O presente trabalho tem como objetivo investigar diferentes estratégias musicais criativas em prol de uma experiência imersiva do jogador através da apresentação de conceitos e reflexões sobre a natureza multirreferencial inerente a mídia dos jogos eletrônicos, sob a perspectiva dos campos da Composição Musical, Cognição Incorporada, Game Design e suas possíveis interrelações. A aplicação destes campos teóricos é exemplificada através dos processos criativos de três diferentes obras musicais pertencentes às mídias de cinema, animação e jogos eletrônicos, em nível crescente de complexidade no que se refere a sua instrumentação, duração, escopo (quantidade de segmentos gerados) e referenciais teóricos aplicados. Esta aplicação culmina na composição musical para quinteto de cordas, piano, sintetizador e percussão para a segunda versão (com novos elementos narrativos e interativos) do audio game BREU: Ataque das Sombras, jogo eletrônico com proposta inclusiva constituído exclusivamente por recursos sonoros, podendo ser interagido por jogadores cegos e videntes. Os processos criativos para o game foram guiados pelo seguinte questionamento: “Como a composição musical para um jogo eletrônico sem interface visual pode se articular aos seus diferentes elementos narrativos e interativos e consequentemente gerar uma experiência imersiva para o jogador?”. Dado sua natureza interativa, o processo de criação musical nos jogos eletrônicos pode apresentar particularidades em relação a outras mídias. E, considerando seu potencial imersivo, é importante estabelecer uma discussão sobre possíveis processos criativos a serem adotados e como as intencionalidades do compositor podem influenciar nos mecanismos de ação e percepção do jogador. Por fim, esta articulação multirreferencial permitiu responder ao questionamento proposto através da contextualização, análise e criação musicais e apresentação de metodologias de playtesting acerca de diferentes elementos técnicos e criativos referentes a composição musical no contexto dos jogos digitais, devendo contribuir para o fomento de discussões e o embasamento dos processos composicionais de profissionais interessados em ingressar neste campo.

Este trabalho está contextualizado nos estudos da música e juventude no âmbito do ensino médio da Rede Federal. Percebendo que esta discussão precisa ser ampliada, apresento uma pesquisa enraizada metodologicamente no tipo estado da arte, que busca compreender as relações entre juventudes, música e ensino médio na Rede Federal a partir das comunicações encontradas nos Anais dos Congressos Nacionais da ABEM entre 2009 e 2019. No escopo teórico, são discutidas tensões e aproximações na trajetória da educação musical na educação básica brasileira (RADICETTI, 2010; FONTERRADA, 2008; QUEIROZ, 2014; PEREIRA, 2017), questões conceituais sobre as juventudes, suas identidades e culturas (DAYRELL, 2005; ARROYO, 2014; PAIS 1990; TROIAN; BREITENBACH, 2018), reflexões acerca das juventudes e o ensino médio escolar (TOMAZETTI; SLICKMANN, 2016; DAYRELL; CARRANO, 2014; CARNEIRO, 2020) e discussões mais específicas referentes aos jovens e o ensino de música na RFEPCT (TRAJANO, 2016; AMARAL, 2021). Para análise dos dados, foram adotados procedimentos metodológicos que levantaram todos os trabalhos nos anais dos congressos nacionais da ABEM de 2009 a 2019, utilizando desde filtros mais amplos que buscaram dados sobre a música na educação básica até os mais objetivos para esta pesquisa, que são relativos à música e o ensino médio na RFEPCT. Foram analisados 1.603 trabalhos e, dentre estes, apenas 18 se relacionam com o objetivo maior desta pesquisa. A partir dos artigos localizados, foram realizados agrupamentos temáticos e discussões partindo de aproximações e articulações para sistematização de análise. Pelo levantamento, há poucos estudos sobre a música e as juventudes no ensino médio na Rede Federal, sendo que apenas três dedicaram-se a discutir esta temática especificamente. A partir das leituras e discussões, compreende-se que as práticas pedagógico-musicais apresentadas, no que tange à Rede Federal, têm avançado, em algum grau, no sentido de perceber os saberes musicais dessas juventudes. Entretanto, os contextos e marcadores de vida e sociais desses sujeitos, nas mais diversas dimensões para além dos saberes musicais, não são apontadas com muita ênfase.

“Trombone Criativo: uma proposta pedagógica para o ensino da criatividade musical utilizando o instrumento como ponto de partida” é uma pesquisa que tem como objetivo desenvolver uma metodologia de ensino da criatividade musical para o trombone, tendo este como ponto de partida, podendo ser utilizado em paralelo aos métodos tradicionalmente conhecidos e independente do nível de conhecimento prévio do instrumentista. Esse processo de ensino e aprendizagem, resultou na construção de um material didático em forma de método instrumental. A pesquisa utilizou a metodologia pesquisa-ação de Michel Thiollent e foi aplicada a 5 estudantes de níveis diferenciados no Conservatório de Música da Fundação Carlos Gomes, em Belém do Pará. No âmbito educacional, a aprendizagem do modelo C(L)A(S)P de Keith Swanwick, o estudo das claves na visão de Letieres Leite e Jose Izquierdo e as perspectivas inovadoras de educação musical de David J. Elliott se unem à pedagogia do trombone como fundamentação teórica. Ao final, é apresentada a proposta pedagógica de nome “Trombone Criativo”. A pesquisa resultou na compilação de textos sobre: desenvolvimento da criatividade; improvisação e os fatores que contribuem para que a maioria dos trombonistas não tenham habilidade quando precisam ser criativos ou improvisar e analisou os resultados práticos dos participantes após a aplicação da metodologia ora apresentada.

Carnavais são diversos onde acontecem e essa diversidade é expressa pelos grupamentos que os organizam de formas variadas pelas ruas das cidades brasileiras, guiadas por fatores sociais, econômicos, políticos e filosóficos particulares a cada um dos lugares onde ocorrem. O presente trabalho busca contribuir para as reflexões sobre esta festa representativa do imaginário de identificações brasileiras através do estudo sobre o carnaval realizado no bairro do Nordeste de Amaralina, bairro da cidade de Salvador, estado da Bahia, Brasil. A festa ocorre geralmente no mês de fevereiro e o recorte temporal desse trabalho se estende desde a década de 1950, época em que o bairro conheceu um aumento populacional significativo até os dias atuais, quando os festejos carnavalescos do bairro assumem outras feições com a presença de mini-trios elétricos e a onipresença dos desejos organizacionais, estéticos e sonoros das/os moradoras/ores desse bairro popular localizado na Orla Marítima soteropolitana. A pesquisa foi construída sustentada em metodologias características das pesquisas qualitativas, utilizando entrevistas, conversas informais, fotografias e vídeos colhidas durante pesquisa de campo e entrevistas e artigos coletados em diversos veículos de comunicação, principalmente o portal de notícias do bairro o Nordesteusou, hospedado em uma página virtual. Além de outros canais digitais, tais como redes sociais, blogs e redes de compartilhamento de vídeos e fotografias, o que demonstra a importância do ambiente virtual para esta composição, foram consultados arquivos virtuais, importantes no momento em que os trabalhos de consulta em arquivos de maneira presencial foram interrompidos pelo decreto de pandemia de vírus corona, e após a retomada gradual e consequente reabertura desses espaços nos arquivos físicos de algumas instituições. A tese busca compreender o que torna esse carnaval de bairro singular e como nele estão espelhadas invisibilidades históricas do bairro e de suas questões estruturais e de seus carnavais e sonoridades frente aos dos outros lugares de festa na cidade. O trabalho se baseará cinco eixos discursivos: uma breve análise da história da constituição do bairro e da construção de seu carnaval; uma análise das motivações e bases de sustentação de carnavais, principalmente dos carnavais realizados em Salvador, com elementos comparativos com outros desses eventos em outras cidades e países; a importância sonora do samba para a transformação do carnaval do Nordeste de Amaralina em um território sonoro e icônico, onde são performados discursos geracionais, de gênero e de raça; uma discussão sobre o trabalho das mulheres no carnaval do bairro e suas conexões com a luta por nossos direitos e de outras minorias políticas; e finalmente uma reflexão sobre como a administração pública se apresenta para parceria na organização dos festejos após sua oficialização em 2016.

Proponho, nesta pesquisa, investigar como a música pode contribuir na formação identitária dos/as jovens protagonistas da Orquestra Santo Antônio (OSA), Projeto Social criado e desenvolvido na periferia da cidade de Conceição do Coité, semiárido baiano, discutindo a relação dos projetos sociais que têm a arte-educação como foco. Tenho como objetivo principal analisar o processo musical, social e político desenvolvido no referido projeto, problematizando as questões que envolvem ações na busca de desenvolver o sentimento de cidadania, sociabilidade e autoestima de crianças e jovens de famílias de baixa renda, moradores em contextos urbanos periféricos e a relação desses projetos com a violência urbana que tem crescido nas grandes e também nas pequenas cidades. Trago as vozes dos/as musicistas baianos/as, nordestinos/as e brasileiros/as da OSA que, por meio de uma performance corporificada, irrompem o cenário brasileiro da música de concerto, revelando criatividade e autonomia. Apresento a construção musical do repertório periférico da OSA a fim de contribuir para a afirmação de sua identidade sonora heterogênea e situada numa territorialidade que retrata a cor do semiárido baiano, mas com as matizes contemporâneas das sonoridades da atual música popular brasileira. Destaco o empoderamento das mulheres da OSA em um cenário de silêncio e invisibilidade feminina no contexto da música orquestral. A pesquisa tem como esteio teórico principal a etnomusicologia, baseando-se também nas teorias de gênero, nas epistemologias feministas pós-colonias e nas discussões teóricas sobre identidade, territorialidade e performance musical. Utilizei como metodologia a observação sistemática e a entrevista semiestruturada, buscando problematizar as práticas musicais adotadas à luz de uma perspectiva social e de culturas paralelas, distintas, e socialmente complementares. Faço ainda uma análise teórico metodológica integrando a Sociolinguística e a Teoria Gerativa com a Etnomusicologia.

