância com as perspectivas da história cultural (CHARTIER, 1990;
2015, [2007]), pois identifica a dimensão textual como um feixe de relações socioculturais determinado historicamente, resultado de um olhar construtor de sentidos. Do ponto de vista procedimental, foi utilizado como parâmetro inicial as proposições narrativas de João Reis, um dos líderes do mencionado grupo para, nessa extensão, rastrear movimentos textuais de apropriação (CHARTIER, 1998) promovidos pelos demais integrantes. Excertos de livros coletivos e individuais construídos pelo referido grupo de pesquisa foram cotejados, a partir dos balizamentos da crítica textual moderna, de modo a traçar movimentos comunitários sobre a escrita da história. O mapeamento permitiu visualizar uma rede de sociabilidades e um processo de retroalimentação de narrativas difundidas por Reis. A partir da utilização da operação historiográfica (CERTEAU, 2015 [1975]) em viés transversal, foi mensurada a existência de um padrão narrativo, consistente no compartilhamento de estratégias narrativas, referenciais teóricos e tipologias documentais, os quais, em conjunto, contribuem para consolidação da vertente historiografia da escravidão que vem sendo desenvolvida desde os
anos 1980.

Esta dissertação é resultado de um estudo sobre os modos como as trabalhadoras domésticas
são representadas na Literatura Brasileira a partir de um campo de amostragem específico, a
saber, textos das autoras Clarice Lispector e Conceição Evaristo. Investi em leituras
contrastivas dos contos do livro Olhos d’água (2017) e do romance Becos da memória (2017),
de Conceição Evaristo, em contraponto com crônicas selecionadas de Clarice Lispector em A
descoberta do mundo (1973), assim como no romance A Paixão Segundo G.H (2016).
Busquei ler as autoras tempestivamente, compreendendo a distância histórica de cerca de 40
anos entre seus textos, mas também observando, através do livro Eu empregada doméstica: a
senzala moderna é o quartinho de empregada (2019), de Preta Rara, que as representações
subalternizadoras (SPIVAK, 2010; KILOMBA, 2019) que comparecem nos textos de
Lispector permanecem no imaginário e nas práticas de tratamento nas casas do Brasil
contemporâneo, notadamente, no contexto de emergência de uma direita supremacista. A
partir das estruturas de opressão discutidas e atualizadas pela literatura, esta dissertação visa
evidenciar a importância de escritoras negras falarem sobre as empregadas domésticas
(COLLINS, 2019) e outros sujeitos socialmente explorados e invisibilizados, através de uma
posição que torna audível as falas de pessoas subalternizadas rasurando (SOUZA, 2017),
assim, a parte estruturante do cânone representacional da nossa Literatura. Ao investir nas
discussões aqui empreendidas, apresentei alguns elementos do funcionamento daquilo que
compreendo como sendo a engrenagem dessa máquina supremacista e colonial, que se utiliza
de estratégias culturais, políticas e formas de socialização para naturalizar a subalternização
de sujeitos lidos como minoritários, principalmente mulheres negras (CARNEIRO, 2005). A
citada máquina está em prática em diversos objetos de cultura, como a Literatura, e nos
estudos a ela correlatos, produzindo e reproduzindo a constante minoração de sujeitos,
colocando as personagens negras em papéis de invisibilidade, subalternidade e marginalidade.
Neste estudo, a Literatura Negra comparece como via de rasura das imagens de controle
(COLLINS, 2019) que vigoram sobre nossas vidas apontando o racismo estrutural
(ALMEIDA, 2018) como o limite das literaturas ditas hegemônicas.

Mulheres protagonistas e em destaque, donas de seus destinos, com histórias que vão muito além de seus relacionamentos românticos. Assim são as personagens das principais obras da diretora e roteirista Amy Sherman-Palladino, primeira mulher a vencer os prêmios Emmy de Melhor Roteiro em Série de Comédia e Melhor Direção em Série de Comédia em um mesmo ano. No entanto, ao desenvolver uma pesquisa com o objetivo de analisar a representação da mulher em duas de suas obras de ficção seriada, Gilmore Girls (2000-2007) e The Marvelous Mrs. Maisel (2017-presente), identificam-se recortes que não dialogam com a realidade da maioria das mulheres. A partir das teorias literárias, dos Estudos Culturais e das teorias feministas interseccionais, propõe-se uma reflexão sobre como as narrativas de ficção seriada contribuem para a propagação de estereótipos atribuídos a mulheres. Na discussão, são abordados temas como as séries criadas por mulheres e sua relação com a autoria feminina na literatura, bem como de que maneiras é possível relacionar essas teorias com a autoria de Sherman-Palladino. A partir de debates sobre a maternidade e o mundo do trabalho nas séries, a análise se debruça sobre como as identidades das mulheres de Gilmore Girls e The Marvelous Mrs. Maisel caminham junto aos feminismos excludentes. As diferenças entre as duas produções ainda servem de base para uma reflexão sobre como o discurso feminista aparece ou deixa de aparecer nas duas obras.