Este trabalho tem como objetivo investigar os processos composicionais relacionados à escrita de música vocal, sobretudo do ponto de vista da utilização dos fonemas como recurso protagonista para o desenvolvimento de processos composicionais das obras de compositores que foram integrantes do Coro Madrigal da UFBA. O uso de recursos fonéticos e fonológicos, induzidos pelos avanços dos estudos relacionados à Linguística, serviram de ferramentas por parte de compositores, obtendo um grande despontar em meados do século XX em todo o mundo. A Escola de Música da UFBA esteve inserida nesse contexto criativo através de seus compositores e de seu Madrigal, cuja competência interpretativa fomentou uma significativa quantidade de obras para voz. No entanto, o processo de escolha dos fonemas enquanto determinante composicional não vem sendo devidamente contemplado por conta da quantidade insatisfatória da produção de estudos acerca do tema. Este trabalho, portanto, almeja dar a sua contribuição para que possamos começar a sanar essa lacuna nos estudos de música vocal.

A seguinte pesquisa tem como objetivo observar e definir os diferentes tipos de improvisação e os graus de liberdade, relacionados à indeterminação e aleatoriedade, propostos pelo compositor ao intérprete em obras de vanguarda do século XX. Considerando algumas dificuldades e falta de familiaridade, apresentadas por uma parte considerável de instrumentistas de música de concerto ao lidarem com obras que exijam o uso da improvisação, a pesquisa busca mapear os níveis de liberdade e controle para averiguar quais métodos facilitadores podem melhor orientar o intérprete. O trabalho também procura explicar quais vivências levam o músico popular a apresentar maior destreza nessa prática, mediante estratégias compositivas. E como proposta composicional, este trabalho contará com uma obra composta a partir de um jogo envolvendo o controle e a liberdade, acompanhado de um memorial analítico como produto final.

O presente trabalho trata de uma pesquisa no âmbito da Educação Musical, com um recorte específico na iniciação infantil da clarineta com crianças de 4 anos de idade. O objetivo foi propor parâmetros e critérios que auxiliassem no desenvolvimento de um chalumeau soprano, específico para a faixa etária escolhida, confeccionado por meio de manufatura aditiva. A pesquisa se justificou pela importância da música na formação educacional de crianças, assim como, nas contribuições que os instrumentos de sopros podem trazer para o desenvolvimento da motricidade orofacial infantil. O fato também, de já existirem chalumeaux voltados para a iniciação, porém nenhum deles, se tratar de um chalumeau soprano, também compôs a justificativa desta tese. A revisão de literatura se ateve principalmente a aspectos históricos do chalumeau, em que se encontrou fontes e autores significativos tais como Hoeprich (2008), Galpin (1937), Rice (1977), Baines (1960) e Karp (1986), que consideram que os primeiros chalumeaux datam de milhares de anos no Oriente Médio, estando presente na Grécia, Egito e Império Romano. O instrumento se consolida na Europa durante o período barroco e, atualmente, as técnicas de luteria permitem sua produção para serem utilizados nos mais variados contextos como, performances históricas, agrupamentos modernos, amadores ou na educação musical. Posteriormente, buscou-se conhecer mais sobre a utilização do chalumeau em contextos de iniciação infantil. Por sua vez, a fundamentação teórica deste trabalho está calcada na conjugação das teorias do Design Centrado no Usuário (DCU) da acústica musical, da ergonomia e da manufatura aditiva. A metodologia adotada nesta pesquisa foi de âmbito qualitativo, dividida em quatro etapas seguindo as premissas do DCU. As referidas etapas consistiram em: 1) especificação do contexto de uso, 2) especificação dos requisitos do produto, 3) produção de possíveis soluções por meio de modelos testáveis e 4) avaliação de viabilidade. Partindo dessas etapas foi possível avaliar as experiências vividas ao longo do processo e observar considerações em cada uma das fases. Como resultados, apresentam-se parâmetros e critérios que possibilitam a confecção de um chalumeau soprano infantil impresso em 3D. A elaboração e produção do instrumento por manufatura aditiva, ao serem incorporadas ao processo de aprendizagem, pode gerar experiências, que, além de serem acusticamente corretas, são também ergonomicamente e cognitivamente funcionais, assim como são engajadoras e atrativas. Sendo assim, a principal consideração desta pesquisa foi que, por meio do DCU e da manufatura aditiva, alunos e professores não estão mais passivos no desenvolvimento de instrumentos musicais infantis e poderão, com a adoção destas técnicas, fazer parte de todas as etapas de construção e da modificação destes instrumentos. Além disso, mostram-se possíveis, caminhos para o desenvolvimento de uma aprendizagem autoral por parte de alunos, cujo processo de construção do instrumento pode ser incluído como recurso de aprendizagem.

Nas Igrejas Batistas do Cariri, relacionam-se fé e música nas atividades mais formais, relacionadas aos cultos, e nas demais atividades do cotidiano comunitário. Nesse contexto, podem ser mantidos corais regidos por pessoas, cuja formação e atuação musical se dá principalmente nessas igrejas. A pesquisa de que decorre esta tese teve como objetivo geral estudar o protagonismo musical dos regentes e das regentes de corais de Igrejas Batistas no Cariri cearense, a partir da experiência de vida musical e religiosa de regentes que atuam nessa região geograficamente ao centro do nordeste brasileiro. Os objetivos específicos da pesquisa foram refletir a respeito da minha trajetória como regente de corais em Igrejas Batistas do Cariri; conhecer o contexto musical e religioso da regência de corais e das Igrejas Batistas do Cariri; e, por fim, dialogar com os regentes e com as regentes de Igrejas Batistas do Cariri a respeito de sua formação e de sua atuação como regentes. As metodologias adotadas para pesquisa são a autoetnografia (BENETTI, 2017; VERGUEIRO, 2016; SANTOS, 2017) e a etnografia da Música (SEEGER, 2008). Foi adotada na pesquisa a ideia de protagonismo musical (ROSA; NOGUEIRA, 2015; CARDOSO, 2012; LAGO, 2018). Os estudos de gênero em música (BUTLER, 2003; OYĚWÙMÍ, 2004; ROSA, 2010; ROSA et ali, 2013; CUSICK, 1994), o conceito de saber localizado (HARAWAY, 1995), lugar de fala (RIBEIRO, 2019) e interseccionalidade (AKOTIRENE, 2019; COLLINS; BILGE, 2020) foram escolhidos como bases epistêmicas fundamentais nas análises e discussões levantadas nesta tese. A pesquisa está no âmbito da Etnomusicologia, da Regência Coral e da Teologia Protestante e Batista (WEBER, 2004; AZEVEDO, 2004; LAGO, 2018; VIEIRA, 2019). A pesquisa lidou com práticas musicais presentes nas Igrejas Batistas do Cariri cearense, com reflexões que aprofundam algumas discussões relacionadas a identidade religiosa, formação como regente, reconhecimento, profissionalização, relacionamento com a liderança e atuação das mulheres regentes. A pesquisa contempla a atuação dos regentes e das regentes de corais, abordando saberes construídos na música e na religiosidade das interlocutoras e dos interlocutores da pesquisa. As discussões levantadas na pesquisa apontam para uma diversidade significativa de trajetórias de formação e de atuação de regentes, que se relacionam com as particularidades religiosas e sociais das Igrejas Batistas do Cariri e das atuações individuais. Foi discutida uma variedade tensões entre polos, tais como o institucional e o comunitário, o tradicional e o moderno, o artístico e o social, a atuação profissional e a voluntária/ministerial do regente e da regente de coral na igreja. Por fim, uma crítica ao fundamentalismo religioso é postulada a partir de uma aproximação das Teologias Contemporâneas, à luz do saber localizado (HARAWAY, 1995) e da interseccionalidade (AKOTIRENE, 2019; COLLINS; BILGE, 2020). 

Essa pesquisa tem como objetivo investigar possíveis processos de ressignificação e invisibilização de práticas musicais de samba de roda na comunidade rural do Benfica, em Santo Antônio de Jesus – BA – município localizado ao sul do Recôncavo. Busco compreender como a padronização de ideais de civilização impostas pelo poder local, a partir de leis e códigos de posturas, urbanização e modernização afetaram as práticas culturais do município, neste caso específico, o samba de roda. Ao fazer um levantamento bibliográfico de trabalhos realizados sobre Santo Antônio de Jesus, não foi encontrado nenhum registro a respeito do samba de roda, exceto pelos trabalhos das historiadoras, Maitê Rangel (2010) e Liliane Lima (2013), que, nas suas pesquisas, observaram uma forte ligação entre os processos de urbanização e modernização com os silenciamentos e transformações das práticas culturais da cidade, abordagens que contribuíram para a definição do objetivo central desta pesquisa. Outro aspecto preponderante é relacionar tais fatores apontados acima pelas autoras com a ausência do município no Dossiê do Samba de Roda do Recôncavo Baiano produzido pelo IPHAN, sendo que as pesquisas e levantamentos de grupos de samba abrangeram diversos municípios desse território. Buscando atender a essas demandas, os procedimentos metodológicos de investigação que se enquadram com a proposta são qualitativos, utilizando como recurso metodológico a etnografia, que, por conta da pandemia precisou ser reformulada e adaptada. Para a coleta de dados foram realizadas entrevistas semi-estruturadas com as sambadeiras e sambadores da comunidade, com registros em gravações de áudio e vídeo indicados no texto como roteiro de escuta e disponibilizados ao público (www.soundcloud.com). Também foi realizada transcrição e análise de alguns dos sambas e de suas letras, como também, levantamento de dados a partir de documentos históricos, arquivos públicos, periódicos e jornais. Com esse trabalho pesquisa pretendo contribuir com as seguintes questões: como os processos de urbanização e modernização influenciaram/influenciam nas práticas de samba de roda do município? Como essa pesquisa pode contribuir para memória, divulgação ou elaboração de possíveis projetos de reparação histórica?

O campo da cognição musical é uma área de estudos que vem cada vez mais atraindo o olhar dos pesquisadores da área da educação musical. O entendimento da atividade cognitiva tem sido cada vez mais relevante para a compreensão da construção do conhecimento musical. Nesta Dissertação, buscou ampliar-se estas noções, debruçando sobre um aspecto da atividade cognitiva, descrito pelo epistemólogo e biólogo Jean Piaget. Este aspecto foram as abstrações mentais, sendo: empírica, pseudo-empírica, reflexionante e refletida, que em seu conjunto atuam diretamente na construção do pensamento lógico-matemático do indivíduo. Para isso foi realizada uma revisão integrativa para um levantamento do estado da arte das pesquisas no campo da música que relacionam o conhecimento e o fazer musical aos postulados piagetianos. Desse levantamento foram selecionados os trabalhos que trazem provas baseadas em evidências acerca da relação entre estas abstrações e a cognição mental em atividades relativa ao fazer musical e a sua construção. Assim, o pesquisador selecionou 60 trabalhos para a revisão integrativa e, dentre estes, 12 trabalhos que trazem as provas baseadas em evidências, apontando para uma estreita relação entre estas abstrações mentais descritas por Piaget e a atividade musical em variados aspectos.

O seguinte texto é o resultado de um processo que vem de tempo atrás, de muito antes do ingresso da pesquisadora no programa acadêmico que permitiu seu desenvolvimento, surgido das inquietudes de uma musicista ambulante (a pesquisadora) a respeito do seu papel na sociedade e tem como objetivo registar a existência e demonstrar a importância destes personagens na história. Trata-se de uma etnografia (LÉVI-STRAUSS 1955, MALINOVSKI 1975, SEEGER 1980, MONTOYA URIARTE, 2012), feita a um grupo de doze musicistas ambulantes (dentre eles, a pesquisadora), que passaram (a maioria deles) pela cidade de Salvador-Bahia durante a temporada de 2018-2020. Narra a história dos musicistas ambulantes desde quando sua existência ficou registrada pela primeira vez, no século IX, na Europa Medieval até os tempos modernos na América Latina. Discute varias temáticas (Espaço público, Trabalho, Arte de Rua) e conceitos (Música, Cultura, Folclore, Popular), considerados importantes e interessantes por contornar aos indivíduos e caracterizar o ofício. Dialoga com autores acadêmicos reconhecidos e respeitados de várias origens (BLACKING 1973, 2007; CARVALHO 1999; LÜHNING 1991, 2014; TRAVASSOS 1999; MAGGIO 2012; HERSHMANN 2014, 2015), mas também com os interlocutores da pesquisa (musicistas ambulantes latino-americanos) e com outras fontes variadas (tradição oral, placas, museus, guias turísticos). Fornece dados estatísticos (horários, rotinas, cenários, salário, público atingido, repertório, entre outros) a respeito da experiência pessoal da pesquisadora exercendo como musicista ambulante na cidade de Salvador e diversos outros lugares e das experiências de outros oito musicistas na mesma cidade. Finalmente, deixa algumas considerações, mas, principalmente, chama a atenção e gera curiosidade para o aprofundamento de vários dentre os temas discutidos.

Através de uma abordagem autoetnográfica, este trabalho apresenta o resultado da  observação participante nos rituais da doutrina cantada do Santo Daime no CICLU-Ba, centro  que segue o trabalho espiritual do Mestre Raimundo Irineu Serra, seu criador. Nesta tradição  musical os hinos não são composições musicais, mas sim cantos "recebidos" do plano espiritual.  O repertório analisado nesta pesquisa contempla os hinários obtidos até a morte do Mestre, em  1971.  

Tendo como marco principal a aparição da Virgem da Conceição, que ofereceu os hinos  primeiramente ao Mestre Irineu e em seguida aos outros(as) daimistas, instituindo assim o  sagrado feminino em seu mito de origem, será analisado o protagonismo das mulheres como  zeladoras desses cânticos e guardiãs originárias dessa tradição musical.  

Buscando compreender as raízes culturais e musicais determinantes para o surgimento  desse estilo de canto, foi realizado um estudo sobre as sonoridades que permearam a vida do  Mestre Irineu e de seus(as) companheiros(as) antes e durante o “recebimento” dos hinos.  Inicialmente foram analisados os elementos musicais de suas origens nordestinas e em seguida,  os da região amazônica, para onde muitos deles migraram em busca de trabalho no início do  séc. XX. Também foram observadas outras influências musicais que, guiadas através da  consciência expandida pela santa bebida, compuseram a cultura acústica dos daimistas  originários.  

O trabalho se fundamenta numa perspectiva da etnomusicologia engajada e sensível ao  feminino, se referenciando em conceitos teóricos brasileiros, como "cultura acústica" de José  Lopes (2004), "teoria nativa" de Tiago Pinto (2001) e trabalhos sobre o sagrado feminino na  música religiosa como Laila Rosa(2009), Kátia Rabelo(2013), Camila Benedito(2019) e Beatriz  Labate (2009). 

Nesta tese, apresenta-se os caminhos da Avaliação de um curso de formação de
professores de Música. Parte-se de uma fonte de inspiração, qual seja, o Sistema de
Avaliação acontecido no Curso Licenciatura em Música, Modalidade Educação à
Distância (EAD), ofertado pelo Programa Pró-Licenciaturas do Ministério da Educação
no Brasil, entre os anos de 2008 a 2012, conduzido pela Universidade Federal do Rio
Grande do Sul (UFRGS) e Universidades Parceiras (PROLICENMUS). A pesquisa teve
como objetivo geral atualizar o Modelo de Avaliação Cante e Dance com a Gente
(CDG), dedicado à condução da Avaliação, na formação docente em cursos de
Licenciatura em Música. A pergunta de pesquisa estabelecida foi: Como os processos e
as práticas de Avaliação empregados na formação docente do curso de graduação
PROLICENMUS poderiam conduzir uma formação de professores de Música, na
atualidade? Metodologicamente, tratou-se de uma investigação com natureza Básica,
abordagem Qualitativa, objetivos Exploratórios e procedimento técnico predominante
Estudo de Caso. Cada um dos três capítulos foi conduzido por um dos objetivos
específicos: a saber: 1) circunscrever o conceito de Avaliação, para efeito desta tese; 2)
explicitar o fenômeno Avaliação, conforme acontecido no PROLICENMUS; e 3)
prospectar condições de consistência, entre componentes do processo avaliativo
estudado. Utilizou-se técnicas complementares de Pesquisas, tais como: Bibliográfica,
Documental, Ex Post Facto e Grupo Focal. Os dados foram tratados mediante Análise
Textual Discursiva (ATD) (MOARES; GALLIAZZI, 2006). A revisão da Construção
Teórica no Domínio da Avaliação (FERNANDES, 2010), associada à da Proposta
Musicopedagógica CDG (NUNES, 2017), gerou uma definição própria de Avaliação:
um sítio investigativo, onde o Impulso espontâneo constituído de crenças, desejos e
esperança, próprios dos Mundos Internos, uma vez mediado pelo Direcionamento dos
Mundos Externos, conduz às Aquisições por Ações Evidenciadas em produções
individuais ou em grupo, para uma efetiva prática compartilhada na Formação Docente
em Música, assentadas em uma abordagem hermenêutica-dialética, que envolve, atrai e
cativa comprometimentos protagonizados pelos envolvidos, apresentando, assim, a
Recompensa, ao final do processo avaliativo. Concluiu-se, na Avaliação da formação
docente em Música, é impositivo harmonizar Molduras e Instrumentos, balizados pelo
Projeto Pedagógico do Curso e sua Matriz Curricular, por sua vez, assentados em uma
determinada concepção teórica de formação humana. No caso do PROLICENMUS e no
aqui proposto, uma formação integral e integradora, por meio da Música, na qual
coautoria, inclusão, generosidade, respeito por si e pelo outro são condições essenciais.
Assim, a Avaliação não pode estar assentada em um terceiro elemento, punitivo ou
elogioso, no qual outros lhe atribuam importância e o legitimem diante de si mesmo; é o
licenciando que, mediante total entrega a um processo de construção de si e do Ser-
professor, é o maior responsável por sua Avaliação. Conclui-se, que seu próprio
reconhecimento é a sua maior recompensa; todavia, isso não o isenta de compreender e
de aceitar, que, ao almejar falar em nome de uma determinada instituição educacional,
como é o caso do Diploma, é preciso obter autorização dessa instituição, mediante
aprovação, segundo seus próprios critérios avaliativos, claramente ditos.

Esta pesquisa de doutoramento em música tem como objetivo estudar a vida e a obra do
maestro Agenor Aluísio Gomes, observando as suas relações com os contextos em que
estavam inseridas. Entre os objetivos específicos foram realizados a investigação da
biografia de Gomes, localização de composições inéditas e a discussão da importância
das práticas musicais realizadas por Gomes no contexto da História da música da Bahia.
Esta é uma pesquisa histórica que tem utilizado a metodologia da pesquisa qualitativa.
Entre as atividades desenvolvidas na pesquisa de campo podem ser mencionadas, a
realização de pesquisa documental em busca de fontes documentais iconográficas, orais
e sonoras. Foram realizadas entrevistas com personalidades que conviveram com o
pesquisado, a exemplo de ex-alunos do projeto a Hora da Criança, além de músicos
como Cacau do Pandeiro que tocaram com Gomes. O pesquisado atuou em diversos
contextos relacionados a música, entre os quais, iniciou os seus estudos como aluno, em
bandas filarmônicas do interior da Bahia, depois atuou como maestro desses conjuntos.
Também atuou como maestro e executante de conjuntos musicais que se apresentavam
em bailes no interior da Bahia e em Salvador. Na capital baiana atuou como maestro,
executante, compositor e arranjador em diversos contextos, destacando-se como
maestro das rádios Excelsior e da Rádio Sociedade da Bahia. Também foi co-fundador
do programa A Hora da Criança, juntamente com Adroaldo Ribeiro Costa, com quem
trabalhou por três décadas (entre 1940 a 1970) Além dos contextos de atuação
mencionados, Gomes compôs peças musicais para o espetáculo infantil A Opereta
Narizinho, baseado nos contos de Monteiro Lobato. Os resultados da análise da
documentação encontrada informam que, o pesquisado atuou como regente, executante,
compositor e arranjador, mas que teria se destacado no campo das composições
autorais, a exemplo da criação de arranjos musicais para bandas militares de música e a
criação do arranjo instrumental do Hino do Esporte Clube Bahia. Gomes participou
como músico e diretor musical do processo de gravação dos discos “Os vinte anos da
Hora da Criança (1963) e Navio Negreiro (ca. 1968). Entende-se que as composições de
Gomes sejam um legado cultural resultante das suas atividades laborais musicais, elas
contribuíram com processos educacionais ligados ao teatro e música na sociedade
soteropolitana do século XX, e representam parte da cultura baiana e brasileira da
época, sobretudo, por refletir aspectos do contexto político, social e musical.

Compreender os processos de aprendizagem musical de músicos engajados em orquestras infanto-juvenis é um desafio, pois tocar um instrumento é uma atividade complexa que requer planejamento, organização, estratégias eficazes, automonitoramento e avaliação. A prática de memorização está presente nas vivências de músicos experts assim como de músicos menos experientes. Apesar da maior parte das pesquisas que documentam os processos de memorização ser com músicos experts, estudos atuais indicam que há um maior interesse em compreender como estudantes músicos administram suas práticas. A autorregulação é um dos construtos da Teoria Social Cognitiva com potencial no campo educacional, a fim de compreender os processos de aprendizagem dos estudantes. Os objetivos desta pesquisa foram: 1) identificar os processos autorregulatórios da aprendizagem de prática e da memorização musical que podem ser encontrados, em níveis menores ou maiores em estudantes em estágios iniciais e intermediários de aprendizagem; 2) buscar compreender como os estudantes adquirem as estratégias e recursos necessários para monitorar e controlar seus conhecimentos, sentimentos e emoções para melhorar sua prática e memorização musicais. Para isso, foram realizados dois estudos. O Estudo I foi uma survey que buscou dar uma visão macro sobre como músicos de orquestras infanto-juvenis portuguesas e brasileiras (170 músicos entre 11 a 17 anos de idade) se envolvem na prática e na memorização musical. O Estudo II foi um estudo de caso exploratório, descritivo e explicativo que procurou compreender os processos autorregulatórios de aprendizagem na prática e memorização musicais (20 músicos entre 12 a 17 anos de idade). Os resultados apontam o envolvimento dos estudantes músicos ao escolherem, aplicarem e adaptarem as estratégias cognitivas necessárias no processo de suas práticas. Eles revelaram que, mesmo quando os jovens músicos desconhecem as estratégias de memorização empregadas por músicos experientes, algumas das estratégias que utilizam são semelhantes. As memórias aural, cinestésica e visual se destacaram como suas estratégias de recuperação da memória.

Nesta tese, o anseio do pesquisador é buscar possibilidades de diálogo entre universos próprios
ao ensino de instrumentos musicais da família dos metais. De um lado, os moldes tradicionais
e tutoriais, cujo foco principal do ensino-aprendizagem é a performance instrumental
individual, com tudo que implica; do outro, uma abordagem didático-pedagógica, que traz em
si uma proposta mais ampla, de inclusão, de participação e de cooperação ao fazer musical,
num contexto coletivo. Nesse segundo, há esforço intencional de formar alunos que se tornem
sujeitos ativos e reflexivos, ao longo do processo de aprendizagem. Visando a contribuir com
ofertas de formação de professor específica à realidade coletiva de ensino, o desenvolvimento
dessa investigação é norteado pelo Objetivo Geral de disponibilizar, à comunidade da área,
fundamentos teóricos pertinentes a uma Performance de Professor focada no desenvolvimento
do virtuoso e, concomitantemente, no fortalecimento do si mesmo do aluno, por meio da prática
musical, em contexto coletivo de aprendizagem. Trata-se de uma pesquisa de natureza Básica
com enfoque Qualitativo e Exploratório. O texto apresenta uma divisão em três capítulos, cada
um atendendo a um dos Objetivos Específicos, mediante três abordagens metodológicas, a
saber: 1) Pesquisa Bibliográfica, apresentando os princípios didático-pedagógicos de Arnold
Jacobs, associados ao conceito de Comunidade de Prática, da Teoria da Aprendizagem Situada,
em linha com os fundamentos teóricos da Proposta Musicopedagógica CDG; 2) Pesquisa-Ação,
com o desenvolvimento de uma experiência prática de formação inspirada no Modelo Teórico
CDG, visando a uma Performance de Professor capaz de promover equilíbrio entre habilidades
musicais e humanas dos alunos, devidamente integradas à dimensão social da Música; e 3)
Análise Textual Discursiva, sustentando o enunciado de princípios teóricos e caminhos
pertinentes a um ensino coletivo de instrumentos de metal, que promovam o desenvolvimento
integral do aluno, numa perspectiva que associa Arnold Jacobs à Comunidade de Prática, por
intermédio da Proposta Musicopedagógica CDG. É à luz do CDG, que os fundamentos teóricos
escolhidos como norteadores desta investigação e a análise dos dados reunidos por meio da
experiência formativa ministrada conduziram o pesquisador à elaboração de uma arquitetura
pedagógica e de aprendizagem, capaz de amparar propostas destinadas à formação, inicial e
continuada, presencial e, sobretudo, a distância, de professores dedicados, ou aspirantes, ao
Ensino de Música por meio da prática instrumental/musical coletiva. Com isso, espera-se
contribuir à afirmação de uma figura ressignificada de professor de instrumento, capaz de
conduzir-se, em sala de aula, com foco no desenvolvimento integral do aluno, por intermédio
de uma Performance de Professor e de um ensino musical de qualidade e útil para a vida.

Apesar de o estado de Goiás ter sido um dos primeiros a implantar a disciplina de música no currículo das escolas de tempo parcial e integral, incluindo as bandas marciais em sua rotina, existe uma carência de estudos que busquem compreender o papel socioeducacional que tais conjuntos musicais podem proporcionar aos alunos dessas escolas. O presente trabalho apresenta resultados de uma pesquisa sobre a relação entre atividades de banda e a vida estudantil no ensino fundamental em centros de ensino de período integral (CEPI). A pesquisa faz uso do método qualitativo, com procedimentos descritivos analíticos, para focalizar três bandas escolares de Goiânia, capital de Goiás, além de abordagem quantitativa para avaliar rendimento escolar. O objetivo é compreender as relações entre a atividade destas bandas escolares e a atuação de seus integrantes na escola. Assim, a investigação analisa se a atividade de banda desempenha algum papel relevante, ou mesmo essencial, na vida escolar, familiar e/ou nos rendimentos acadêmicos de seus integrantes. Os procedimentos metodológicos incluem questionários, entrevistas, grupo focal e análise de documentos. O estudo do rendimento escolar é realizado através dos dados estatísticos do Índice de Desenvolvimento da Educação Básica (IDEB), dos anos de 2015 e 2017, e da análise do boletim de cada integrante dos grupos musicais, considerando os anos de 2015, 2016 e 2017. Os resultados estatísticos apontam que houve uma melhora, porém não significativa. A parte qualitativa da pesquisa se dá com a aplicação de questionários semiestruturados e entrevistas com professores, coordenadores pedagógicos e familiares, que permitem verificar o comportamento social dos alunos na escola e na família. Em relação aos integrantes das bandas, o estudo apresenta os resultados de três grupos focais, um com cada banda participante, cujo objetivo consistem em averiguar os motivos de sua participação e permanência no conjunto musical para, assim, compreender o tipo de vínculo que eles têm com suas bandas. De maneira geral, os resultados demonstram que houve melhora no comportamento e na relação social dos alunos na escola e na família após o ingresso na banda. Um coordenador pedagógico e disciplinar relata melhora substancial da coordenação motora, da sensibilidade cognitiva, da postura e do respeito ao próximo. Professores de língua portuguesa, matemática e artes relatam que os alunos apresentam crescimento elevado na questão disciplinar e comportamental em sala de aula, demonstrando que o número de problemas junto à coordenação caiu substancialmente período a que se refere a pesquisa. Os dados dos grupos focais demonstram que a atividade de banda desempenha uma importante função na vida social escolar de seus integrantes. Assim, a pesquisa indica que a atividade de banda não resultou rendimento escolar significativo de seus integrantes, porém não atrapalhou neste sentido. Já em relação ao melhoramento do comportamento escolar de seus integrantes, pode-se inferir que há alguma relação significativa entre ele e a atividade de banda, ou seja, entre a promoção de bem-estar social e o fazer musical na vida escolar no ensino fundamental.

O presente trabalho compreende uma reflexão teórica em torno da música eletroacústica mista e o desenvolvimento de ferramentas para a composição de música mista que potencializam a interação entre as temporalidades do compositor, do performer e do computador, no contexto de um conjunto de obras musicais compostas durante a pesquisa. Assim, foca os possíveis embates relativos ao tempo cronológico e o tempo musical na música mista, e propõe estratégias de composição que respondem aos desafios da interação entre os agentes de uma composição mista.

 Esta pesquisa tem como objetivo descrever a experiência didática e de Performance Musical Instrumental aplicada na Banda Sinfônica da UFMG. Formada por alunos, monitores e bolsistas da Pró-Reitoria de Extensão do Curso de Extensão chamado Projeto Bandas, cujo trabalho iniciou-se no ano de 1998 na Escola de Música da UFMG, em Belo Horizonte/MG. O projeto passou por quatro etapas, tendo o professor Anor presente na concepção, coordenação pedagógico-artística e regente das três bandas nos seus três níveis: Iniciação, Intermediária e Avançada. A fundamentação teórica praticada no projeto bandas coincide com as teorias selecionadas para este estudo, a saber: a Praxial, de autoria do filósofo e Educador Musical David J. Elliott (1995) e a teoria do O Ritmo: origens, funções e acentuações, de autoria de Mathis Lussy (1874) – esta última, inserida no quarto capítulo do seu L´Traitè de L´Expression Musicale. Trata-se de uma pesquisa-ação – quando o autor se insere com o grupo desde a sua gênese – e de Observação Participante – “quando o pesquisador em educação estaria em condição de produzir informações e conhecimentos de uso mais efetivo, inclusive ao nível pedagógico” (LAKATOS, 1991, p. 194). Ficou evidenciado ao longo desta experiência, uma prática educacional coerente com as filosofias educacionais preconizadas por Elliott e Lussy.

Esta pesquisa investigou os efeitos da aplicação da abordagem músico-pedagógica denominada nesse estudo de ECCP (Ensaio Coral Centrado na Pessoa) na atividade coral em Salvador e em três cidades da Região Metropolitana de Salvador: Candeias, Madre de Deus e São Francisco do Conde. Teve, como alvo, treze coros dirigidos pela pesquisadora (infantis a idosos), perfazendo um total de quinhentos e oitenta coralistas. O objetivo geral se concentrou em investigar os efeitos da aplicação da referida abordagem, as redes e configurações socioculturais de valorização do indivíduo, que promoveram o bem-estar e a melhoria da qualidade de vida dos coralistas. Foi investigada a prática coral quanto a sua implantação, obstáculos e progressos ocorridos, além dos processos metodológicos e articulatórios ocorridos na trajetória dos coros em questão. A Abordagem ECCP e seu corpo de atividades, foi estudada dentro da perspectiva do Estudo de Caso e da Abordagem Qualitativa Descritiva, considerando as faixas etárias e diversidades de ambientes. Identificou-se como esta abordagem contribuiu na construção de identidade cultural, valorização pessoal e reconhecimento do papel social dos envolvidos. Na busca por essa identificação, formulou-se a seguinte questão: como a abordagem ECCP contribuiu para a melhoria da qualidade de vida dos coralistas nos referidos contextos? O referencial teórico se concentrou nos estudos de Amato (2004; 2009), sobre o Canto Coral, bem como os de Brandão (1999) sobre a regência Coral e Oliveira (2014), sobre as articulações pedagógicas no ensino-aprendizagem por meio da abordagem PONTES. A análise dos resultados obtidos no questionário, nos depoimentos, nos vídeos dos ensaios dos corais e percepção dos coralistas mostrou que estes, reconhecem e legitimam os efeitos das atividades propostas pela referida abordagem, em mudanças individuais e sociais, relacionando-as com os objetivos desta investigação. Os dados obtidos nesta pesquisa sugerem uma influência positiva na aplicação da abordagem ECCP, referindo-se aos aspectos formativos musicais, bem como na saúde vocal, física e psíquica dos coralistas pesquisados. Outras declarações sinalizaram para a percepção de melhorias na consciência corporal (postura ao cantar – andar), mudanças emocionais (felicidade – motivação – euforia) e vocais (classificação vocal – vocalizes – além do uso adequado da voz dentre outros). A realização desta pesquisa confirma resultados positivos de outros estudos sobre assuntos relativos a bem-estar através da atividade coral e acrescenta conhecimento brasileiro, em especial com indivíduos da região do Estado da Bahia, onde poucos estudos foram realizados (canto coral nas três cidades investigadas). O estudo contribuiu para apresentar uma abordagem testada na prática, que pode despertar a consciência de educadores musicais regentes, ao representar e analisar uma situação comum, enfrentada por diversos profissionais que lidam com a natureza e a complexidade dessas atividades, abrindo portas para que esses educadores possam sintonizar seus problemas, avanços e conquistas com o assunto abordado nesta Tese.

Esta tese propõe, primeiramente, a busca de diagnosticar a relevância ou irrelevância da dicotomia nas classificações da música em erudita, clássica ou de concerto, em distinção aos gêneros considerados populares ou comerciais, sob uma perspectiva de distinções nos métodos de realização musical nos dois grandes campos. Em segundo lugar, isolando a classificação, trazemos à tona discussões direcionadas a procedimentos, primeiro sob uma perspectiva geral do repertório, depois com ênfase em uma obra específica, que se tornou o principal objeto de estudo. Tomamos como referência para a solidificação de parâmetros, a Sinfonietta Seconda de Ernani Aguiar, obra sinfônica cuja linguagem musical e instrumentação de percussão é totalmente baseada nos ritmos mais populares da tradição brasileira, os pertencentes ao carnaval. A essa coligação demos o nome de crossover, termo que até então vem sendo empregado na informalidade, para designar repertórios onde haja influência concomitante e reflexiva entre os gêneros eruditos e populares. Para enriquecimento do corpo argumentativo presente das literaturas, colhemos pontos de vista de regentes experientes nessa fusão musical, e ao final, embasamos a realização a partir de pontos convergentes ou não. Foram analisados os processos de uma construção musical única, ainda que consistente de várias, no formato de um medley. Nos determinamos a examinar, sob a ótica musical e textual, os elementos distintos da criação e condução da Abertura Medley Sescanção 2011, uma peça com vinte minutos de duração que foi a mim encomendada para a ocasião do lançamento do CD contendo as dezesseis músicas selecionadas para a Amostra Sescanção do ano de 2011, evento então realizado bienalmente na cidade de Aracaju, com o propósito de fomentar e estimular a criatividade de novos e velhos artistas, numa compilação atemporal que retrata o cancioneiro popular local. A peça, que planejava uma instrumentação híbrida dos campos erudito e do popular, deveria reunir pedaços de todas as músicas, e ao mesmo tempo provocar um sentido de unidade. Todo o processo de elaboração e realização deste concerto compreendeu habilidades da composição e da regência. Por fim, cremos estar oferecendo à academia uma leitura exclusiva sobre uma peça igualmente exclusiva, derrubando possíveis fronteiras estéticas e estilísticas, e descentralizando possíveis referências de qualidade musical

Esta tese apresenta discussões acerca de uma pesquisa cujo objetivo central se estende a
um estudo da música de Candomblé numa perspectiva composicional, visando,
principalmente, um entendimento das estratégias compositivas relacionadas com as
expressões rítmicas associadas à função do atabaque Rum no quarteto instrumental em
que se insere, devido a sua posição hierárquica. No sentido do reconhecimento da
existência de alternativas múltiplas e igualmente valorosas às concepções científicas,
tecnológicas e artísticas legitimadas pela Europa (SANTOS, 2009), e considerando o
contexto particular do Candomblé — onde música se atrela indissociavelmente a um
ecossistema sociocultural complexo que envolve religião, dança, culinária, funções
hierárquicas de mulheres e homens, dentre outros aspectos (CARNEIRO, 2008) —,
músicas ligadas a esta tradição foram transcritas e analisadas objetivando a observação
de situações rítmicas que pudessem ser tomadas como catalisadores de procedimentos
compositivos a serem explorados de modo dialógico com a música de concerto
contemporânea. Neste percurso, após um investimento em discussões teóricas afeitas a
uma interface, naturalmente demandada pelo problema de pesquisa, entre composição e
etnomusicologia, uma pesquisa de campo realizada no contexto do Candomblé, e
buscando um suporte em teorias do ritmo (COPPER e MEYER, 1960; BERRY, 1976;
KRAMER, 1988; e HESTY, 1997) e na literatura sobre música de Candomblé e música
africana (LÜHNING, 1990; KUBIK, 2010; BRANDA LACERDA, 2014; e AGAWU,
2013 e 2016), cinco processos rítmicos foram identificados, conceitualizados e
exemplificados: 1) ressignificação rítmica; 2) dissociação rítmica, 3) sintonização
rítmica; 4) suspensão rítmica; e 5) sublimação rítmica. Sem perder de vista as
consequentes implicações artísticas de tal estudo, cinco obras foram compostas a partir
da utilização e adaptação dos processos rítmicos mencionados, em suas dimensões
temporais, texturais, gestuais e formais. Com isso, espera-se contribuir com a área da
composição em sua dimensão objetiva de indissociabilidade entre teoria e prática, e com
o campo da etnomusicologia, nos tópicos relacionadas à manifestação musical do
Candomblé.

A finalidade desta pesquisa foi investigar os saberes docentes que norteiam a prática pedagógica de professores de ensino coletivo de violão na utilização de um material didático com alunos iniciantes. Para este propósito foram observadas a mobilização dos saberes no discurso e na prática docente e as fontes sociais de aquisição. Esta pesquisa foi configurada como um estudo multicasos, onde cada professor de violão – sua prática e seu discurso – concebeu um caso distinto. Participaram deste estudo, três professores de violão, licenciados em música, localizados em diferentes etapas da carreira profissional. O referencial teórico teve como base os estudos de Tardif e Huberman, complementados por outros autores da literatura educacional e músico-educacional. Como resultado, foi identificada uma tipologia de saberes específica deste estudo, discutida a partir do elemento temporal. De igual forma foram tratados nesta pesquisa, outros elementos relacionados à função do professor de violão, como algumas particularidades desta atividade e as relações entre formação profissional e docência.

Nesta tese, o anseio de seu pesquisador consiste em intuir sobre diversas questões, envolvendo o fazer do educador musical. Mas uma delas é, aqui, priorizada: a que diz respeito à profundidade do mergulho nos processos compositivos de canções, por parte de mestres e aprendizes que o vivenciam, em particular, o processo de composição de Microcanções CDG (NUNES, 2015). Assim, o Objetivo Geral consiste em fomentar o estudo da Composição Musical, na formação de professores de Música, sob perspectivas da Proposta Musicopedagógica Cante e Dance com a Gente (CDG). Os Objetivos Específicos são três: 1) Caracterizar aspectos próprios à Composição Musical, para fins musicopedagógicos, no Brasil; 2) Identificar conexões implicadas pelo ensinar e aprender sobre composição de Microcanções CDG, num contexto específico; e 3) Enunciar ideias que possam otimizar o Processo de Composição de Microcanções CDG. Assim, autores e obras voltadas ao universo da canção infantil, para fins educativos, são buscados por meio de Pesquisa Exploratória e Bibliográfica, destacando a peça O Navio Pirata, para coro infantil a 3 vozes, de Lindembergue Cardoso (1981). Inspirando-se nessa revisão de literatura, e com base nos princípios compositivos CDG, o pesquisador compõe uma Microcanção CDG, aplicando-a como modelo, em um Estudo de Caso – um curso online, destinado à formação de professores de Música. Dessa experiência são extraídas ideias, tanto para otimizar o processo de composição empregado, quanto para ajustar a composição-modelo, levando-a a uma Espacialização única. A maior contribuição desta tese consiste em saber como mergulhar no limbo do desconhecido para, de lá, emergir com um resultado, oferecendo-o como resposta à pergunta de pesquisa. Conclui-se, então, que a Espacialização é uma circunstância de permissão para se empregar eventos acontecidos e/ou possíveis de acontecer, em um dado espaço e tempo, em Música. Compreendendo isso, é possível revelar um pesquisadoreducador mais experiente e proativo que, em seu próprio percurso de desenvolvimento, seja capaz de, continuamente, caminhar alguns passos à frente de seus aprendizes. Assim, partícipe do próprio processo sobre o qual ensina, o educador-compositor experiente se arrisca em mergulhos por esses ambientes, conduzindo seus aprendizes na confiança de emergirem de lá, todos, com novos modos de (se)expressarem. 

Este trabalho propõe a fricção entre diferentes esquemas musicais como horizonte conceitual
na formação de processos composicionais. Com base nas teorias da cognição, precipuamente
nos trabalhos de Gilles Fauconnier e Mark Turner, Candace Brower e David Huron,
propomos a formação de um sistema composicional oriundo da amalgamação de três
conceitos-chave: significação metafórica, esquemas musicais e música como narrativa como
um ambiente viável na construção de processos composicionais alinhados à multiplicidade
conceitual exibida pela música do século XXI.

A percussão em Salvador/Bahia, na segunda metade do século XX, tem se transformado em um importante espaço de expressão para os afrodescendentes e para as “classes populares” (FREIRE; BRANDÃO), ou grupos “subalternos” (GRAMSCI; SPIVAK; MIGNOLO) na sociedade soteropolitana. A presente dissertação propõe uma imersão no movimento sócio-percussivo Vai quem Vem surgido na década de 1980 na comunidade do Candeal, em Salvador-Bahia através da realização de um levantamento histórico-musical, da memória coletiva de alguns dos integrantes do movimento, e da sistematização de experiência vivenciadas nos anos 2016-2017 no Projeto Ponto de Cultura Pracatum. Essa pesquisa busca identificar saberes musicais gerados nesse contexto com a intenção de obter ferramentas que possam ser aplicadas nas aulas de percussão como elementos técnicos e estéticos oriundos desta cultura musical específica. Isso implica em uma reflexão sobre produção e reprodução de saberes em diferentes contextos a partir da observação e transmissão dos conhecimentos locais (FREIRE), e as formas em que uma ampla gama de saberes salvaguardados por “los nadies” (GALEANO), são transmitidos numa cultura não grafocêntrica, onde a transmissão destes saberes é um ato sentipensante (BORDA). Portanto, para possibilitar o estudo de uma linguagem tão específica e profunda como são os saberes musicais percussivos para os afrodescendentes e latino-americanos, essa discussão coloca em evidência a importância da descolonização do conhecimento se apoiando no caminho traçado por Paulo Freire, José Carlos Mariátegui, Aníbal Quijano, Enrique Dussel, Walter Mignolo entre outros, através de metodologia fundamentada na Pesquisa participante para análise de transmissão de saberes e da produção musical no contexto do movimento percussivo na comunidade do Candeal. Após a identificação de seis ritmos e através da análise e sistematização de dois dos ritmos pesquisados se observam saberes musicais presentes no acervo percussivo gerado na comunidade e seus desdobramentos na experiência do Ponto de Cultura Pracatum.

Esta pesquisa teve por objetivo investigar como se dá o processo de construção cultural afrodiaspórica das identidades tendo a música como mediadora. A pesquisa de campo foi realizada entre os meses de agosto e dezembro de 2017 na Casa do Hip Hop de Diadema, Grande São Paulo. Como metodologia de pesquisa, optou-se pela observação participante, o que me permitiu participar das aulas e observar ativamente os sujeitos envolvidos nas oficinas de DJ e MC. O referencial teórico encontra-se nos escritos de Stuart Hall, Kabengele Munanga, Boaventura de Sousa Santos, Catherine Walsh e Deborah Bradley. Os resultados da pesquisa apontam para a importância da Casa do Hip Hop de Diadema para a história do Hip Hop no Brasil e também para o favorecimento de uma dinâmica social entre os indivíduos promovendo um fluxo de informações e saberes, contribuindo não apenas para a aprendizagem musical, mas também para o processo de construção das identidades culturais afrodiaspóricas. A pesquisa também aponta para a necessidade de práticas de ensino desarraigadas do pensamento colonial, que privilegiam os saberes dos colonizadores em detrimento dos saberes dos subalternizados, chamando assim para uma tomada de consciência crítica tendo em vista uma educação emancipadora e libertária.

O Foco principal deste trabalho é a aplicação da Teoria da Aprendizagem Significativa no processo de memorização do texto musical. Para isso, parte-se da explanação dessa teoria proveniente da psicologia educacional, tomando-se como referencial a visão de David Ausubel. Também foram tomados alguns fundamentos da psicologia da música e das Neurociências aplicados à aprendizagem para se conhecer melhor a estrutura em que se dá esse processo. Nesse contexto, é feita uma operacionalização das memórias auditiva, visual, muscular e tátil, rítmica, nominal, analítica e emotiva, com a finalidade de formatar um método de memorização do texto musical. Para testar a eficácia desse método, foi conduzido um experimento utilizando o teste de Wilcoxon-Mann-Whitney com dois grupos formados entre a população de alunos de violão da Escola de Música da Universidade Federal do Rio Grande do Norte. A pedido, o compositor Danilo Guanais escreveu a obra “Três Tocatas Armoriais” especialmente para ser utilizada nessa pesquisa. O grupo experimental estudou essa obra utilizando o método proposto, enquanto o grupo de controle estudou da forma prevalecente. Como resultado, verificou-se que o grupo experimental obteve um melhor desempenho do que o grupo de controle.

O presente trabalho discorre sobre como clarinetistas t~em aprendido e desnvolvido a improvisação no choro. Foi investigada, atrav´pes de entrevistas e utilizando a metodologia de pesquisa "história de vida", a forma pela qual quatro clarinetistas aprenderam e desenvolveram a improvisação dentro de suas práticas musicais no choro.  Estes são clarinetistas brasileiros da atualidade com vasta experiência, reconhecimento e atuaçõesl, tanto no Brasil como no exterior.  A análise dos dados obtidos, pro meio das respostas recebidas e trasncritas, tornou possível o levantamento de pontos comuns no que tange ás principais características de seus aprendizados musicais, bem como dos materiais desenvolvidos e utilizados por eles no estudo de improvisação no choro durante diferentes etapas de suas vidas.  Como resultado do estudo, constatou-se que todos cresceram dentro de um ambiente musical ativo e que a prática musical em grupo, a audição, a memorização, a transcrição e tocar e improvisar com gravações foram atividades amplamente utilizadas por eles. Além disso, esses clarinetistas indicaram, para o aprendiz de im provisações, o estudo da harmonia, do contrpaonto e de instrumentos de percussão.  Também alertaram para  anecessidade de se ter um bom domínio técnico do instrumento com o intuito de transferir toda a sua criativdade musical para ele durante o ato da improvisação.  Por fim, enfatizaram que os aprendizes na aerte no  improviso no choro devem ser frequentadores assíduos das rodas e encontros de chorões, tanto assistindo como também tocando.  Concluimnos que as habilidades em improvisar no choro adquiridas por eles foram, na verdade, fruto de diversos fatores sopciais e educacionais, e não apenas de um treinamento específico com esse propósito.

Buscou-se, nesta pesquisa, observar os aspectos cognitivos relacionados à correção e segmentação textual utilizados por 12 crianças no desenvolvimento das atividades musicais aplicadas em grupo durante 32 horas/aulas de música, estabelecendo correlações entre os aspectos cognitivos de correção e segmentação presentes na fluência leitora apresentados por elas, que cursam o 2o ano do Ensino Fundamental I. O desenho da pesquisa baseou-se em duas etapas: foi realizada, inicialmente, uma revisão integrativa, utilizando os descritores “música e linguagem”, a fim de discutir as pesquisas, ensaios teóricos e revisões de literatura realizadas por pesquisadores nessas duas áreas de conhecimento. Para estabelecer uma correlação com os aspectos cognitivos da leitura verbal, realizou-se um teste de leitura com duas etapas: cada aluno realizou a leitura de um texto antes das aulas de música começarem (pré-teste) e um outro texto foi lido após o período de realização das aulas de música (pós-teste). Os textos continham 134 palavras (pré-teste) e 139 palavras (pós-teste). Das aulas de música, foram selecionadas nove atividades musicais para uma análise descritiva: três composições, três apreciações musicais e três performances. Como resultados, observou-se que os processos cognitivos próprios da leitura verbal podem ser facilmente observados nas atividades musicais, como os mecanismos de memória, atenção, ansiedade, capacidade de correr riscos, os usos da linguagem entre os alunos, a compreensão da fala, além das relações interpessoais e diferenças socioculturais apresentadas por eles. Além dos desvios de correção e segmentação, foi possível perceber outros aspectos, que podem ser investigados em futuras pesquisas que estabeleçam correlações entre música e linguagem verbal. Espera-se que as contribuições dadas por meio deste trabalho às áreas de Educação Musical e Psicolinguística inspirem novos pesquisadores e ampliem as pesquisas no Brasil, uma vez que a maioria dos estudos encontrados foram realizados fora do país.

A presente dissertação aborda os métodos de transmissão do conhecimento musical dentro de um terreiro do Candomblé. O objetivo da pesquisa foi analisar e refletir sobre como acontece o processo de ensino e aprendizagem dos atabaques dentro do espaço religioso do Terreiro Ilê Iyá Omin Axé Iyamassê, mais conhecido como Terreiro de Mãe Menininha do Gantois. No mesmo local está situado o Projeto Rum Alagbê que, desde 2001, vem fazendo um trabalho de ensino e preservação dos ritmos sagrados com crianças, jovens e adolescentes da comunidade, com uma metodologia própria de ensino, facilitando assim o seu aprendizado, desde exercícios que possibilitam ao iniciante a aprender a técnica até a parte histórica da religião. No grupo de alunos há também meninas e mulheres, quebrando assim um grande tabu, já que dentro da religião as mulheres não podem exercer a função de tocar os atabaques, sendo esse um universo completamente masculino. Além disso, pretende-se investigar o processo de aprendizagem do atabaque na formação dos Alagbês, os mestres responsáveis por tocarem os atabaques e cantarem para os orixás, a partir de depoimentos com Alagbês de vários terreiros em Salvador. Dessa forma, tem sido cada vez mais difícil para os terreiros poder contar com pessoas para assumirem este cargo, pois ser Alagbê, compreender a música ou o ritmo de religiões de matriz africana, é muito mais do que dominar uma técnica. Todo o processo envolve a ampliação da consciência religiosa sobre o mundo, a natureza e sobre si mesmo, o que significa muita responsabilidade e disponibilidade. Com base nestes pontos, este trabalho busca discutir, principalmente, o papel do Alagbê hoje, cujas atuações musicais também transcendem o terreiro, sendo muitas vezes músicos requisitados também em outros contextos.

Neste trabalho investiguei egressos do Coral Juvenil da EMUS/UFBA que participaram da construção de espetáculos musicais entre 1996 e 2008. A abordagem metodológica contemplou procedimentos e técnicas de pesquisa quantitativa e qualitativa. Com isso, foi possível desvelar as aprendizagens artísticas mais significativas para os egressos do Coral, as suas escolhas profissionais e os vínculos sociais criados a partir desta prática. A partir dos questionários aplicados, foi observado que essas aprendizagens impactaram a vida profissional principalmente daqueles 50% que optaram por seguir carreiras artísticas, haja vista que afirmaram recorrer, quando necessário, aos conhecimentos do Teatro Musical. Mesmo aqueles que não optaram por seguir carreira artística, atribuem grande importância ao que experienciaram no coro com conquistas psicossociais também para suas atuações profissionais. Por fim, foi possível perceber, por meio desta pesquisa, que o Teatro Musical possibilitou aos participantes a construção de competências não apenas musicais, teatrais e corporais. Isso porque as experiências vividas nos espetáculos investigados tiveram grande impacto nos caminhos profissionais, artísticos ou não, dos respondentes, bem como nos vínculos sociais que se constituíram e se fortaleceram através das atividades propostas no Coral Juvenil. O Teatro Musical, portanto, pode ser uma ferramenta eficaz para ser utilizada nas práticas pedagógico-musicais, cujo fim está além da arte. Está no intuito de tornarmo-nos cada vez mais humanos.

A outorga do título de Obra Prima do Patrimônio Cultural Imaterial da Humanidade para o samba de roda do Recôncavo Baiano em 2005, pela Unesco, se insere em um contexto em que as políticas públicas de fomento a cultura no Brasil passaram a tomar como diretrizes prioritárias o estímulo a diversidade de expressões musicais, o desenvolvimento territorial de ações e a salvaguarda do patrimônio imaterial brasileiro. Especialmente no decênio de 2005-2015, tais políticas e seus desdobramentos, sob a chancela de apoios financeiros de órgãos e instituições públicas estaduais e federais, tem incentivado o processo de profissionalização de artistas, grupos e músicas de samba de roda, através da produção fonográfica e promoção internacional destes até mesmo dentro do emblemático nicho mercadológico da world music. Neste trabalho, são observados reflexos sonoros desta “patrimonialização” e “institucionalização” do samba de roda, tomando como exemplo a trajetória musical recente do grupo Samba Chula de São Braz – talvez um dos mais representativos no panorama musical do Recôncavo Baiano desde a década de 2000. Uma extraordinária experiência musical foi vivenciada pelo autor em conjunto com os integrantes deste grupo, incluindo um momento inicial de pesquisas de caráter etnomusicológico, passando pela produção fonográfica do primeiro álbum do grupo e chegando ao lançamento internacional deste material na maior feira de negócios da world music - a World Music Expo (Womex), realizada em Outubro de 2010, em Copenhague, Dinamarca. São ressaltados pontos chave na trajetória profissional do grupo, no período de 2008 a 2014 - em uma jornada que partiu dos mangues do antigo quilombo de São Braz, distrito de Santo Amaro da Purificação, Bahia, e seguiu até alguns dos maiores palcos e festivais europeus -, na tentativa de revelar um panorama do alcance da atual produção fonográfica de grupos de Samba de Roda do Recôncavo Baiano. Contudo, uma questão paira no ar: “Se no rádio não toca e na televisão não passa, como é que é patrimônio?” Esta pergunta é feita por Dona “Jelita” (in memoriam), mestra sambadeira do grupo Samba de Raparigas, de Saubara, Bahia, falecida em 2016. O questionamento dela reflete apenas parte das incertezas vivenciadas por sambadores e sambadeiras de muitas comunidades do Recôncavo atual frente ao processo de profissionalização do samba de roda e a existência desta tradição como um todo. Neste sentido, faço considerações sobre o papel desempenhado pela etnomusicologia brasileira atual como essencial para o direcionamento e o dimensionamento do alcance das políticas culturais na Bahia e no Brasil, em benefício dos sambadores e das sambadeiras.

O NEOJIBA, Núcleos Estaduais de Orquestras Juvenis e Infantis da Bahia, é um programa prioritário do governo do Estado da Bahia e suas práticas musicais são norteadas com base nos princípios fundamentais originados no El Sistema, Sistema Nacional para las Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela. A presente pesquisa teve como objetivo principal compreender como esses princípios fundamentais se apresentam e como são vivenciados na prática instrumental. A pesquisa se desenvolve sob a ótica dos clarinetistas do programa. Os objetivos específicos se concentraram em: a) apresentar o perfil social dos clarinetistas atendidos pelo programa; b) apresentar o histórico do programa, listando os professores convidados, as atividades, o repertório e os materiais didáticos utilizados para o desenvolvimento dos clarinetistas ao longo dos 10 primeiros anos do programa; c) descrever as características da prática instrumental e de formação dos clarinetistas do programa; e d) compreender como os clarinetistas monitores aplicam os princípios fundamentais em aula. Foi utilizado como referencial teórico da pesquisa o “The Five Fundamentals of El Sistema” de Jonathan Govias (2011), que apresenta os princípios fundamentais do El Sistema, que servem de referência para o NEOJIBA. Foi utilizada a abordagem da pesquisa qualitativa e como procedimento metodológico o estudo de caso. A partir das observações e entrevistas realizadas foram observados padrões de vivência dos clarinetistas do programa referentes a cada princípio fundamental. Os padrões observados foram: integração social, interação nas práticas musicais coletivas; melhoria no comportamento, na disciplina, no foco e na responsabilidade, gerando desenvolvimento em relação à paciência e persistência; sentimento de segurança ao estarem nos núcleos; aumento da autoestima; expectativa de um futuro melhor em consequência das oportunidades oferecidas pelo programa, oportunidades estas referentes à aquisição de conhecimentos específicos de alta qualidade, acesso à bons instrumentos musicais e realização de intercâmbios internacionais; espírito de equipe; equilíbrio entre competição e cooperação, expandindo o sentido da solidariedade; atividades com base na tutoria entre pares; acessibilidade devido à gratuidade das atividades e ao acesso não seletivo, provocando por isso dificuldades pedagógicas devido aos diferentes níveis em sala de aula; livre mobilidade entre os núcleos. Como considerações finais foi observada a apresentação e concordância dos cinco fundamentos nas vivências dos clarinetistas do programa, apesar da falta de conhecimento teórico destes integrantes sobre estes fundamentos. Nota-se que a integração social por meio da prática musical coletiva e a tutoria entre pares, por terem um caráter indissociável das práticas do programa, deveriam ser consideradas como mais um princípio fundamental do NEOJIBA. Nota-se também que, para que o programa possa cumprir com sua missão e visão, será necessário um investimento maior em abertura de núcleos bem equipados e na capacitação de profissionais em ensino coletivo de excelência.

O presente trabalho é fruto da minha pesquisa de doutorado no qual a combinatoriedade foi o foco. Através dele e como o objetivo principal apresento o texto "Introdução à Combinatoriedade" no qual as informações mais relevantes sobre a técnica encontradas na literatura foram reunidas e abordadas de maneira simplificada para uso pedagógico.

O trabalho é dividido em 5 capítulos, seguidos das considerações finais e mais 4 apêndices. No primeiro, de caráter introdutório, são apresentados alguns dados gerais norteadores acerca da pesquisa, tais como informações preliminares sobre a combinatoriedade, os desafios que foram encontrados , objetivos e a metodologia
utilizada. Nos capítulos 2 e 3 há, respectivamente, uma revisão dos principais artigos e de 5 livros texto de composição, teoria e análise musical que tratam sobre o tema. No capítulo 4 é apresentado o texto “Introdução à Combinatoriedade”. No capítulo 5 há um memorial das obras que foram compostas utilizando a técnica, "Axis" e "Diptera", seguidos respectivamente das suas partituras. No apêndice 1 há uma revisão expandida da literatura, na qual alguns artigos relacionados ao tema foram mais profundamente comentados. No apêndice 2 estão 2 artigos sobre a combinatoriedade que foram por mim publicados durante o período de realização da presente pesquisa. No apêndice 3 há uma narrativa informal dos fatos que me conduziram a ela. Já no apêndice 4 seguem alguns trechos da tese que seguem parcialmente elaborados.

Essa dissertação investiga o curso profissionalizante em música do Colégio Estadual Deputado Manoel Novaes (CEDMN) e a participação deste, na preparação e inserção de alunos no nível superior em música da Universidade Federal da Bahia, considerando os aspectos históricos, culturais e políticos do ensino profissionalizante. A pesquisa também analisa a formação e discute a relevância do referido curso no processo de democratização do ensino de música (principalmente para as classes de baixa renda) rumo à universidade. A metodologia utilizada é de natureza qualitativa, se aproximando do estudo de caso. Foram realizadas entrevistas semi-estruturadas, bem como aplicados questionários sócios demográficos seguidos de perguntas fechadas e abertas com nove egressos e treze professores do CEDMN. Outro questionário formado também por perguntas abertas e fechadas, foi aplicado a seis professores da EMus/UFBA.Utilizou-se também como fonte de pesquisa, diversos documentos (leis, decretos, atos e pareceres) sobre a legislação educacional,principalmente aqueles destinados a cursos técnicos profissionalizantes, impressos e ou publicados na Web. Ao analisar a importância do fenômeno investigado, tornou-se necessário realizar um levantamento preciso da história do curso, desde a sua criação até os dias atuais. Esta análise foi feita de acordo às respectivas mudanças nos modelos de políticas públicas educacionais a que foi submetido todo ensino técnico profissionalizante do país, nos governos de Fernando Henrique Cardoso e Luiz Inácio Lula da Silva, através da fundamentação teórica que norteou o foco principal deste trabalho. Os resultados apontam para necessidade de aprofundamento destes estudos em outras instituições (comunidade científica) de forma a dar continuidade a pesquisas como esta, com o intuito de apontar saídas para grande escassez de novos modelos de formação musical a nível profissionalizante, como as do curso em música do CEDMN.

O objeto desta pesquisa foi um plano de estudo personalizado para cada um dos dois clarinetistas, sujeitos desta pesquisa, de níveis diferentes, com duração de seis semanas. Trata-se de um estudo de caso exploratório-descritivo de abordagens tanto qualitativas quanto quantitativas que foi realizado sob uma nova perspectiva: transdisciplinar. O instrumentista é visto como um atleta, e a peça que vai tocar é a prova onde vai executar sua performance e para isto, necessário um treinamento específico metodologicamente fundamentado nos modelos de periodização do treinamento esportivo e em algumas estratégias de prática deliberada apresentadas na literatura da música. Teve como meta resultar numa alternativa de sistematização e organização dos estudos de prática do instrumento musical. Análises e um estudo aprofundado serão apresentados neste trabalho, que mostrou resultados positivos de acordo com as possibilidades de elaboração do planejamento e com os relatos dos sujeitos que vivenciaram o estudo. Pesquisas que abordem essa temática são necessárias para estreitar as relações entre as disciplinas, contribuindo para desenvolver novas estratégias de estudo para músicos profissionais ou amadores, e também para pedagogia do instrumento.

A embolada é um gênero musical característico da cultura popular nordestina documentado desde a década de 1920, mas que ganhou grande projeção no cenário nacional a partir das décadas de 1970 e 1980. Entre os estados da região Nordeste que têm a embolada com uma importante manifestação cultural, destaco, nesta tese, a performance musical dos emboladores da Paraíba. Considerando este universo, o trabalho tem como objetivo apresentar, discutir e analisar os aspectos fundamentais da performance musical da embolada no Estado, refletindo acerca das dimensões identitárias e das ressignificações que a constituem na atualidade. A pesquisa realizada teve como base os pilares epistemológicos da etnomusicologia e foi orientada por uma abordagem qualitativa com ênfase no trabalho de campo etnográfico. Ao longo do estudo foram contemplados instrumentos de coleta de dados como pesquisa bibliográfica, pesquisa sonoro-documental, observação participante e entrevistas. Os dados foram organizados e analisados a partir de um conjunto sistemático de procedimentos que permitiram, a partir das especificidades das informações obtidas, compreender as nuances que caracterizam a performance musical nesse contexto. A partir da pesquisa foi possível concluir que a performance da embolada possui na atualidade grande recorrência no Estado e que a prática de tal expressão musical requer a inserção e o conhecimento do embolador em uma série de parâmetros considerados fundamentais para fazer a embolada. Dentre tais parâmetros é possível destacar: o domínio dos gêneros poéticos e da poética musical, o domínio instrumental para se acompanhar, a capacidade de improvisar dentro da estrutura sonora do gênero, o conhecimento do repertório tradicional da manifestação, as habilidades fundamentais para o canto em dupla e para a prática da embolada ao vivo nos diferentes contextos de performance. 

Observando-se  as  dinâmicas  dos  prazos  de  entrega  e  objetivos  na  preparação  para uma  apresentação  musical,  entende-se  que,  de  maneira  geral,  existe  sempre  menos tempo  que  o  necessário  para  se  concluir  o  proposto  para  um  ensaio.  Isto  se  deve  ao fato  de  existirem  poucas  informações  confiáveis  acerca  das  reais  necessidades  de tempo,  e  demais  recursos,  das  competências  que  um  regente  deveria  ter  para concluir  as  atividades  de  produção  musical  dentro  de  um  período  de  ensaio disponível;  as  poucas  informações  encontradas  na  literatura  de  música  acerca  de ensaios  musicais  e  a  necessidade  de  se  ter  uma  melhor  condução  dos  ensaios.  O objetivo  geral  desse  trabalho  é  compreender  as  competências  do  regente  na  gestão de  ensaio,  e  os  objetivos  específicos  são:  conceituar  gestão  de  ensaio  por competência  e  sugerir  competências  do  regente  no  desempenho  da  função  de gestor  de  ensaio.  Parte-se  da  compreensão  de  que  um  ensaio  é  o  espaço  de  tempo no  qual  todos  os  esforços  são  concentrados  para  construir  um  resultado  artístico musical.  E  que  este  deve  ser  visto  como  uma  organização  passiva  de  gestão.  Tendo como  perspectiva  gerencial  a  gestão  por  competência  afirma-se  que  o  saber  agir  é  a essência  do  desempenho  da  regência.  A  competência  da  regência  está  na agregação  de  valor  que  o  regente  fornece  ao  conjunto  no  processo  do  ensaio,  uma vez  que  ele  não  trabalha  sozinho.  O  que  se  pode  reafirmar  é  que  a  ação,  a  entrega do  que  fora  proposto  no  ensaio,  é  o  ponto  de  convergência  da  competência

Neste estudo, investigo o processo de modernização do Carimbó no estado do Pará, destacando o papel desempenhado pelas instituições públicas criadas no contexto de intensas transformações modernizantes na região amazônica a partir da década de 50. Estabelecendo uma retrospectiva histórica, defendo que a trajetória do ritmo, desde seus primeiros registros historiográficos no final do século XIX, foi marcada pela discriminação, estigmatização e proibições. Entendo os momentos de mobilização da cultura popular, através da experiência de trauma gerada pelo caráter disruptivo da modernização capitalista. Analisando dados recolhidos em entrevistas, jornais e em pesquisa bibliográfica, revelo a inclinação de várias instituições públicas na promoção do Carimbó a partir da década de 50. A criação da Comissão Paraense de Folclore 1950 e do Conselho Estadual de Cultura, CEC, em 1968, são marcos fundamentais no ordenamento e mobilização dos agentes da cultura popular. Neste sentido, destaco a atuação dos intelectuais regionais, mormente os folcloristas paraenses. Além disto, mostro que, em sintonia com esta tendência institucional, as prefeituras locais, criando festivais de Carimbó, a escola pública, fundando grupos de Carimbó entre os alunos e o departamento de turismo, promovendo eventos (DETUR e PARATUR) foram instrumentos importantes na legitimação do Carimbó no início da década de 70. Em conclusão, considero que a mobilização modernizante do Carimbó levada a cabo pelos intelectuais regionais por meio das instituições públicas, tornou-se uma estratégia crescente dentro do período de modernização autoritária durante a ditadura civil-militar no Brasil. Atualmente, está em trâmite a proposta de Registro do Carimbó como Patrimônio Cultural do Brasil. Este reconhecimento oficial do Carimbó entende-se como continuidade da expansão modernizante que analisamos neste trabalho.

Este trabalho busca discutir a história dos afoxés Congos d’África e Badauê e a construção da identidade de jovens no bairro do Engenho Velho de Brotas, localizado na cidade de Salvador-Ba. Para este fim investigamos a história dos grupos em seus respectivos períodos de existência, a história do carnaval em Salvador e as antigas agremiações organizadas por negros, letras de músicas e imagens históricas das agremiações. Utilizando como metodologia a realização de entrevistas, pesquisas em acervos e outros materiais complementares como discos e imagens e considerando as fontes orais como veículo central para a definição do problema e direcionamento da pesquisa como um todo. Consideramos os fundadores destes grupos como empreendedores culturais e multiplicadores do saber e a partir das contribuições das pesquisas em Etnomusicologia, Ciências Sociais e História foi elaborado este texto final que tem o objetivo de contribuir com as pesquisas posteriores sobre Etnomusicologia, afoxés, carnaval, comunidades populares, memória musical e micro-história